Peter »Brownz« Braunschmid: Fotodesign, Photoshop-Kunst, Pop Art und KI aus Österreich. Homebase: BrownzArt.com, Workshops, Video-Trainings und Coaching.
VHS-Look, Scanlines, Bildrauschen und kleine analoge Fehler sind längst wieder Teil moderner Bildlooks. DealJumbo bietet aktuell 100 kostenlose VHS Texturen von Resource Boy an. Das Paket richtet sich an digitale und gedruckte Projekte und funktioniert vor allem als schnelle Overlay-Sammlung für Retro-, Glitch- und Y2K-Looks.
Was steckt in den kostenlosen VHS Texturen?
DealJumbo beschreibt das Paket als Sammlung von 100 Retro-VHS-Effekttexturen beziehungsweise Foto-Overlays. Der Vorteil liegt weniger in einem fertigen „Ein-Klick-Look“ als in der Auswahl. Statt immer dieselbe Störung zu verwenden, kannst du verschiedene Strukturen testen und den Effekt an dein Bild anpassen.
In Photoshop würde ich solche Texturen als eigene Ebene einsetzen. Danach reichen oft Deckkraft, Ebenenmaske und ein passender Ebenenmodus. Zusätzlich kannst du Farbe, Kontrast oder Unschärfe verändern. So bleibt der eigentliche Bildinhalt erhalten, während der VHS-Charakter nur die Oberfläche verändert.
Wofür funktioniert der Look?
Die Texturen passen gut zu Postern, Social-Media-Grafiken, Album-Artwork, experimentellen Composings und bewusst digitalen Retro-Looks. Wichtig ist die Dosierung. Wenn Scanlines, Rauschen und Farbstörungen gleichzeitig schreien, sieht das Bild schnell nach Effektfilter aus. Ein einzelner gut gesetzter Fehler wirkt meist glaubwürdiger.
Kostenlos heißt nicht ohne Lizenz
Laut DealJumbo dürfen die Freebies für persönliche und kommerzielle Projekte sowie für Kundenarbeiten genutzt werden. Die Dateien selbst darfst du jedoch nicht weiterverkaufen, weitergeben oder einzeln verteilen. Für Designs, die direkt zum Verkauf bestimmt sind, verlangt DealJumbo eine Extended License.
Der Download läuft über eine E-Mail-Adresse. Dabei meldet DealJumbo dich auch für den Newsletter an; laut Anbieter kannst du dich jederzeit wieder abmelden.
Transparenzhinweis: Fakten, Link und Lizenzhinweise wurden am 17. September 2026 geprüft. Die redaktionelle Ausarbeitung erfolgte mit KI-Unterstützung; Auswahl und Veröffentlichung liegen bei BROWNZ.ART.
Weiterlernen mit BROWNZ: Wenn du solche Werkzeuge gezielt in deinen eigenen Bildern einsetzen möchtest, findest du hier den nächsten Schritt: Photoshop lernen mit BROWNZ – mit Videotrainings, Archiv und persönlichem Coaching.
Manchmal ist ein Bild technisch fertig – und trotzdem fehlt noch etwas. Genau für solche Momente mag ich Texturen. Nicht als Effektkeule, sondern als letzte Schicht, die einem Bild etwas Unberechenbares gibt.
Bei Pixelbuddha gibt es aktuell ein kostenloses Set mit Liquid Textures für Photoshop. Enthalten sind acht hochauflösende JPG-Dateien mit fließenden Farb-, Öl- und Lackstrukturen. Das Ganze wirkt irgendwo zwischen Lavalampe, Marmorierung und analogem Farbunfall – im positiven Sinn.
Wofür lassen sich Liquid Textures einsetzen?
Für mich sind solche Texturen vor allem interessant, wenn ein Composing zu sauber aussieht. Als Overlay, Hintergrund oder mit passenden Ebenenmodi lassen sich damit Flächen aufbrechen, Farben verbinden oder kleine Unregelmäßigkeiten einbauen. Das funktioniert bei Photoshop-Composings genauso wie bei Postern, Social-Media-Grafiken, Typografie oder experimentellen Bildlooks.
Wichtig ist nur: nicht jede Textur muss sofort schreien, dass sie eine Textur ist. Oft reichen 10 oder 20 Prozent Deckkraft, eine Maske und ein bisschen Farbe. Dann wird aus einem fertigen Bild nicht plötzlich ein Effektfeuerwerk – sondern einfach ein besseres Bild.
Kurz gesagt
Wer kostenlose Photoshop-Texturen sucht und mit organischen, flüssigen Strukturen etwas anfangen kann, sollte sich das Set ansehen. Acht JPGs, schnell ausprobiert und vielseitig genug, um nicht nach fünf Minuten wieder vergessen zu werden.
Transparenzhinweis: Der Beitrag basiert auf meiner Themenvorgabe. Fakten- und Linkprüfung sowie die redaktionelle Ausarbeitung wurden mit KI-Unterstützung erstellt.
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„F*ck AI“ und die Kunstdebatte: Warum Handarbeit Respekt verdient, der Hass auf ein Werkzeug aber noch lange keine Kunstkritik ist.
Stand: 17. August 2026 · Links und Fakten redaktionell geprüft
Kurz gesagt: Die Hand kann ein Werk ausführen. Idee, Auswahl und Verantwortung sitzen trotzdem im Kopf. Und ein Sternchen macht aus einem Slogan noch keine differenzierte Kunsttheorie.
Seit einiger Zeit taucht in Künstler-Feeds sinngemäß immer wieder dieselbe Botschaft auf: „F*ck AI. I made this with my own hands.“ Dazu ein gemaltes Bild, ein Making-of oder eine Hand mit Farbe bis zum Ellbogen. Die Aussage ist klar: Das hier ist echt. Das hier ist menschlich. Und irgendwo außerhalb des Bildausschnitts sitzt offenbar die böse Maschine und frisst gerade einen Aquarellkasten.
Ich verstehe den Impuls. Wer jahrelang zeichnen, malen, fotografieren oder gestalten gelernt hat, darf auf sein Handwerk stolz sein. Wirklich. Nur wird aus berechtigtem Stolz sehr schnell ein moralisches Reinheitsgebot: mit der Hand gut, mit KI schlecht. Und genau da wird die Sache ungefähr so präzise wie ein Pinsel mit drei Haaren.
F*ck AI: Das Sternchen ersetzt keine Debatte
Bei meiner Recherche habe ich keinen belastbar dokumentierten zentralen Ursprung und keine einheitlich organisierte Kampagne hinter genau diesem Wortlaut gefunden. Der Spruch kursiert in verschiedenen Varianten. „F*CK AI“ ist inzwischen jedenfalls ein sichtbares kulturelles Bekenntnis; ein dokumentiertes Beispiel aus dem Musikbereich war 2025 ein vollständig von mehr als 20 Fan-Künstlern animiertes Video des Rappers bbno$. Das ist eine legitime Entscheidung für menschliche Zusammenarbeit. Es ist nur kein Beweis dafür, dass jede andere Arbeitsweise automatisch wertlos ist.
Ein Slogan muss kurz sein. Das ist sein Beruf. Problematisch wird es erst, wenn die Kürze als Argument verkleidet wird. „Ich habe das mit meinen eigenen Händen gemacht“ beschreibt einen Teil des Prozesses. Es sagt noch nichts darüber, ob die Idee gut, die Komposition stark, die Aussage eigenständig oder das Ergebnis überhaupt interessant ist. Auch eine schiefe Gartenhütte kann vollständig handgemacht sein. Der Wind respektiert das trotzdem nur begrenzt.
Die Hand ist ein Werkzeug. Der Kopf hoffentlich auch.
Nehmen wir die Fotografie. Rein technisch drückt am Ende jemand auf einen Knopf. Wenn wir dieselbe Logik anwenden, wäre Fotografie also keine kreative Leistung, sondern gepflegte Zeigefingergymnastik. Das ist natürlich Unsinn. Vor dem Knopfdruck liegen Motiv, Licht, Perspektive, Brennweite, Timing und Absicht. Danach kommen Auswahl, Entwicklung, Bearbeitung und Präsentation. Der Knopf ist nur die Stelle, an der die Kamera kurz „Ja, Chef“ sagt.
Beim Malen ist es nicht anders. Der Pinsel hatte die Idee nicht. Die Leinwand hat keine Haltung. Photoshop entscheidet nicht, welches Bild ich veröffentliche. Und ein generatives System wacht auch nicht morgens auf und denkt: Heute mache ich endlich diese Serie über Erinnerung, Verlust und einen leicht beleidigten Flamingo. Menschen geben Richtung, wählen aus, verwerfen, kombinieren, bearbeiten und übernehmen Verantwortung. Wie viel davon tatsächlich passiert, ist der entscheidende Unterschied.
Natürlich ist ein einzelner Prompt noch kein Beweis für große künstlerische Arbeit. Aber ein einzelner Pinselstrich ist es ebenfalls nicht. Das Werkzeug verrät nicht automatisch, wie viel Denken, Erfahrung und Entscheidung im Ergebnis steckt. Es verrät nur, womit gearbeitet wurde.
Der Vorwurf ist älter als die KI
Ich kenne diesen Satz nicht erst seit ChatGPT. Ich arbeite seit den 1980er-Jahren als Medienkünstler; meine öffentliche Selbstbeschreibung lautet „DIGITAL.art since 1984“. Computeranimation, digitale Bildgestaltung, 3D-Rendering, Fotografie, Photoshop-Composing, später Mixed Media und Synthografie: Die Werkzeuge haben sich verändert. Die Reaktion mancher Menschen erstaunlich wenig.
Schon früher kam zuverlässig: „Das hast du ja nicht mit deinen Händen gemacht. Das ist computergerendert. Das ist Fotografie mit Computer. Das zählt nicht richtig.“ Ich habe in diesen Bereichen gearbeitet, veröffentlicht, unterrichtet, und meine Arbeit wurde auch ausgezeichnet. Trotzdem fand sich immer jemand, der den Computer wie einen heimlichen Praktikanten behandelte, der angeblich Idee, Gestaltung und Endkontrolle ganz allein erledigt hatte. Sehr fleißiger Rechner. Nur leider ohne Telefonnummer für Rückfragen.
Der Vorwurf war damals schon schief. Der Computer hatte weder die Idee noch wählte er das Motiv, baute die Bildsprache oder entschied, wann eine Arbeit fertig war. Ein Rendering konnte stundenlang laufen; dadurch wurde es aber nicht automatisch Kunst. Umgekehrt wurde die menschliche Arbeit nicht unsichtbar, nur weil ein Prozessor beteiligt war. Heute trägt derselbe alte Vorwurf ein neues Namensschild: KI. Die Technik ist neu. Das Gatekeeping-Skript hat offenbar seit den Achtzigern kein Update bekommen.
Tron: erst angeblich geschummelt, später Filmgeschichte
Mein Lieblingsbeispiel dafür ist „Tron“ von 1982. Da muss man die oft erzählte Geschichte allerdings kurz vom Neonstaub befreien: Der Film war nicht generell von den Oscars ausgeschlossen. Er bekam sogar zwei Nominierungen, für Kostümdesign und Ton. Ausgerechnet bei den visuellen Effekten wurde er aber nicht nominiert. Regisseur Steven Lisberger beschrieb die damalige Haltung später mit dem Satz: „The Academy thought we cheated by using computers.“ Der Computereinsatz galt in dieser Logik also nicht als neue Gestaltungsmöglichkeit, sondern als verdächtige Abkürzung. Heute wirkt das ungefähr so modern wie ein Diskettenlaufwerk mit Zukunftsangst.
Die Pointe ist noch schöner: „Tron“ war gar kein Film, den der Computer heimlich allein gebaut hatte. Eine offizielle Disney-Rückschau beschreibt ihn als Hybrid aus Live-Action, klassischer Cel-Animation, Mehrfachbelichtungen und Computerbildern; nur ein kleiner Teil war tatsächlich CGI. Gerade die Arbeit, die man angeblich eingespart hatte, war in Wahrheit ein ziemlicher handwerklicher Wahnsinn. Man hatte für das Neue nur noch keine passende Schublade. Also ließ man die Schublade für visuelle Effekte vorsichtshalber zu.
Von Tron zu Avatar
Springen wir zu „Avatar“. Auch das ist kein Film, bei dem James Cameron kurz auf „Pandora erstellen“ geklickt und danach Kaffee getrunken hat. Es ist ein Zusammenspiel aus Schauspiel, Kamera, Animation und visuellen Effekten. Der Film erhielt neun Oscar-Nominierungen und gewann drei, darunter den Oscar für visuelle Effekte. Mit mehr als 2,9 Milliarden Dollar weltweitem Kinoeinspiel wurde er außerdem zum erfolgreichsten Film der Boxoffice-Geschichte, nicht inflationsbereinigt. Über die Handlung darf man selbstverständlich streiten. Über die Tatsache, dass hier Kunst, Handwerk und Technologie zusammenarbeiten, eher weniger.
Das ist kein Naturgesetz, nach dem jede neue Technik automatisch gut und jeder Kritiker automatisch rückständig wäre. Aber das Muster wiederholt sich auffällig oft: Zuerst heißt das neue Werkzeug Betrug, Abkürzung oder Untergang. Später wird es Unterrichtsstoff, Standard und gewinnt manchmal genau den Oscar, für den es anfangs nicht einmal nominiert wurde. Darum lohnt es sich, beim ersten Empörungsreflex kurz zu warten, bis der digitale Nebel aus der Maschine gezogen ist. Kritik ja. Kulturkrieg aus Gewohnheit eher nein.
Kreative Arbeit wurde schon immer delegiert
Der Leiter einer Werbeagentur baut nicht jede Reinzeichnung selbst. Ein Art Director setzt Stil, Botschaft und Richtung, wählt aus, korrigiert und genehmigt. Das offizielle Berufsprofil des US Bureau of Labor Statistics beschreibt genau das: Art Directors entwickeln den übergeordneten Look und leiten andere an, die Grafiken und Layouts ausarbeiten. Wenn nur Handarbeit zählen würde, müsste der Art Director beim Kunden sagen: „Die Kampagne ist von mir – außer den Teilen, die sichtbar sind.“
Beim Film wird es noch deutlicher. Regie, Kamera, Licht, Ausstattung, Schnitt, Ton und Effekte arbeiten gemeinsam. Nicht einmal die Person, die das Bild gestaltet, muss zwingend die Kamera selbst bedienen. Trotzdem käme niemand auf die Idee, den Film abzumelden, weil der Regisseur die Kulisse nicht persönlich gezimmert und danach noch schnell die Geige eingespielt hat.
Wenn wir die Handarbeitslogik konsequent durchziehen, wird es ohnehin sportlich. Dann müssten wir Agenturleiter, Art Directors, Regisseurinnen, Architekten, Komponistinnen und Bildhauer verurteilen, sobald andere Menschen einen Teil ihrer Idee ausführen. Fotografen wären verdächtig, weil die Kamera das Licht aufzeichnet. Digitalkünstler sowieso. Und ganz sauber wäre am Ende nur noch, wer seine Pigmente selbst aus dem Berg kratzt, den Pinsel bindet und vorsichtshalber auch den Computer lötet. Kann man machen. Der Abgabetermin wird dann allerdings interessant.
Auch die Kunstgeschichte kennt Delegation nicht erst seit gestern. Sol LeWitts Wandzeichnungen wurden und werden nach seinen Anweisungen von Assistentinnen, Assistenten und lokalen Teams ausgeführt. Die National Gallery of Art dokumentiert bei „Wall Drawing #65“ ausdrücklich, dass ein Team das Werk umsetzte und LeWitts Wandzeichnungen üblicherweise von anderen ausgeführt werden. Die Hände waren real. Ebenso real war die Urheberschaft der Idee. Beides kann gleichzeitig stimmen, ohne dass die Kunstpolizei ausrücken muss.
KI ist trotzdem kein Mitarbeiter mit Kaffeetasse
Jetzt bitte nicht falsch verstehen: Ein KI-System ist kein menschlicher Kollege. Es hat keine Biografie, keinen eigenen künstlerischen Willen und keine Verantwortung für das Ergebnis. Es kann nicht erklären, warum ihm ein Bild wichtig ist. Auch nervös beim Kunden sitzen kann es nicht, wenn die Kampagne schiefgeht. Das bleibt zuverlässig am Menschen hängen.
Darum ist die Nutzung eines Modells nicht dasselbe wie die Zusammenarbeit mit einer Illustratorin, einem Fotografen oder einem 3D-Artist. Menschen bringen Erfahrung, Rechte, Interessen, Interpretation und eine eigene Perspektive ein. Genau deshalb müssen faire Bezahlung, Einwilligung, Datenherkunft und kreative Kontrolle ernst genommen werden. KI ist ein anderes Werkzeug und wirft andere Fragen auf. Nur folgt daraus nicht, dass jede Arbeit damit geistlos sein muss.
Die brauchbare Frage lautet also nicht: „Hat eine Hand jeden Pixel persönlich berührt?“ Sie lautet: Wer hatte die Idee, wer traf die Entscheidungen, wer hat verändert, wer trägt die Verantwortung – und wurde jemand dabei übergangen oder getäuscht? Das ist weniger plakatfähig. Dafür passt es näher an die Wirklichkeit.
Warum der Slogan „F*ck AI“ so gut klebt
Erstens berührt generative KI die berufliche und persönliche Identität. Wer viel Zeit in ein Handwerk investiert hat, erlebt einen schnellen Maschinenoutput leicht als Entwertung der eigenen Mühe. Das ist menschlich. Forschung zur Wahrnehmung von KI-Kunst zeigt tatsächlich einen Etiketteneffekt: In zwei Studien wurden dieselben KI-erzeugten Bilder zufällig als „menschlich geschaffen“ oder „KI-geschaffen“ bezeichnet. Die menschlich etikettierten Werke wurden im Durchschnitt positiver bewertet; wahrgenommene Geschichte, Bedeutung und menschlicher Aufwand spielten dabei eine Rolle.
Zweitens verwenden wir Aufwand gern als Abkürzung für Qualität. Je länger etwas gedauert hat, desto wertvoller muss es sein. Nur ist dieser sogenannte Effort Heuristic kein Naturgesetz. Eine große, vorregistrierte Replikation mit insgesamt 1.405 Personen fand gemischte Ergebnisse: teilweise beeinflusste angenommener Aufwand Gefallen und Qualitätsurteile, beim Geldwert aber nicht stabil. Anders gesagt: Mühe kann unsere Wahrnehmung färben. Sie ersetzt nicht die Beurteilung des Werks. Auch zwölf Stunden an einer schlechten Idee bleiben zwölf Stunden an einer schlechten Idee. Das ist traurig, aber demokratisch.
Drittens liebt Social Media klare Feindbilder. Eine Studie in Science Advances untersuchte 12,7 Millionen Tweets von 7.331 Nutzern sowie kontrollierte Experimente. Positive Reaktionen auf moralische Empörung erhöhten die Wahrscheinlichkeit, später wieder empört zu posten. Das beweist nicht, dass jeder „F*ck AI“-Post kalkulierter Ragebait ist. Es erklärt aber, warum ein wütendes Lagerfeuer häufiger herumgereicht wird als der Satz: „Das hängt vom konkreten Workflow, den Rechten und der redaktionellen Verantwortung ab.“
Die Kritik ist nicht erfunden
Wer jetzt glaubt, ich möchte KI einen Heiligenschein aufsetzen, darf sich wieder entspannen. Es gibt reale Probleme: ungeklärte oder umstrittene Trainingspraktiken, fehlende Einwilligung, faire Vergütung, Stilkopien, Täuschung, Deepfakes, Massenproduktion von austauschbarem Inhalt, ökologische Kosten und wirtschaftlichen Druck auf Kreativberufe. UNESCO nennt unter anderem Urheberrechtsverletzungen, unfaire Vergütung, unautorisierte Nutzung von Werken, Bias und Umweltauswirkungen als dringende Themen im Kulturbereich. Das ist kein eingebildetes Problem von Menschen, die zu wenig gepromptet haben.
Beim Energieverbrauch lohnt sich Genauigkeit. Laut Internationaler Energieagentur verbrauchten Rechenzentren 2024 weltweit rund 415 Terawattstunden Strom, etwa 1,5 Prozent des globalen Stromverbrauchs. Das war nicht alles KI. Bis 2030 erwartet die IEA im Basisszenario rund 945 Terawattstunden und nennt KI den wichtigsten Wachstumstreiber – neben anderen digitalen Diensten. Das ist ein reales Thema für Infrastruktur, Stromnetze und Umwelt. Die Behauptung, ein einzelner Prompt habe gerade persönlich einen See leergekocht, hilft bei der Lösung allerdings ungefähr so viel wie ein wütendes Emoji.
Trainingsdaten und menschliche Urheberschaft
Auch die Trainingsdaten sind keine Nebensache. Die EU verlangt von Anbietern bestimmter KI-Modelle mit allgemeinem Verwendungszweck nach Artikel 53 unter anderem eine Strategie zur Einhaltung des EU-Urheberrechts und eine öffentlich zugängliche, ausreichend detaillierte Zusammenfassung der Trainingsinhalte. Damit sind noch lange nicht alle Streitfragen zu Einwilligung, Vergütung und Herkunft gelöst. Aber schon die Regelung zeigt: Das Thema ist konkret, berechtigt und regulierungsbedürftig – ganz ohne Kulturkampf mit Bastelschere.
Auch die Rechtslage ist differenziert. Das US Copyright Office hält fest: Rein maschinell bestimmte Ausdruckselemente sind in den USA nicht urheberrechtlich geschützt; ausreichend menschlich bestimmte Gestaltung, kreative Anordnung oder Überarbeitung kann dagegen geschützt sein. Die bloße Nutzung von KI schließt Schutz also nicht automatisch aus, ein Prompt allein reicht nach dieser US-Position aber nicht. Das ist US-Recht und keine Weltformel – zeigt jedoch sehr schön, dass selbst Behörden zwischen Werkzeughilfe und menschlicher Autorschaft unterscheiden.
Man darf konkrete Modelle, Firmen, Datensätze, Geschäftspraktiken und Anwendungen hart kritisieren. Man soll es sogar, wenn etwas unfair oder täuschend ist. Genau dort liegt die wichtige Debatte: Trainingsdaten, Rechte, Vergütung, Energie, Täuschung, Macht und Verantwortung. Nur „F*ck AI“ wirft seriöse Bildbearbeitung, generative Skizzen, Deepfakes, Assistenzfunktionen und komplett automatisierten Content-Müll in denselben Kübel. Der Kübel ist dann zwar schnell voll, aber die Analyse bleibt leer. Und der Vergleich „Hand gleich gut, nicht Hand gleich böse“ ist von all diesen Fragen wirklich die uninteressanteste.
Handgemacht darf ein Wert sein. Nur kein Reinheitsgebot.
Ein handgemaltes Original hat eine materielle Geschichte. Man sieht Schichten, Spuren, Fehler, Entscheidungen und manchmal auch den Moment, in dem der Ärmel durch die Farbe gezogen wurde. Das kann einen echten künstlerischen und wirtschaftlichen Wert haben. Wer bewusst ohne generative KI arbeitet, darf das sagen. Transparenz ist gut. Stolz ist auch gut.
Nur sollte aus „Ich habe mich für diesen Prozess entschieden“ nicht automatisch „Alle anderen betrügen“ werden. Eine analoge Fotografin ist nicht moralisch besser als ein digitaler Fotograf. Ein Illustrator mit Bleistift ist nicht automatisch origineller als jemand mit Grafiktablett. Und ein Mensch mit KI ist weder automatisch Künstler noch automatisch Hochstapler. Das Ergebnis, der Prozess und die Verantwortung müssen gemeinsam betrachtet werden. Ja, das ist komplizierter als ein Sharepic. Das Leben ist manchmal ausgesprochen schlecht für quadratische Parolen.
Wer hat es gemacht? Die brauchbare Antwort
Statt ein Reinheitsabzeichen zu verteilen, kann man den eigenen Prozess konkret beschreiben. Fünf Fragen reichen meistens schon:
Woher kam die Idee? Von einer Person, einem Auftrag, einer Erfahrung oder nur aus dem Zufallsgenerator?
Welche Werkzeuge wurden eingesetzt? Pinsel, Kamera, Photoshop, 3D, generative KI – gern ohne Theaternebel.
Welche Entscheidungen traf der Mensch? Konzept, Auswahl, Komposition, Varianten, Überarbeitung und Veröffentlichung.
Welche Teile wurden delegiert oder generiert? An Mitarbeitende, Freelancer, Software oder Modelle.
Wer übernimmt die Verantwortung? Für Aussage, Rechte, Kennzeichnung, Qualität und mögliche Fehler.
Damit bekommt das Publikum Information statt Gruppenzugehörigkeit. Danach kann jeder selbst entscheiden, was er schätzt, kauft oder ausstellt. Genau so sollte es sein. Kunst braucht keine zentrale Geschmackspolizei – weder mit Pinselabzeichen noch mit Promptführerschein.
Damit das Sternchen keine Fakten frisst: zwölf geprüfte Punkte
Für den genauen Spruch ließ sich kein belastbar dokumentierter zentraler Ursprung oder eine einheitliche Organisation finden; er kursiert als variierende Social-Media-Parole.
„F*CK AI“ wird nachweislich als kulturelles Statement eingesetzt, unter anderem 2025 im Umfeld eines von zahlreichen menschlichen Animatorinnen und Animatoren produzierten Musikvideos.
Art Directors entwickeln den übergeordneten visuellen Stil und leiten andere an, die konkrete Grafiken und Layouts umsetzen. Delegation ist Teil des offiziellen Berufsbilds.
Sol LeWitts Wandzeichnungen werden häufig von Teams nach seinen Anweisungen ausgeführt. Kreative Urheberschaft und manuelle Ausführung sind daher nicht zwangsläufig identisch.
„Tron“ war bei den Oscars 1983 nicht generell ausgeschlossen: Der Film erhielt Nominierungen für Kostümdesign und Ton, jedoch keine für visuelle Effekte. Regisseur Steven Lisberger führte diese Auslassung später auf die damalige Wahrnehmung von Computereinsatz als „Schummeln“ zurück.
„Avatar“ erhielt neun Oscar-Nominierungen und gewann unter anderem für visuelle Effekte. Mit mehr als 2,9 Milliarden US-Dollar weltweitem Kinoeinspiel gilt der Film ohne Inflationsbereinigung als erfolgreichster Film der Boxoffice-Geschichte.
Bewertung, Ressourcen und Rechte
Studien zeigen, dass die Kennzeichnung „menschlich geschaffen“ die Bewertung derselben Bilder gegenüber „KI-geschaffen“ verbessern kann. Das Label beeinflusst also mit.
Wahrgenommener Aufwand kann Qualitätsurteile erhöhen, der Effekt ist laut vorregistrierten Replikationen aber kontextabhängig und nicht für alle Werturteile stabil.
Online-Belohnungen wie Likes und Shares können moralische Empörung verstärken. Das wurde in großen Beobachtungsdaten und Experimenten gezeigt.
Rechenzentren verbrauchten laut IEA 2024 rund 415 Terawattstunden beziehungsweise 1,5 Prozent des weltweiten Stroms. Das ist nicht mit reinem KI-Verbrauch gleichzusetzen; KI ist laut IEA aber der wichtigste Treiber des erwarteten Wachstums bis 2030.
Anbieter von KI-Modellen mit allgemeinem Verwendungszweck müssen nach Artikel 53 des EU AI Act unter anderem eine Urheberrechtsstrategie und eine ausreichend detaillierte öffentliche Zusammenfassung der Trainingsinhalte vorlegen. Das schafft Transparenz, löst aber nicht automatisch sämtliche Rechte- und Vergütungsfragen.
Nach Position des US Copyright Office schließt KI-Unterstützung Urheberrechtsschutz nicht automatisch aus; entscheidend sind ausreichend menschlich bestimmte Ausdruckselemente. Artikel 50 des EU AI Act enthält daneben seit 2. August 2026 bestimmte Transparenzpflichten. US-Urheberrecht und EU-Transparenzrecht sind dabei nicht dasselbe und dürfen nicht vermischt werden.
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Weniger Lagerfeuer, mehr Werkstatt
Ich habe überhaupt kein Problem mit dem Satz: „Das habe ich mit meinen eigenen Händen gemacht.“ Im Gegenteil. Zeig den Prozess, die Skizzen, die verworfenen Versuche und die Farbe unter den Fingernägeln. Das ist spannend. Mein Problem beginnt erst beim unausgesprochenen Nachsatz: „… und deshalb sind alle anderen weniger wert.“ Den kann man getrost weglassen. Er macht weder das Bild besser noch die Debatte klüger.
Jeder darf sein Betätigungsfeld wählen. Manche malen analog, andere arbeiten digital, manche fotografieren, bauen 3D-Szenen, führen Teams oder kombinieren Werkzeuge. Entscheidend ist, ob jemand eine eigene Absicht verfolgt, sauber arbeitet, transparent bleibt und Verantwortung übernimmt. Wir müssen daraus keinen Glaubenskrieg machen. Die Kunstwelt hat bereits genug Nebelmaschinen.
Mein Vorschlag für das nächste Schild: F*ck Schubladen. Ich habe nachgedacht – mit meinem eigenen Kopf.
Disney D23: Über 40 Jahre Tron — Offizielle Rückschau zur hybriden Herstellung aus Live-Action, Handanimation und Computerbildern sowie zur ausgebliebenen Nominierung für visuelle Effekte.
Steven Lisberger über Tron und den Oscar — Interview mit dem Regisseur über die frühen CGI-Verfahren und die damalige Wahrnehmung des Computereinsatzes als „Schummeln“.
Academy Awards 1983: Tron — Offizielle Oscar-Dokumentation der beiden Nominierungen für Kostümdesign und Ton sowie der damaligen Kategorie visuelle Effekte.
Academy Awards 2010: Avatar — Offizielle Oscar-Dokumentation: neun Nominierungen und drei Auszeichnungen, darunter visuelle Effekte.
Walt Disney Company: Avatar — Aktuelle Einordnung des weltweiten Einspielergebnisses von mehr als 2,9 Milliarden US-Dollar sowie der Oscar-Bilanz.
UNESCO: AI and culture — Überblick zu Chancen sowie Risiken für Rechte, Vergütung, Bias, Umwelt und kreative Arbeit.
Internationale Energieagentur: Energy and AI — Offizielle Zahlen zum weltweiten Stromverbrauch von Rechenzentren 2024 und zur Entwicklung bis 2030; KI wird als wichtigster Wachstumstreiber eingeordnet.
Die Grundidee, persönliche Haltung, langjährige Erfahrung mit Fotografie, Photoshop und generativen Bildwerkzeugen sowie die zentralen Argumente dieses Artikels stammen von BROWNZ. ChatGPT wurde unterstützend eingesetzt, um die Gedanken zu strukturieren, Gegenpositionen zu prüfen, aktuelle Quellen zu recherchieren, Formulierungen auszuarbeiten und den Text redaktionell zu verdichten. Die inhaltliche Auswahl, künstlerische Position, Beispiele, Bewertung und Endredaktion liegen bei BROWNZ. Externe Quellen wurden nur für überprüfbare rechtliche, wissenschaftliche und berufskundliche Fakten herangezogen und sind oben direkt verlinkt. Der Artikel ist damit selbst ein Beispiel für die vertretene Haltung: KI als Werkzeug – der Mensch als Ideengeber, Entscheider und verantwortlicher Autor. Dieser Transparenzhinweis dient der nachvollziehbaren Offenlegung der Arbeitsweise. Er stellt keine individuelle Rechtsberatung und keinen automatischen Nachweis vollständiger Konformität mit sämtlichen Anforderungen des EU AI Act dar. Offizielle Erläuterungen der Europäischen Kommission
Warum Weglassen im Zeitalter des unendlichen Mehrs wieder wichtig wird
Peter „BROWNZ“ Braunschmid · Linz · August 2026
Mehr ist billig geworden. Entscheiden ist teuer.
Wir leben in einer Welt des Mehr. Mehr Varianten, mehr Programme, mehr Bilder, mehr Meinungen – und sicherheitshalber noch drei Versionen davon. Die KI hat diesen Wasserhahn nicht erfunden. Sie hat ihn nur voll aufgedreht.
Mit ein paar Eingaben entstehen in kurzer Zeit Texte, Bilder, Musik, Präsentationen, Videos und Konzepte. Technisch beeindruckend. Aber Menge ist keine Bedeutung. Tausend Bilder sind noch keine Bildwelt.
Mein Gegenentwurf heißt radikale Reduktion. Nicht als Mode. Nicht als leeres weißes Wohnzimmer mit einsamer Vase. Sondern als harte kreative und persönliche Entscheidung.
Radikal heißt: an die Wurzel
Radikale Reduktion beginnt nicht beim Aufräumen. Sie beginnt mit einer einfachen Frage: Worum geht es hier eigentlich?
Was trägt die Idee? Welche Elemente sind nur Dekoration oder aus Gewohnheit da? Und was bleibt, wenn ich alles entferne, das zwar möglich, aber nicht notwendig ist? Und vor allem: Wozu sage ich ab jetzt Nein?
Das Nein ist der schwierige Teil. Hinzufügen kann fast jeder. Weglassen verlangt Urteilskraft. Man legt sich fest, schließt Türen und macht eine Richtung sichtbar. Damit wird sie natürlich auch angreifbar.
Reduktion ist für mich keine Schwächung. Sie ist Konzentration. Weniger Lärm, damit das Wesentliche wieder eine Stimme bekommt.
KI produziert Varianten. Entscheiden muss ich.
Mit KI kann ich in Minuten Varianten erzeugen, für die ich früher Stunden oder Tage gebraucht hätte. Für bestimmte Aufgaben lässt sich der Zeitgewinn sogar messen: In einem randomisierten Experiment mit 453 Berufstätigen wurden klar umrissene Schreibaufgaben mit ChatGPT im Durchschnitt 40 Prozent schneller erledigt; die bewertete Qualität stieg um 18 Prozent. Das gilt für diese Aufgaben. Nicht automatisch für Arbeit überhaupt und schon gar nicht für Kunst.
Die wichtige Frage lautet deshalb nicht nur: Was kann ich erzeugen? Sondern: Was davon darf bleiben?
Eine Studie mit kurzen Geschichten zeigte 2024 die andere Seite. KI-Ideen verbesserten die Bewertung einzelner Texte, vor allem bei den im Vortest weniger kreativen Teilnehmenden. Gleichzeitig ähnelten sich die KI-unterstützten Geschichten stärker. Individuell besser, gemeinsam ähnlicher. Kein Todesurteil für KI. Aber ein brauchbares Warnschild.
Wenn Millionen Menschen dieselben Modelle nach denselben spektakulären Dingen fragen, bekommen wir sehr viel Oberfläche und erstaunlich oft denselben Brei. Alles leuchtet. Überall schweben Partikel. Jedes Gesicht war offenbar beim selben digitalen Hautarzt.
Ich bin weder KI-Verweigerer noch automatisches Bilderfließband. BROWNZ ART ist kein Prompt-Kiosk. Prompt rein, Bild raus, Hirn aus – das ist kein Arbeitsprozess. KI liefert Rohmaterial. Ich wähle, kombiniere und retuschiere. Die Richtung kommt von mir.
Die KI macht mehr. Ich entscheide, was bleibt.
In meiner Kunst: Nicht alles bleibt
Ich sammle viel. Fotos, Skizzen, Handyfotos, Zeichnungen, Texturen, Archivsplitter, digitale Zufälle und Erinnerungsreste können Rohstoff sein. Das klingt zunächst nicht nach Reduktion. Ist es aber.
Sammeln ist der Anfang, nicht das Ergebnis. Nicht alles bleibt. Ein Bild mutiert, wird gebaut, zerlegt, neu zusammengesetzt, gedruckt, überarbeitet und manchmal wieder zerstört. Ich arbeite daran, bis es nicht mehr nach Rohmaterial aussieht.
Dabei fliegen auch gute Dinge hinaus. Eine schöne Textur kann das falsche Bild schöner machen. Dann muss sie trotzdem weg. Ein Effekt kann technisch toll sein und die Aussage ruinieren. Ein Bild ist keine Demokratie. Nicht jedes Element hat Bleiberecht.
Am Ende zählt nicht, wie viele Ebenen in der Photoshop-Datei liegen. Es zählt, ob das Bild trägt. Idee, Stimmung, Oberfläche, Entscheidung. Ein Werk an einer Wand, für einen Sammler. Dazwischen darf der Weg ruhig wild sein. Das Ergebnis braucht Klarheit.
In Photoshop, Synthografie und Wissen
Seit den Achtzigern arbeite ich digital, Coachings und Workshops gebe ich seit 1997. Ich habe Programme kommen, wachsen, umbenannt werden und wieder verschwinden sehen. Jede neue Version verspricht mehr. Mehr Funktionen, mehr Automatismen, mehr Abkürzungen.
In Coachings merke ich aber immer wieder: Den meisten fehlt nicht die nächste Funktion. Ihnen fehlt die nächste klare Entscheidung. Wo liegt der Blick? Was soll das Licht tun? Welche Farbe führt? Warum ist die Figur überhaupt im Bild? Und wann ist Schluss?
In einem Coaching schütte ich nicht mein gesamtes Archiv über jemanden aus. Das wäre Wissen als Lawine. Ich reduziere, bis der nächste sinnvolle Schritt sichtbar wird. Verständlich machen, ohne dumm zu machen. Zeigen, was wirkt – und genauso klar sagen, was nicht funktioniert.
Wer eine Taste sucht, die automatisch Geschmack erzeugt, wird weiterhin enttäuscht. Das ist wahrscheinlich gesund.
Mehr Auswahl lähmt – stimmt das überhaupt?
An dieser Stelle wird gern die Marmeladenstudie aus dem Jahr 2000 erzählt: 24 Sorten zogen mehr Aufmerksamkeit an, bei sechs Sorten wurde aber häufiger gekauft. Daraus entstand die praktische Schlagzeile, zu viel Auswahl mache uns handlungsunfähig.
Nur ist die Wissenschaft weniger dekorativ als die Schlagzeile. Eine Meta-Analyse von 50 veröffentlichten und unveröffentlichten Experimenten fand 2010 im Durchschnitt praktisch keinen allgemeinen Choice-Overload-Effekt – aber große Unterschiede zwischen den Studien. Mehr Auswahl kann belasten. Manchmal tut sie es nicht. Der Kontext entscheidet.
Mein Plädoyer für radikale Reduktion ist daher kein Naturgesetz nach dem Motto: Drei Möglichkeiten sind gut, vier machen krank. So einfach ist es nicht.
Reduktion wird dort wertvoll, wo Möglichkeiten das Ziel verdecken. Wo wir nur noch vergleichen, statt zu entscheiden. Wo die Produktion weiterläuft, obwohl die Aussage längst fertig wäre. Sie ist keine neurologische Zauberformel. Sie ist eine bewusste Arbeitsweise.
Die Philosophen und Gestalter waren früher dran
Henry David Thoreau schrieb 1854 in „Walden“, das Leben werde durch Einzelheiten zerrieben, und forderte: „Simplify, simplify.“ Er kannte weder Smartphones noch generative KI. Den Mechanismus offenbar schon.
Der Designer Dieter Rams formulierte später: „Less, but better.“ Gutes Design sei so wenig Design wie möglich, weil es sich auf das Wesentliche konzentriert. Das ist kein Auftrag, alles hübsch leer zu machen. Es ist ein Auftrag, das Unnötige nicht mit Bedeutung zu verwechseln.
Herbert Simon, Nobelpreisträger und früher KI-Forscher, beschrieb unsere begrenzte Rationalität. Menschen optimieren nicht endlos. Sie suchen, bis eine tragfähige Lösung erreicht ist. Er nannte das „Satisficing“.
Das klingt nach „gut genug“. In einer Welt voller Varianten ist „gut genug und entschieden“ manchmal die reifere Leistung als noch eine Runde auf der Suche nach dem perfekten Ergebnis.
Mein radikaler Reduktions-Test
Dieser Test funktioniert für ein Bild, einen Text, ein Angebot, einen Workshop, einen Social-Media-Post oder eine Entscheidung im Alltag. Sieben Fragen reichen:
Was ist der eine Satz? Wenn ich nicht knapp sagen kann, worum es geht, ist die Idee noch nicht scharf genug.
Was ist nur möglich, aber nicht notwendig? Neue Funktionen und Varianten sind Angebote, keine Befehle.
Was kann weg, ohne dass die Wirkung kleiner wird? Wenn nach dem Entfernen nichts fehlt, war es Ballast.
Welche Aufgabe hat jedes Werkzeug? Ein Werkzeug ohne klare Aufgabe produziert meist nur sichtbare Beschäftigung.
Welche Variante gewinnt – und warum? „Sie schaut cool aus“ ist manchmal ehrlich, aber selten eine ausreichende Endredaktion.
Was veröffentliche ich bewusst nicht? Verwerfen ist kein Scheitern. Es ist Qualitätsarbeit.
Kann ich für das Übriggebliebene meinen Namen hergeben? Wenn ja, ist Schluss. Sonst fehlt nicht zwingend mehr Material, sondern eine klarere Entscheidung.
Reduktion ist kein Rückzug
Ich will nicht zurück in eine angeblich bessere Zeit mit drei Fernsehprogrammen und einem Pinsel. Ich mag neue Werkzeuge, Archive, Experimente und Mutationen. Die Explosion darf in der Werkstatt stattfinden. Sie muss nur nicht ungefiltert an die Wand, auf die Website oder in den Kopf anderer Menschen gekippt werden.
Radikale Reduktion heißt nicht, weniger neugierig zu sein. Sie heißt, die Neugier zu bündeln. Nicht weniger lernen, sondern gezielter. Nicht weniger machen, sondern weniger Halbgares veröffentlichen. Mehr Technik verlangt mehr Verantwortung. Punkt.
Weniger, damit wieder etwas sichtbar wird
Die Welt wird nicht leerer. KI wird mehr Varianten und mehr Tempo liefern. Damit steigt nicht der Wert dessen, der noch mehr produziert, sondern dessen, der auswählt, begrenzt, verbindet, verwirft und zuspitzt.
Ich will nicht alles zeigen, was möglich war. Ich will zeigen, was trägt. Ein Bild, ein Gedanke, eine Entscheidung.
Nicht weniger Leben. Weniger von dem, was uns davon abhält.
Stand der Quellenprüfung: 14. August 2026. Philosophische und gestalterische Positionen sind als Positionen gekennzeichnet; empirische Aussagen werden nicht über ihren Untersuchungsbereich hinaus verallgemeinert.
Iyengar & Lepper (2000) — Drei Experimente zum möglichen Choice-Overload-Effekt; darunter das häufig zitierte Marmeladen-Experiment. Quelle öffnen
Scheibehenne, Greifeneder & Todd (2010) — Meta-Analyse von 63 Bedingungen aus 50 Experimenten (N = 5.036): mittlerer Effekt nahezu null, deutliche Unterschiede je nach Kontext. Quelle öffnen
Noy & Zhang (2023), Science — Randomisiertes Experiment mit 453 Berufstätigen bei klar umrissenen professionellen Schreibaufgaben: im Mittel 40 % weniger Zeit und 18 % höhere bewertete Qualität mit ChatGPT. Quelle öffnen
Doshi & Hauser (2024), Science Advances — KI-Ideen verbesserten im Experiment die Bewertung kurzer Geschichten; KI-unterstützte Geschichten ähnelten einander zugleich stärker. Quelle öffnen
Herbert A. Simon (1978) — Nobelpreisvortrag zu begrenzter Rationalität, selektiver Suche und Satisficing. Quelle öffnen
Henry David Thoreau: Walden (1854) — Primärtext bei Project Gutenberg; philosophischer Bezug zur bewussten Vereinfachung. Quelle öffnen
Dieter Rams: Zehn Thesen für gutes Design — „Less, but better“ und der Grundsatz, gutes Design auf das Wesentliche zu konzentrieren. Quelle öffnen
Transparenzhinweis zur Entstehung dieses Beitrags
Dieser Text ist im Zwiegespräch entstanden, nicht mit einem einzelnen Prompt. Über Monate habe ich Gedanken, Erfahrungen und Positionen direkt eingesprochen. Daraus ist ein Gesprächs- und Arbeitsarchiv gewachsen, auf das bei diesem Beitrag zurückgegriffen wurde.
ChatGPT half beim Ordnen, Gegenprüfen, Recherchieren und Kürzen. Die KI war Gesprächspartner, Recherchehilfe und Werkzeug. Nicht der Künstler. Nicht der Autor mit eigener Haltung.
Die Haltung, die persönlichen Erfahrungen, die Beispiele und die Entscheidung über die Veröffentlichung liegen bei mir. Es gab viele Möglichkeiten. Übrig bleibt diese Fassung. Passt zum Thema.
KI und Künstler: Warum ein Werkzeug weder Kunst macht noch Kunst entwertet
Sobald ein Künstler KI verwendet, ist er plötzlich kein Künstler mehr. Diesen Satz höre ich inzwischen fast jede Woche. Und ich sage es gleich direkt: Diese Sichtweise greift für mich deutlich zu kurz.
Ich bin seit den tiefsten 80er-Jahren kreativ unterwegs – malerisch und digital. Seit den 90ern mache ich das hauptberuflich, arbeite für Agenturen und habe in dieser Zeit so ziemlich alles verwendet, was mir geholfen hat, Bilder zu entwickeln, zu bearbeiten und fertig zu bauen.
Heute gehört auch KI zu diesen Werkzeugen. Das entwertet weder meine Erfahrung noch meine Arbeit. Es löscht auch nicht plötzlich die Jahrzehnte davor aus. So funktioniert Kunst nicht. Und ehrlich gesagt: So funktioniert auch kein anderer kreativer Beruf.
Ein Prompt allein erklärt noch keine künstlerische Arbeit
Natürlich kann heute jemand einen kopierten Prompt in ChatGPT oder irgendein anderes System werfen, ein Foto hochladen und danach sagen, er arbeite jetzt als KI-Künstler. Das ist erst einmal seine Sache. Für mich sagt ein einzelner Prompt aber noch wenig darüber aus, wie viel eigene Idee, Auswahl und Bearbeitung im Ergebnis steckt.
Nur: Das ist kein neues Problem.
Wenn sich früher jemand eine teure Kamera gekauft und dreimal ein Model aus einer Modelkartei fotografiert hat, war er deshalb auch nicht automatisch Star-Fotograf. Die neueste Sony, Canon oder Schieß-mich-tot-Kamera hat aus niemandem über Nacht einen guten Fotografen gemacht.
Die Kamera macht nicht das Bild. Der Fotograf macht das Bild.
Und die KI macht nicht die Kunst. Der Künstler macht die Kunst.
Ein Werkzeug kann Möglichkeiten eröffnen. Es kann Abläufe beschleunigen, Fehler ausgleichen, Ideen anstoßen oder Dinge möglich machen, die vorher sehr aufwendig waren. Aber es liefert dir nicht automatisch Haltung, Geschmack, Bildgefühl, Erfahrung, Auswahl, Konsequenz und eine eigene Handschrift. Genau dort beginnt die eigentliche Arbeit.
Wir müssen endlich unterscheiden, worüber wir reden
Was mir an vielen KI-Diskussionen fehlt, ist die Differenzierung. Da wird oft alles, was irgendwo KI berührt hat, in denselben Kübel geworfen. Das wird den unterschiedlichen Arbeitsweisen nicht gerecht – genauso wenig, wie man jedes Bild, das jemals durch Photoshop gelaufen ist, automatisch gleich beurteilen würde.
Schauen wir uns das einmal vernünftig an. Es gibt zum Beispiel:
ein vollständig generiertes Bild, das nur aus einem Textprompt entstanden ist,
ein generiertes Bild mit eigenen Fotos, Skizzen oder Gemälden als Bild-Input,
eine Bildidee, die über viele Varianten, Auswahlen und gezielte Eingriffe entwickelt wurde,
ein Composing, bei dem KI nur einzelne Teile ergänzt oder ersetzt,
klassische Bildbearbeitung, bei der KI Hautmakel, Kabel oder störende Personen entfernt,
eine Mischform aus Fotografie, Malerei, Photoshop, Zeichnung, Synthografie und Handarbeit.
Diese Aufzählung ist keine Rangliste. Sie sagt nicht besser oder schlechter. Sie zeigt nur, dass Menschen auf sehr unterschiedliche Weise mit KI arbeiten.
Das sind unterschiedliche Arbeitsweisen mit unterschiedlichen Anteilen an eigener Vorbereitung, Auswahl, Bearbeitung und Ausführung. Keine davon wird allein durch ein Etikett automatisch gut oder schlecht. Deshalb lohnt es sich, genauer hinzusehen.
Bei mir gibt es praktisch kein reines Prompt-Bild
Ganz am Anfang, als ich Midjourney ausprobiert habe, gab es natürlich diese Phase: Prompt eingeben, schauen, was passiert, staunen, fluchen, noch einmal probieren. Das gehört zum Kennenlernen eines neuen Werkzeugs dazu.
Ich habe aber sehr schnell nach Möglichkeiten gesucht, mit eigenen Bildern und eigenem Material zu arbeiten. Mich interessiert weniger, was ein System ohne meinen eigenen Bild-Input erzeugt. Mich interessiert, wie ich ein Ergebnis in meine Bildwelt bekomme.
Ich wähle aus, verwerfe und kombiniere. Dann übermale und retuschiere ich. Dabei verändere ich Licht, Farbe, Form, Ausdruck und Komposition. Ich gehe zurück in Photoshop, baue weiter, nehme wieder etwas heraus und fange manchmal von vorne an. Das Ergebnis muss zu mir passen – nicht zur Standardeinstellung irgendeines Systems.
Man kann diese Arbeit mögen oder nicht mögen. Völlig legitim. Aber zu behaupten, sie sei keine künstlerische Arbeit mehr, nur weil an irgendeiner Stelle KI beteiligt war, greift für mich zu kurz.
KI und Künstler: Technik trifft keine Entscheidung für mich
Die Kunstgeschichte ist voll mit neuen Werkzeugen, Techniken und Produktionsweisen, über die zuerst geschimpft wurde. Fotografie, digitale Bildbearbeitung, 3D, Compositing, Filter, automatische Retusche – jedes Mal wurde irgendwo der Untergang der echten Kunst ausgerufen.
Das Werkzeug verändert den Prozess. Manchmal verändert es auch die Bildsprache. Aber es ersetzt nicht automatisch die Person, die Entscheidungen trifft.
Genau da liegt für mich der entscheidende Punkt: Wer führt und entscheidet? Erkennt jemand, dass ein Bild funktioniert oder eben nicht? Und wer hat die Idee, die Erfahrung und den Mut, etwas wegzuwerfen, obwohl es technisch beeindruckend aussieht?
Wenn die Antwort darauf immer nur die Software ist, wird das Ergebnis wahrscheinlich ziemlich austauschbar. Wenn aber ein erfahrener kreativer Mensch das Werkzeug bewusst einsetzt, dann bleibt es ein Werkzeug. Ein mächtiges, manchmal nerviges, manchmal großartiges – aber eben ein Werkzeug.
Kritik an KI ist trotzdem berechtigt
Damit wir uns richtig verstehen: Ich finde nicht automatisch alles großartig, nur weil KI draufsteht. Ganz im Gegenteil.
Der Energie- und Wasserverbrauch großer Rechenzentren ist ein reales Thema. Das taugt mir auch nicht. Ich halte nichts davon, berechtigte ökologische Fragen mit ein bisschen Technikbegeisterung zuzudecken. Gleichzeitig sollte man auch hier sauber bleiben: Nicht jeder Rechenzentrumsverbrauch ist KI, und der tatsächliche Wasserbedarf hängt stark von Standort, Strommix, Kühlung, Hardware und Auslastung ab.
Pauschale Horrorzahlen pro Prompt oder pro Bild klingen gut in Überschriften, sagen aber oft weniger aus, als man glaubt. Die Belastung ist real. Die Berechnung ist kompliziert. Beides kann gleichzeitig stimmen.
Und wenn morgen jemand die KI abschaltet? Dann mache ich meine Bilder trotzdem weiter.
Ich habe rund 30 Jahre lang ohne generative KI gearbeitet. Photoshop läuft auch lokal. Malerei funktioniert erstaunlicherweise noch immer ohne Rechenzentrum. Fotografie, Zeichnung, Composing und all die anderen Dinge verschwinden nicht, nur weil ein neues Werkzeug wegfällt.
KI ist für mich keine künstlerische Überlebensmaschine. Sie ist eine zusätzliche Möglichkeit.
Nein, KI nimmt mir meine Vergangenheit nicht weg
Wenn mir jemand sagt: „Du machst jetzt KI, also bist du kein Künstler mehr“, dann ist das ungefähr so, als würde man einem Fotografen nach Jahrzehnten Berufserfahrung erklären, er sei kein Fotograf mehr, weil seine neue Kamera einen Augenautofokus hat.
Meine Erfahrung ist nicht plötzlich weg. Mein Blick ist nicht weg. Meine Bildsprache ist nicht weg. Meine Kunden und Sammler sind übrigens auch noch da. Die Arbeiten verkaufen sich weiterhin. Ich lebe noch. Und ich habe nicht vor, wegen solcher Diskussionen meine künstlerische Arbeit infrage zu stellen.
Man darf KI-Kunst ablehnen oder hässlich finden. Auch reine Prompt-Bilder muss niemand interessant finden. Fragen zu Urheberrecht, Trainingsdaten, Transparenz, Energie und Wasser sind berechtigt. Das ist alles notwendig.
Aber man sollte trotzdem in der Lage sein, zwischen einem Knopfdruck, einem komplexen Workflow und jahrzehntelanger kreativer Erfahrung zu unterscheiden.
Meine persönliche Sicht – nicht die einzig wahre Wahrheit
Ich sage nicht, dass meine Meinung die einzig richtige ist. Das ist meine Sicht der Dinge, entstanden aus vielen Jahren Praxis mit Malerei, Fotografie, Photoshop, Agenturarbeit, digitaler Kunst und inzwischen eben auch KI.
Ich benutze als kreativer Mensch die Möglichkeiten, die mir zur Verfügung stehen. Nicht blind. Nicht kritiklos. Aber so, wie sie zu meiner Arbeit und zu meinen Bildern passen.
Am Ende interessiert mich nicht, ob jemand das Werkzeug moralisch oder modisch findet. Mich interessiert, ob das Bild funktioniert. Ob es eine Haltung hat. Ob es nach mir aussieht. Und ob ich dahinterstehen kann.
Das war’s.
Wenn du deinen eigenen KI-Workflow entwickeln willst
Wer nicht nur irgendeinen Prompt kopieren, sondern KI sinnvoll in den eigenen kreativen Workflow einbauen möchte, kann weiterhin zu mir ins Personal Coaching nach Linz kommen.
Wir arbeiten dort nicht nach einem starren KI-Rezept. Wir schauen uns deine Bilder, deine Fragen und deine Arbeitsweise an. Photoshop, Composing, Retusche, Synthografie, Bildideen und KI dort, wo sie tatsächlich etwas bringt. Nicht mehr und nicht weniger.
Du bringst deine Themen mit. Wir bauen gemeinsam einen Workflow, der zu dir passt. Ohne Geheimniskrämerei und ohne die Vorstellung, ein Prompt allein wäre schon der ganze kreative Prozess.
Stromverbrauch: Die Internationale Energieagentur bezifferte den Anteil von Rechenzentren am weltweiten Stromverbrauch für 2024 auf rund 1,5 Prozent. KI ist dabei nur eine von mehreren Anwendungen. Die IEA erwartet gleichzeitig einen deutlichen Anstieg der Nachfrage. Die ökologische Kritik ist also nicht erfunden – pauschal jeden Rechenzentrumsverbrauch der generativen KI zuzurechnen wäre aber falsch.
Wasserverbrauch: Rechenzentren können direkt für die Kühlung und indirekt über die Stromerzeugung Wasser beanspruchen. Wie viel, unterscheidet sich extrem nach Standort, Klima, Kühlsystem, Strommix, Servereffizienz und Auslastung. Eine Untersuchung des Lawrence Berkeley National Laboratory zeigt bei einzelnen Workloads Unterschiede um mehr als den Faktor 10.000. Eine allgemeingültige Literzahl pro KI-Bild wäre daher unseriös.
Menschliche Gestaltung und Urheberrecht: Das U.S. Copyright Office unterscheidet ausdrücklich zwischen bloßem Prompting und ausreichender menschlicher Gestaltung, Auswahl, Anordnung oder Bearbeitung. KI-Unterstützung schließt Schutz dort nicht automatisch aus. Das ist eine interessante internationale Einordnung, aber keine Rechtsauskunft für Österreich.
Linkprüfung: Alle angeführten Links wurden am 9. August 2026 auf Erreichbarkeit und Zielseite geprüft.
Dieser Beitrag basiert auf meiner gesprochenen Originalaussage und meiner persönlichen Erfahrung. Für Redaktion, Struktur und Faktenprüfung wurde KI als Werkzeug eingesetzt. Haltung, Beispiele und Endentscheidung stammen von mir.
ALTE BILDER REMASTERN: EIN BILD IST NICHT FERTIG, NUR WEIL ES ALT IST.
Warum ich meine alten Photoshop-Composings heute noch einmal öffne – und was neue Werkzeuge aus alter Bild-DNA machen können
Von Peter „BROWNZ“ Braunschmid · Linz
Sonntage sind bei mir gefährlich. Irgendwann öffne ich einen alten Bildordner – und plötzlich ist der freie Tag vorbei. Nicht, weil ich besonders nostalgisch werde. Sondern weil ich sofort sehe, was ich heute anders machen würde.
In meinen Archiven liegen Photoshop-Composings, Fotografien, Bildideen und angefangene Welten aus vielen Jahren. Einige davon sind mehr als zehn Jahre alt. Manche funktionieren noch immer erstaunlich gut. Andere tragen eine starke Idee in sich, wurden aber mit den damaligen technischen Möglichkeiten irgendwann an einem Punkt beendet, an dem heute noch lange nicht Schluss wäre.
Das bedeutet nicht, dass die alten Arbeiten schlecht waren. Sie zeigen ziemlich genau, was damals möglich war – und auch, was ich damals gesehen habe. Genau deshalb lösche ich solche Bilder nicht. Sie sind kein peinlicher Keller voller Jugendsünden. Sie sind mein visuelles Archiv. Und manchmal liegt dort ein Bild, das nicht noch einmal neu erfunden werden muss. Es muss nur noch einmal angesehen werden.
Alte Bilder remastern, ohne ihre Idee zu verlieren
Wenn ich heute ein altes Composing öffne, suche ich nicht zuerst nach technischen Fehlern. Mich interessiert die ursprüngliche Idee. Warum habe ich dieses Licht gewählt? Was sollte die Figur erzählen? Welche Stimmung wollte ich erzeugen? Wo war die Bildwirkung damals bereits richtig – und an welcher Stelle ist sie unterwegs stecken geblieben?
Ein altes Bild ist für mich deshalb kein Rohstofflager, das man blind durch eine neue Maschine schiebt. Es hat bereits eine Identität. Wenn ich alles daran austausche, bis nur noch eine polierte Oberfläche übrig bleibt, habe ich nichts remastert. Dann habe ich das alte Bild bloß entsorgt und ein neues darübergelegt.
Die spannendere Aufgabe ist, die alte DNA zu erhalten. Die Pose, die Atmosphäre, die Idee, manchmal auch kleine Unsauberkeiten, die dem Bild Charakter geben. Gleichzeitig kann ich heute Bereiche neu aufbauen, die früher technisch begrenzt waren: Übergänge, Freistellungen, Lichtführung, Oberflächen, anatomische Details, räumliche Tiefe oder einfach die Auflösung.
Was sich wirklich verändert hat
Natürlich sind die Werkzeuge heute andere. Photoshop ist leistungsfähiger geworden. Auswahltechniken, Masken, Camera Raw, generative Funktionen, moderne Retuscheprogramme, Upscaling und verschiedene KI-Werkzeuge eröffnen Möglichkeiten, für die früher sehr viel mehr Handarbeit nötig war – oder die überhaupt nicht vernünftig machbar waren.
Aber das ist nur die halbe Wahrheit. Der größere Unterschied sitzt nicht im Computer. Er sitzt vor dem Computer.
Ich habe heute mehr Erfahrung. Dadurch sehe ich schneller, wenn Perspektive, Licht oder Anatomie nicht zusammenpassen. Außerdem merke ich früher, ob ein Effekt das Bild unterstützt oder nur laut herumsteht. Heute weiß ich besser, welche Fehler man korrigieren sollte – und welche man besser in Ruhe lässt, weil sie Teil der Bildsprache geworden sind.
Neue Software kann viele Dinge beschleunigen. Sie kann aber nicht nachträglich zwanzig oder dreißig Jahre Bildpraxis installieren. Dafür gibt es noch immer keinen Downloadbutton. Wahrscheinlich ist das auch ganz gut so.
KI liefert Material. Die Kunst beginnt bei den Entscheidungen.
Ich sage es immer wieder: KI kann keine Kunst. Sie kann Bilder erzeugen, Varianten berechnen, Strukturen ergänzen, Hintergründe umbauen und erstaunlich brauchbares Material liefern. Manchmal liefert sie auch vollkommenen Blödsinn mit drei Armen, schiefen Blickrichtungen und einer Lichtquelle, die offenbar aus einer anderen Dimension kommt.
Genau deshalb ist KI für mich kein Künstler. Sie ist ein Werkzeug. Ein ziemlich mächtiges Werkzeug, aber eben ein Werkzeug.
In meinem aktuellen Workflow arbeite ich nicht nach dem Prinzip: Prompt hinein, Kunstwerk heraus. Ich arbeite im Gespräch, prüfe Zwischenschritte, kombiniere Photoshop mit eigenen Aktionen und Hilfsprogrammen, verwerfe Ergebnisse, korrigiere Details und baue das Bild Stück für Stück weiter. Codex kann dabei Programme und Arbeitsschritte steuern oder mir Varianten zugänglich machen. Die gestalterische Entscheidung bleibt trotzdem bei mir.
Das fühlt sich teilweise tatsächlich eher wie Regie an. Ich muss nicht jeden technischen Handgriff selbst ausführen, aber ich muss sehr genau wissen, was ich sehen will. Wenn ich keine klare Vorstellung habe, hilft mir auch das teuerste Werkzeug nur dabei, schneller irgendwohin zu fahren. Nur eben nicht unbedingt an den richtigen Ort.
Alte Bilder remastern bedeutet nicht: alles glatter machen
Gerade bei älteren Bildern ist die Versuchung groß, jedes Detail zu reinigen, jede Hautfläche zu glätten, jeden Hintergrund gestochen scharf zu rechnen und überall noch ein bisschen mehr Effekt hineinzudrücken. Das Ergebnis sieht dann technisch neuer aus – und künstlerisch oft deutlich langweiliger.
Ein gutes Remaster braucht Zurückhaltung. Die Frage lautet nicht: Was kann ich heute alles verändern? Die Frage lautet: Was muss ich verändern, damit die ursprüngliche Idee endlich so stark sichtbar wird, wie sie damals gedacht war?
Manchmal ist das ein neuer Hintergrund. Oft hilft eine sauberere Lichtführung oder mehr Plastizität durch kontrolliertes Dodge & Burn. Manchmal müssen nur ein paar Übergänge, Farben und Schärfeebenen neu geordnet werden. Und manchmal schaue ich ein altes Bild an und entscheide: Das bleibt genau so. Auch das ist eine gestalterische Entscheidung.
Das Original verschwindet nicht
Ich finde den direkten Vergleich zwischen alter und neuer Fassung besonders spannend. Nicht als Wettbewerb, bei dem die neue Version das Original besiegen muss. Beide Bilder zeigen einen anderen Zeitpunkt. Das eine zeigt, wie ich damals gearbeitet und gedacht habe. Das andere zeigt, was ich heute aus derselben Idee mache.
Deshalb überschreibe ich meine alten Dateien nicht. Das Original bleibt erhalten. Es ist ein Teil meiner Geschichte und gleichzeitig die Messlatte für die neue Fassung. Eine Neufassung ist nur dann sinnvoll, wenn sie mehr kann als höhere Auflösung und sauberere Haut. Sie muss die Bildidee klarer, stärker oder emotionaler machen.
Wenn sie das nicht schafft, war die Arbeit vielleicht technisch interessant. Aber notwendig war sie nicht.
Vier Jahrzehnte Bildarbeit treffen auf neue Werkzeuge
Ich habe digitale Bilder gemacht, lange bevor jemand von generativer KI, Creator Economy oder Prompt-Marktplätzen gesprochen hat. Vom Commodore 64 und Amiga über frühe Multimedia- und Filmarbeit bis zu Photoshop, Fotografie, Composing, Lernvideos, Coachings und heutiger Synthografie haben sich die Werkzeuge ständig verändert.
Der Kern ist derselbe geblieben: Ich nehme ein Bild nicht einfach hin, wie es aus einer Kamera oder einem Programm herausfällt. Ich will wissen, was noch darin steckt.
Vielleicht ist genau das der Grund, warum mich alte Arbeiten noch immer interessieren. Sie erinnern mich nicht nur daran, was früher war. Sie stellen mir eine ziemlich direkte Frage: Was siehst du heute darin?
Und wenn die Antwort stark genug ist, öffne ich Photoshop. Dann ist der Sonntag meistens erledigt.
Ein Bild ist nicht fertig, nur weil es alt ist
Ein altes Bild neu zu bearbeiten bedeutet für mich nicht, die Vergangenheit zu korrigieren. Es bedeutet, ihr mit dem Wissen von heute noch einmal zu begegnen.
Manche Ideen waren ihrer technischen Zeit voraus. Andere brauchten schlicht mehr Erfahrung. Manche sollten genau dort bleiben, wo sie entstanden sind. Aber hin und wieder öffnet man eine alte Datei und merkt: Das Bild war nicht fertig. Ich war damals nur fertig damit.
Heute kann ich weiterarbeiten. Nicht, weil eine KI mir die Kunst abnimmt. Sondern weil neue Werkzeuge mir mehr Möglichkeiten geben, meine eigenen Entscheidungen sichtbar zu machen.
Ein letzter, ganz praktischer Hinweis: Genau diese Verbindung aus klassischer Photoshop-Arbeit, neuen KI-Werkzeugen und Synthografie steckt auch in BROWNZ REMASTERED 1. Das Training mit 46 Kapiteln und mehr als neun Stunden Videomaterial verschwindet am 3. August 2026 endgültig aus meinem Shop. Kein Sale, kein späteres Restposten-Comeback. Wer genau dieses Paket noch haben möchte, findet hier alle Informationen: BROWNZ REMASTERED 1.
Transparenzhinweis: Planung, Prüfung und Freigabe durch Peter „BROWNZ“ Braunschmid. Künstliche Intelligenz unterstützte Recherche, Struktur und Formulierung; die inhaltliche Verantwortung liegt bei mir. Freiwilliger Hinweis mit Blick auf die seit 2. August 2026 geltenden Transparenzregeln des EU AI Acts: EU-Kommission.
Von der Meisterwerkstatt über Photoshop bis zum generativen Modell: Was Aneignung, Montage und maschinelles Training voneinander unterscheidet – und welche Regeln Kreative jetzt wirklich brauchen.
Von BROWNZ Art · Fachartikel · Rechts- und Quellenstand: 23. Juli 2026
Die KI hat den Bilderklau nicht erfunden. Sie hat Aneignung industrialisiert, die Herkunft der Vorlagen unsichtbar gemacht und aus einem einzelnen Grenzfall eine skalierbare Wertschöpfungskette gebaut. Genau deshalb reicht der Satz „Künstler haben doch immer voneinander gelernt“ heute nicht mehr aus.
Worum es hier wirklich geht
Ich arbeite seit Jahrzehnten mit Bildern. Deshalb halte ich nichts von zwei bequemen Erzählungen. Die erste lautet, KI habe den Bilderklau erfunden. Die zweite lautet, Künstler hätten schon immer voneinander gelernt und deshalb sei heute praktisch jede Übernahme erlaubt. Beides ist falsch. Kreative arbeiten mit Referenzen, Texturen, Stockmaterial, Presets, Filtern und Bildideen anderer. Entscheidend ist aber, woher dieses Material stammt, unter welchen Bedingungen es verwendet wird und wer daran verdient.
Trotzdem halte ich eine zentrale Gleichsetzung für falsch: Ein lizenziertes Stockfoto in einer dokumentierten Photoshop-Montage ist nicht dasselbe wie ein Modell, das mit Millionen oder Milliarden öffentlich zugänglicher Dateien trainiert wurde. Beides nutzt Vorhandenes. Aber Herkunft, Erlaubnis, Nachweisbarkeit, Geschwindigkeit, Marktwirkung und Machtverteilung sind grundverschieden.
Der entscheidende Satz lautet daher nicht: „Kopieren gab es immer.“ Der entscheidende Satz lautet: Was wurde übernommen, auf welcher Grundlage, wie deutlich bleibt die Quelle erkennbar, wer verdient daran – und wer kann sich überhaupt wehren?
1. Bilderklau vor dem Computer: Kopieren war Handwerk, Lehre und Geschäft
In den Werkstätten der alten Meister wurde kopiert. Schüler übernahmen Kompositionen, studierten Farbschichten, wiederholten Motive und lernten an vorhandenen Bildern. National-Gallery-Material zur Werkstattpraxis beschreibt das Kopieren ausdrücklich als Methode, mit der Schüler Aufbau und Maltechnik verstanden. Auch Canalettos Neffen kopierten Arbeiten ihres Onkels – und sollten daraus eine eigene künstlerische Persönlichkeit entwickeln.
Das war aber kein romantisches Paradies ohne Regeln. Werkstätten hatten Hierarchien, Auftraggeber, Märkte und Zuschreibungsprobleme. Kopie, Werkstattfassung, Replik und Fälschung waren nicht dasselbe. Entscheidend war schon damals, ob eine Übernahme offen als Studie oder Variante funktionierte – oder ob sie über Herkunft und Autorschaft täuschte.
Für mich liegt hier die erste brauchbare Linie: Lernen an fremden Bildern ist Teil jeder Kunstpraxis. Ein fremdes Werk als eigenes Original auszugeben, war nie dasselbe.
2. Collage und Fotomontage: Der Bilderklau wird sichtbar
Mit Collage und Fotomontage wurde die Übernahme selbst zum Material. Hannah Höch, John Heartfield und andere Dada-Künstler schnitten Fotografien und Druckbilder aus Zeitungen und Magazinen, montierten sie neu und machten daraus politische und gesellschaftliche Aussagen. Das Museum of Modern Art beschreibt diese Praxis als Schneiden, Remixen und Zusammenfügen bereits existierender Medienbilder.
Die Quelle verschwand dabei nicht vollständig. Man sah oft den Bruch, die Kante, den neuen Zusammenhang. Gerade diese Reibung erzeugte Bedeutung. Später machten Pop Art und Appropriation Art die Übernahme noch offensiver. Die Tate definiert Appropriation als Verwendung vorbestehender Objekte oder Bilder mit wenig Transformation.
Das klingt wie eine Freikarte, ist aber keine. Der Fall Andy Warhol Foundation gegen Lynn Goldsmith zeigt das sehr klar. Der US Supreme Court entschied 2023 nicht pauschal über „Warhol gegen Fotografie“, sondern über eine konkrete kommerzielle Lizenzierung des Orange-Prince-Bildes für ein Magazin. Diese Nutzung verfolgte einen ähnlichen Zweck wie Goldsmiths Foto-Lizenzen; beim geprüften Fair-Use-Faktor überwog deshalb Goldsmiths Position. Berühmtheit ersetzt keine Erlaubnis.
3. Photoshop: Die Montage wird schnell, sauber und unsichtbar
Photoshop 1.0 erschien am 19. Februar 1990. Mit Ebenen ab Photoshop 3.0 im Jahr 1994 wurde die digitale Montage zu dem System, das unsere Bildwelt bis heute prägt: Einzelteile konnten getrennt verschoben, maskiert, korrigiert und wieder zusammengesetzt werden. Was früher Schere, Klebstoff, Reprokamera und Retusche brauchte, wurde zur editierbaren Datei.
Damit explodierte auch der klassische digitale Bilderklau: fremde Hintergründe, ungeklärte Texturen, geklaute Rauchwolken, Stockbilder ohne passende Lizenz, Logos, Gesichter und ganze Composings. Viele von uns haben diese Grauzonen gesehen. Manche haben sie ignoriert.
Aber auch hier gilt: Photoshop selbst klaut nichts. Eine Montage kann vollständig aus eigenem, beauftragtem, lizenziertem oder gemeinfreiem Material bestehen. Presets und Filter sind außerdem keine heimlich übernommenen Fotografien, wenn sie rechtmäßig erworben und vertragsgemäß eingesetzt werden. Wer diese Dinge in einen Topf wirft, verwechselt Werkzeug, Quelle und Nutzungsrecht.
4. KI: dieselbe Bildkultur – aber eine andere Maschine
Generative KI steht in derselben langen Kultur des Zitierens, Lernens, Montierens und Umformens. In diesem Sinn ist sie kein Meteorit aus einer fremden Welt. Trotzdem verändert sie die Lage strukturell.
1. Maßstab: Ein Mensch kann hunderte oder tausende Bilder studieren. Ein Modell verarbeitet Datenbestände in einer Größenordnung, die individuelle Kontrolle praktisch ausschließt.
2. Unsichtbarkeit: In einer PSD-Datei lassen sich Quellbilder, Ebenen und Lizenzen dokumentieren. Bei einem generativen Modell ist der Einfluss einzelner Trainingswerke für Nutzer und oft auch für Rechteinhaber kaum nachvollziehbar.
3. Substitution: Das System lernt nicht nur aus kreativen Märkten. Es kann anschließend in genau diesen Märkten Bilder in Sekunden anbieten – als Entwurf, Stockersatz, Kampagnenmotiv oder Stilkopie.
4. Machtgefälle: Ein einzelner Photoshop-Nutzer und ein globaler Modellanbieter verfügen nicht über dieselbe Reichweite, Rechenleistung, Datenkenntnis oder juristische Durchsetzungskraft.
Deshalb reicht mir die Formel „nur Maßstab und Effizienz“ nicht. Wenn sich Maßstab, Transparenz und Marktfolgen gemeinsam verändern, verändert sich auch das Prinzip der Wertschöpfung.
5. Der Name im Prompt: rechtlich nicht automatisch verboten, kreativ trotzdem billig
Eine 2025 veröffentlichte Auswertung von 200 besonders häufig genannten Fotografinnen und Fotografen in Midjourney-Prompts basiert auf einer Analyse von Midlibrary und öffentlich sichtbaren Prompt-Begriffen im Midjourney-Discord. Sie zeigt, dass Nutzer Namen gezielt als Stilabkürzung einsetzen. Sie beweist nicht, welche konkreten Bilder im Training waren, und auch keine Rechtsverletzung in jedem einzelnen Output.
Diese Unterscheidung ist wichtig. Ein allgemeiner Stil oder eine Technik ist im Urheberrecht normalerweise nicht als isoliertes Monopol geschützt. Geschützt ist die konkrete Ausdrucksform eines Werkes, auch in schutzfähigen Teilen. Sobald ein Ergebnis erkennbare Kompositionen, Figuren, Motive oder andere individuelle Gestaltungselemente übernimmt, kann die Beurteilung anders ausfallen. Zusätzlich können Persönlichkeits-, Marken- und Lauterkeitsrechte relevant werden.
Mein persönlicher Maßstab ist strenger als das gesetzliche Minimum: Ich verwende die Namen lebender Künstler nicht als Stilknopf. Wenn ich eine Bildsprache analysiere, übersetze ich sie in Licht, Brennweite, Farbdramaturgie, Material, Komposition und Erzählhaltung. Das zwingt mich zu einer eigenen Entscheidung, statt nur einen Namen einzugeben.
6. Was Foren zeigen – und was sie nicht beweisen
In Künstler- und Fotoforen wiederholen sich seit Jahren dieselben drei Konflikte: fehlende Zustimmung zum Training, die gezielte Imitation lebender Künstler und die Forderung nach klarer Kennzeichnung. Gleichzeitig gibt es Kreative, die KI als neues Medium akzeptieren – vorausgesetzt, Datenbasis und Einsatz sind nachvollziehbar.
Diese Diskussionen sind keine Rechtsquellen. Sie sind aber ein brauchbares Stimmungsbild. Interessant ist, dass selbst viele technikoffene Stimmen nicht „alles frei“ fordern, sondern lizenzierte oder gemeinfreie Trainingsdaten, Offenlegung und eine erkennbare menschliche Bearbeitung. Der eigentliche Graben verläuft deshalb weniger zwischen analog und digital als zwischen transparenter und intransparenter Nutzung.
7. Die Rechtslage in Österreich und der EU: vier Punkte, die man nicht vermischen darf
Schutz entsteht durch menschliche Schöpfung
Das österreichische Urheberrechtsgesetz schützt „eigentümliche geistige Schöpfungen“. Urheber ist, wer das Werk geschaffen hat. Bei KI-gestützten Arbeiten kommt es daher darauf an, welche eigenen, nachvollziehbaren kreativen Entscheidungen der Mensch im Ergebnis verkörpert hat. Ein bloß automatisch erzeugtes Ergebnis macht die Software nicht zum Urheber.
Remix ist keine pauschale Ausnahme
Zitat, Karikatur, Parodie und Pastiche können Nutzungen erlauben, aber nur unter den jeweiligen gesetzlichen Voraussetzungen. Österreichs Pastiche-Regel in § 42f Abs. 2 UrhG ist zudem an Nutzungen auf großen Online-Plattformen gekoppelt. Daraus folgt keine allgemeine Erlaubnis, jedes fremde Bild beliebig zu remixen und kommerziell zu veröffentlichen.
Text- und Data-Mining ist an Bedingungen geknüpft
Artikel 4 der EU-Richtlinie 2019/790 und § 42h UrhG erlauben Text- und Data-Mining unter bestimmten Voraussetzungen. Dazu gehören rechtmäßiger Zugang und – bei der allgemeinen Ausnahme – das Fehlen eines wirksamen Nutzungsvorbehalts. Für online veröffentlichte Inhalte soll dieser Vorbehalt maschinenlesbar erfolgen. Bildrecht hat für das von ihr vertretene Repertoire einen solchen Vorbehalt erklärt.
Der AI Act schafft Transparenzpflichten, aber keine Generalerlaubnis
Für Anbieter von General-Purpose-AI-Modellen gelten seit 2. August 2025 unter anderem Pflichten zu Copyright-Compliance und Transparenz; die EU verlangt außerdem öffentliche Zusammenfassungen der Trainingsinhalte. Die Transparenzregeln für bestimmte KI-generierte oder manipulierte Inhalte treten am 2. August 2026 in Anwendung. Der AI Act entscheidet aber nicht pauschal, ob jedes Training urheberrechtlich erlaubt ist, und er löst auch die Vergütungsfrage nicht automatisch.
8. Warum technische Nachweise allein keine gerechte Abrechnung schaffen
Die Idee klingt verführerisch: Man analysiert ein KI-Bild, berechnet Ähnlichkeiten zu vorhandenen Werken und verteilt danach automatisch Anerkennung oder Geld. Für eine grobe Suche nach auffälligen Übereinstimmungen kann das nützlich sein. Als Beweis für einen exakt bezifferbaren kreativen Anteil reicht es nicht.
Ähnlichkeit ist nicht dasselbe wie Herkunft, Kausalität oder Rechtslage. Ein System kann feststellen, dass sich zwei Bilder visuell stark ähneln. Daraus folgt noch nicht, dass ein bestimmtes Werk nachweisbar im Training enthalten war, welchen Einfluss es auf das Ergebnis hatte oder ob eine zulässige Nutzung, eine Lizenz oder eine Rechtsverletzung vorliegt. Generatives Training ist kein sauberer Stammbaum, bei dem jedes Pixel zu einem einzelnen Vorfahren zurückführt.
Auch eine Blockchain löst dieses Problem nicht automatisch. Sie kann eine Angabe dauerhaft speichern, aber nicht prüfen, ob die Angabe ursprünglich richtig war. Eine faire Lösung braucht deshalb mehrere Ebenen: nachvollziehbare Datenquellen, unabhängige Audits, wirksame Nutzungsvorbehalte, kollektive Lizenzmodelle und klare Beschwerdewege. Technik kann diese Struktur unterstützen. Sie darf aber nicht so tun, als könne ein Prozentwert die gesamte künstlerische und rechtliche Verantwortung ausrechnen.
9. Was stattdessen praktisch funktioniert
Lizenzierte, eigene und gemeinfreie Datensätze als klar ausgewiesene Modellgrundlage.
Maschinenlesbare Nutzungsvorbehalte, die Anbieter tatsächlich respektieren.
Öffentliche, verständliche Zusammenfassungen der Trainingsquellen und Datenkategorien.
Prüfbare Beschwerde-, Auskunfts- und Entfernungsmöglichkeiten für Rechteinhaber.
Kollektive Lizenzmodelle dort, wo individuelle Verhandlungen realistisch nicht skalieren.
Provenienzstandards wie C2PA/Content Credentials für Entstehung und Bearbeitung fertiger Dateien.
C2PA ist dabei kein Wahrheitsautomat und kein Ersatz für Lizenzierung. Der Standard kann signierte Herkunfts- und Bearbeitungsinformationen an eine Datei binden. Das hilft bei Nachvollziehbarkeit. Es beweist aber weder die Wahrheit eines Bildinhalts noch die Rechtmäßigkeit sämtlicher Trainingsdaten. Genau diese Nüchternheit brauchen wir.
10. Mein Arbeitsstandard für Bilder mit KI-Anteil
Ich lade nur Referenzmaterial hoch, an dem ich die nötigen Rechte habe.
Ich dokumentiere Ausgangsbilder, Lizenzen, Prompts, Varianten und wesentliche Bearbeitungsschritte.
Ich beschreibe Bildsprachen fachlich, statt lebende Künstler als Stilabkürzung zu benutzen.
Ich prüfe Outputs auf erkennbare Logos, Figuren, Kompositionen und andere geschützte Elemente.
Ich veröffentliche keine fragwürdige Übernahme nur deshalb, weil ein Generator sie technisch ausgeben konnte.
Ich kennzeichne synthetische oder wesentlich KI-bearbeitete Inhalte dort, wo Kontext und Rechtslage es verlangen.
Ich behandle KI als Werkzeug innerhalb einer menschlich verantworteten Arbeit – nicht als Haftungsausrede.
Fazit: Nicht alles, was zitiert, ist Diebstahl. Nicht alles, was generierbar ist, ist fair.
Kunst war nie frei von Aneignung. Ohne Kopie, Variation, Zitat, Collage und Widerspruch gäbe es große Teile unserer Bildgeschichte nicht. Wer so tut, als hätte jeder Künstler immer nur aus sich selbst geschöpft, erzählt ein Märchen.
Das Gegenmärchen lautet, dass deshalb jedes digitale Bild automatisch Trainingsmaterial und jede Stilkopie automatisch Fortschritt sei. Auch das ist falsch.
Die KI zwingt uns nicht, Kreativität neu zu erfinden. Sie zwingt uns, Verantwortung endlich genauer zu definieren. Entscheidend ist nicht, ob ein Werkzeug „gelernt“ hat. Entscheidend ist, ob eine Wertschöpfungskette menschliche Arbeit respektiert, Quellen nachvollziehbar macht, Rechte ernst nimmt und denjenigen eine Stimme gibt, aus deren Werk sie entsteht.
Meine Position ist daher klar: Ich bin nicht gegen KI. Ich bin gegen die bequeme Behauptung, dass technische Möglichkeit bereits kreative und rechtliche Legitimität bedeutet.
Rechtlicher Hinweis
Dieser Artikel bietet eine fachliche und künstlerische Einordnung mit Schwerpunkt Österreich und EU. Er ersetzt keine individuelle Rechtsberatung. Bei konkreten Veröffentlichungen, Lizenzen oder Streitfällen sollte eine auf Urheberrecht spezialisierte Rechtsberatung einbezogen werden.
Transparenzhinweis
Dieser Fachartikel basiert auf meiner redaktionellen Konzeption, Quellenbewertung und Haltung als BROWNZ Art. Für Recherche, Strukturierung und sprachliche Ausarbeitung wurde KI unterstützend eingesetzt. Inhalt, Position und Schlussredaktion wurden menschlich geprüft.
Die Links führen zu den für diesen Artikel geprüften Primärquellen, offiziellen Rechtsinformationen, Fachbeiträgen und beispielhaften Forendiskussionen.
Über Kunst, Bildwelten, Wissen und den ziemlich menschlichen Drang, aus Rohmaterial etwas Eigenes zu bauen
Peter „BROWNZ“ Braunschmid · Linz · Stand: 18. Juli 2026
BROWNZ ist keine Produktpalette und kein sauber erfundener Marketingname. BROWNZ ist das, was aus vier Jahrzehnten Bildarbeit geworden ist: physische Kunst, digitale Bildwelten, weitergegebenes Wissen und eine Haltung, die sich nie mit dem erstbesten Ergebnis zufriedengegeben hat.
BROWNZ ist kein Stil. BROWNZ ist eine Haltung.
Wenn mich jemand fragt, was ich eigentlich mache, wird die Antwort schnell länger als geplant. Ich bin Peter „BROWNZ“ Braunschmid aus Linz. Photoshop-Künstler, Fotodesigner, Synthograph, Trainer und Fachautor. Unter Brownz.Art verbinde ich Digital Art, Fotokunst, Pop Art und dunkle, surreale Bildwelten. Vor allem aber bin ich jemand, der Bilder nicht einfach hinnimmt, wie sie aus einer Kamera, einem Programm oder einer KI herausfallen. Ich will wissen, was noch darin steckt.
Diese Neugier begleitet mich seit den Achtzigern. Am Commodore 64 und später am Amiga gab es keine Creator Economy, keine Prompt-Marktplätze und keine Menschen, die nach drei generierten Bildern ihre Masterclass verkauften. Es gab Pixel, Geduld, Fehler und diese wunderbare Erkenntnis: Wenn man etwas Eigenes sehen will, muss man es selbst bauen.
Aus den frühen Pixeln wurden Spiele- und Szenegrafik, Film- und Multimediaarbeit, Photoshop-Composings, Fachartikel, Lernvideos, Workshops, Einzelcoachings und schließlich physische Kunstwerke. Heute lebt all das unter BROWNZ ART zusammen. „Digital Art since 1984“ steht auf meinem Blog; Coachings und Workshops gebe ich seit 1997. Die Werkzeuge haben sich seitdem ungefähr hundertmal verändert. Der Anspruch nicht: Ein Bild muss tragen. Es braucht eine Idee, eine Stimmung, eine Oberfläche und am Ende eine klare Entscheidung.
Der Mensch sitzt noch immer vor der Maschine.
Das muss man inzwischen tatsächlich dazusagen. Ich bin kein automatisches Bilderfließband und BROWNZ ART ist kein Prompt-Kiosk. Künstliche Intelligenz gehört zu meinem heutigen Werkzeugkasten, genauso wie Fotografie, Zeichnung, Photoshop, Texturen, 3D, Fine-Art-Druck und Acrylfarbe. Sie ist weder meine Persönlichkeit noch meine künstlerische Idee.
Ein KI-Ergebnis kann ein Rohling sein. Manchmal ein guter, manchmal ein völlig verhunzter. Danach beginnt die Arbeit: auswählen, verwerfen, umbauen, komponieren, Licht und Farbe ordnen, Perspektiven korrigieren, Details retten, drucken, überarbeiten und das digitale Bild wieder in die physische Welt holen. Genau dort sitzt der Unterschied zwischen einem hübschen Zufall und einer Arbeit, für die ich meinen Namen hergebe.
Wo Fotografie endet, beginnt Brownz.Art.
Was aus dieser Haltung entsteht
Aus dieser Haltung entstehen heute zwei Dinge, die zunächst verschieden wirken und im Kern doch zusammengehören: Kunst und Wissen. Das eine hängt irgendwann an einer Wand. Das andere sorgt dafür, dass jemand seine eigenen Bilder besser bauen kann. Beides kommt aus derselben Werkstatt.
Originale, die aus dem Bildschirm herauswollen
Der wichtigste Punkt zuerst: Ich verkaufe keine austauschbare Wanddekoration. Meine aktuellen Arbeiten sind physische Originale und Sammlerstücke. Je nach Werk verbinde ich Zeichnung, Fotografie, Synthografie, Photoshop, Fine-Art-Print, Acryl und Mixed Media. Gedruckt wird häufig auf hochwertigem Hahnemühle William Turner Büttenpapier. Danach werden die Arbeiten von Hand veredelt, handsigniert und mit einem Proof of Artist ausgeliefert. Rahmung ist auf Anfrage möglich.
Viele Arbeiten entstehen als Einzelstücke, also 1/1. Kein zweiter Durchgang, kein Massenprint, kein Deko-Klon. Wenn ein Original verkauft ist, ist genau dieses Werk weg. Neue Arbeiten können aus derselben Serie oder Gedankenwelt entstehen, aber nicht als billige Kopie des bereits verkauften Bildes.
Aktuelle Werke, Drops und ausgewählte Originale findest du im Collector’s Vault – meiner Galerie für Pop Art und digitale Kunst. Der Collector Catalogue zeigt zusätzlich den größeren Zusammenhang. Dort unterscheide ich klar zwischen AVAILABLE, RESALE und SOLD. Grün heißt erhältlich, Gelb bedeutet Resale, Rot ist verkauft. Kunst darf komplex sein. Der Kaufprozess muss es nicht sein.
Serien sind keine Produktgruppen
BROWNZ ART ist nicht ein einziger Look, der bis zur Bewusstlosigkeit wiederholt wird. Meine Serien haben unterschiedliche Temperamente. THE LUXURY ICONS CLUB spielt mit Luxus, Status, Begehren, Überfluss und dem oft herrlich absurden Theater rund um modernen Wert. Dagegen holt THE DIGITAL GOLD CLUB Krypto, Bitcoin, Humor und digitale Wertvorstellungen aus dem Bildschirm an die Wand. THE BLUE HEART ECONOMY verbindet Liebe, Popkultur, Farbe und emotionale Werte. Mit THE RAW ORIGINALS zeigt sich die handgemachtere, direktere und bewusst rauere Seite meiner Arbeit.
Dazu kommen Dark Art, dunkle und surreale Arbeiten, High-Fashion-Bildwelten, Giger-inspirierte Mutationen, fotografische Synthografien und Einzelstücke, die sich keiner Serie unterordnen wollen. Das ist kein Stilbruch. Das bin ziemlich genau ich: neugierig, sammelnd, mutierend und allergisch gegen Stillstand.
Manche Bilder beginnen mit einer Anfrage
Man kann bei mir auch individuelle Bildarbeiten und Auftragsarbeiten anfragen. Das kann von einer konkreten Bildidee über ein persönliches Motiv bis zu einer Arbeit für einen bestimmten Raum reichen. Manche Aufträge entstehen aus Fotografien, andere aus Erinnerungen, Symbolen oder einer ziemlich wilden Idee, die erst einmal sortiert werden muss.
Ich verspreche dabei nicht, jeden Auftrag anzunehmen. Ein Auftrag muss zu meiner Arbeit passen und genug Raum für eine echte Brownz-Lösung lassen. Wenn jemand nur eine Kopie eines bestehenden Werkes möchte, ist das der falsche Weg. Wenn jemand aber ein eigenständiges Bild mit Haltung sucht, kann man darüber reden. Preise, Format, Material, Rahmung und Übergabe werden direkt geklärt, weil ein 40-mal-40-Zentimeter-Werk nun einmal etwas anderes ist als ein großes handveredeltes Statement-Piece.
Wissen gehört nicht in den Tresor: Personal Coaching in Linz
Wer nicht nur ein fertiges Bild kaufen, sondern selbst besser arbeiten möchte, kann ein persönliches Photoshop-Training in Linz buchen. Das ist kein Massenkurs und kein braves Nachklicken einer Beispieldatei. Du kommst mit deinen Bildern, Fragen, Fehlern und Ideen. Dann arbeiten wir genau daran.
Themen können Photoshop, Composing, Beauty-Retusche, Freistellen, Licht, Farbe, Bildlook, Synthografie, KI-Workflows, Perspektive oder die einfache Frage sein, warum ein Bild trotz tausend Effekten noch immer nicht fertig aussieht. Das Coaching läuft normalerweise von 10:00 bis 16:00 Uhr und wird individuell vorbereitet.
Aktuell kostet der Tag inklusive Daten- und Videopaket 444 Euro. Wer mein großes Brownz-Archiv bereits besitzt, es nicht benötigt oder als Wiederholungstäter zurückkommt, bezahlt 255 Euro. Dazu können vorab Fragen geschickt werden. Daraus erstelle ich persönliche Unterlagen; wo es sinnvoll ist, folgen nach dem Termin zusätzliche Full-HD-Videos. Ein Coaching ist für mich erst dann gut, wenn du danach selbstständig weiterkommst – nicht, wenn du drei Tage später wieder an derselben Stelle festhängst.
Wenn Linz zu weit weg ist
Nicht jeder kann für einen Tag nach Linz kommen. Deshalb kann eine individuelle Fragestellung auch als persönliches Videotraining zum Lernen von Photoshop und KI umgesetzt werden. Dabei geht es ebenfalls nicht um ein allgemeines Standardvideo, sondern um deine Bilder, deine Fragen und deinen Workflow. Umfang und Preis hängen vom Thema ab und werden vorab vereinbart.
BROWNZ REMASTERED: alte DNA, neue Werkzeuge
BROWNZ REMASTERED ist mein aktuelles großes Einzeltraining für Photoshop, KI und Synthografie. Es umfasst 46 Kapitel und mehr als neun Stunden Videomaterial. Darin geht es unter anderem um Composing, Retusche, Haut, Freistellen, Hintergrundtausch, Licht, Bildlooks, High-Fashion-Korrekturen, KI-Hilfe, alte Bilder, Objektivunschärfen und den malerischen BROWNZ-Look.
Zum Training gehören Arbeitsmaterialien, Beispieldateien, Photoshop-Aktionen, Presets und Extras. Die Download-Version kostet 39 Euro, der USB-Stick per Post 49 Euro. Nach aktuellem Stand ist das Training nur noch bis längstens Ende Juli 2026 erhältlich. Wer es möchte, sollte also nicht bis zum nächsten geologischen Zeitalter warten.
Der Brownz Hub und das ziemlich große Archiv
Mit dem Brownz Hub gibt es außerdem ein Jahresmodell für kreative Trainings, PDFs, Arbeitsdaten und Extras rund um Digital Art, Photoshop, KI und Synthografie. Die Inhalte liegen in einem laufend aktualisierten Dropbox-Ordner; spätere Einsteiger bekommen auch Zugriff auf die bereits veröffentlichten Inhalte des laufenden Zeitraums. Das Jahresabo ist auf meiner Shop-Seite mit 199 Euro angegeben. Weil Laufzeiten und Verfügbarkeit naturgemäß wechseln können, bitte ich vor der Bestellung um eine kurze Mail.
Dazu kommt mein über viele Jahre gewachsenes Archiv aus Lernvideos, Photoshop-Wissen, Aktionen, Presets, Pinseln, Texturen und Arbeitsdaten. Nicht alles davon ist ständig als fertiges Paket verfügbar. Wer etwas Bestimmtes sucht, fragt am besten direkt. Ich habe im Laufe der Jahre ziemlich viel produziert. Wahrscheinlich mehr, als vernünftig war. Aber Vernunft war bei meinen Bildwelten ohnehin nie die Hauptabteilung.
Der BROWNZ Blog: mein offenes Labor
Auf brownz.art veröffentliche ich Fachartikel, Tutorials, Making-ofs, Werktexte, Tool-Checks, Photoshop-Grundlagen, KI-Themen, Gedanken zur Kunst und gelegentlich Dinge, die sich keiner vernünftigen Kategorie unterwerfen. Der Blog ist nicht nur Werbung für meine Produkte. Er ist ein öffentliches Arbeitsarchiv und zeigt, wie ich über Bilder, Technik, Kreativität und den ganzen KI-Zirkus denke.
Viele Inhalte sind frei lesbar. Wer zuerst herausfinden möchte, ob meine Arbeitsweise zu ihm passt, kann dort anfangen. Man merkt relativ schnell, ob man mit meiner direkten Art etwas anfangen kann. Ich erkläre Dinge verständlich, aber ich streichle schlechte Bilder nicht schön. Wenn etwas nicht funktioniert, sage ich warum. Das spart Zeit.
Vier Jahrzehnte Bildarbeit fallen nicht vom Himmel
Weil das Ganze nicht gestern mit einem kostenlosen KI-Account begonnen hat. Meine öffentliche Spur reicht von früher DigiArt über Film- und Multimediaarbeit bis zu Photoshop-Composings, Fachartikeln, Videotrainings, Workshops und heutiger Hybridkunst.
Beim Fachmagazin DOCMA sind zahlreiche Photoshop- und Composing-Beiträge unter meinem Namen dokumentiert. Im Rheinwerk-/Galileo-Umfeld erschienen unter anderem das Videotraining „Traumwerke – Photoshop-Fantasien mit Peter ‚Brownz‘ Braunschmid“ sowie meine Beteiligung an „Photoshop Artworks – Die Tricks der Photoshop-Profis“. Die Deutsche Nationalbibliothek führt „Traumwerke“ als Veröffentlichung von 2015 mit 540 Minuten Videomaterial. Externe Kollegen beschreiben meine Arbeit seit Jahren als Mischung aus DigiArt, Composing, Dark Art, Training und einer gewissen Unfähigkeit, Bilder in Ruhe zu lassen.
Das schreibe ich nicht, um eine Vitrine voller alter Pokale aufzubauen. Es erklärt nur, woher das Wissen kommt, das heute in meinen Bildern und Coachings steckt. Erfahrung ist kein nostalgischer Orden. Sie ist das, was verhindert, dass man bei jedem neuen Werkzeug wieder bei null anfängt.
Wer bei BROWNZ richtig ist
Für Sammler, die keine beliebige Dekoration suchen, sondern ein physisches Werk mit Charakter, Geschichte und nachvollziehbarer Ausführung. Für Menschen, die Popkultur, Street-Art-Energie, Luxus, Krypto, dunkle Bildwelten, Schönheit, Ironie oder einfach Bilder mit Haltung mögen.
Und auf der Wissensseite für Fotografen, Künstler, Bildbearbeiter, KI-Nutzer und kreative Einsteiger, die nicht nur mehr Effekte wollen, sondern bessere Entscheidungen. Wer eine Taste sucht, die automatisch Geschmack erzeugt, wird bei mir enttäuscht. Wer genauer sehen, sauberer bauen und eigenständiger arbeiten will, ist richtig.
Was am Ende bleibt
Man bekommt bei mir nicht nur ein Produkt. Wer ein Original sammelt, bekommt Erfahrung in Bildform. Ein Training vermittelt Verfahren; im Coaching gibt es direkte Antworten. Und man bekommt eine Haltung, die sich seit den Achtzigern nicht besonders erfolgreich brav machen ließ.
Unter all den Werkzeugen, Programmen und Maschinen steckt immer derselbe Kern: Neugier, Handwerk, Experiment und die Bereitschaft, ein Bild so lange zu bearbeiten, bis es nicht mehr nach Rohmaterial aussieht. Ich bin ein Mensch. Ich mache Fehler, ändere meine Meinung, probiere Dinge aus und werfe Ergebnisse wieder weg. Genau deshalb ist die Arbeit auch menschlich.
Ein Werk. Eine Wand. Ein Sammler. Und dazwischen ein ziemlich langer Weg vom ersten Pixel bis zur letzten Schicht Acryl.
Wenn dich eine Arbeit findet – oder du mit mir arbeiten willst
Für Originale, Verfügbarkeit, Resale, Rahmung, Auftragsarbeiten, BROWNZ REMASTERED, Brownz Hub, Personal Coaching oder individuelle Videotrainings genügt eine formlose E-Mail. Schreib kurz dazu, worum es geht, welches Werk oder Angebot dich interessiert und was du konkret brauchst.
Die folgende Übersicht trennt aktuelle Hauptseiten von sozialen Profilen, Fachreferenzen und älteren Archivprofilen. Alle Links wurden am 18. Juli 2026 geöffnet oder über die jeweilige Plattform geprüft. Bei sozialen Netzwerken können öffentliche Seiten je nach Login und Region unterschiedlich angezeigt werden.
Offizielle Seiten und aktuelle Angebote
BROWNZ ART – offizielle Homepage:https://www.brownzart.com/ — Marke, Originalkunst und aktueller Überblick
Die aktuellen Werkmerkmale, Serien, Materialien, Trainingsdaten, Preise und Kontaktwege wurden mit brownzart.com und brownz.art abgeglichen. Die Angaben zu BROWNZ REMASTERED stammen aus dem Artikel vom 23. Mai 2026; die Coaching-Preise aus dem Artikel vom 27. Juni 2026. Bei Abweichungen zwischen älteren Profilen und aktuellen offiziellen Seiten gilt die neuere offizielle Angabe.
Die langjährige Fachautorschaft ist über das DOCMA-Autorenprofil belegt. „Traumwerke“ ist über die Deutsche Nationalbibliothek bibliografisch nachgewiesen. Die frühe C64-/Amiga-Linie, Filmbranche und Entwicklung zum Photoshop-Trainer werden durch eigene Veröffentlichungen und eine externe Würdigung gestützt; einzelne persönliche Lebensdetails bleiben naturgemäß meine eigene Selbstauskunft.
Alte Angebote und Preise aus früheren Blogposts oder Fremdseiten wurden nicht als aktuell übernommen. Das betrifft insbesondere historische Archivpakete, Rabattaktionen und frühere Social-Media-Nutzernamen. Vor einer Bestellung gilt immer der aktuelle Stand auf meinen offiziellen Seiten oder meine direkte Antwort per E-Mail.
Transparenzhinweis
Dieser Beitrag wurde von mir inhaltlich geplant, geprüft und freigegeben. Bei Recherche, Strukturierung und sprachlicher Ausarbeitung wurde künstliche Intelligenz als Werkzeug eingesetzt. Die Aussagen zu meiner Person, meinen Arbeiten, Angeboten und meiner Haltung stammen aus meinen eigenen Angaben sowie aus den verlinkten und gegengeprüften Quellen. Verantwortung für Inhalt und Veröffentlichung liegt bei mir, Peter „BROWNZ“ Braunschmid.
KI braucht Menschen: Warum gute Bilder aus Ideen, Haltung und Entscheidungen entstehen
Man kann heute in wenigen Minuten fünfzehn Prompts aus irgendeinem Forum kopieren, ein Foto hochladen und sich danach zum KI-Künstler erklären. Technisch ist das möglich. Künstlerisch ist es ungefähr so überzeugend wie ein Fertigkuchen, auf den man seinen Namen schreibt und behauptet, man hätte das Backen neu erfunden.
Ich bin kein Gegner dieser Technik. Ganz im Gegenteil. Ich war bei Midjourney sehr früh dabei, als das Ganze noch eher wie ein seltsames Discord-Flüstern wirkte als wie ein neues Massenmedium. Ich habe die ersten wilden Ergebnisse gesehen, die Sprünge, die Fehler, die Euphorie und inzwischen auch die endlosen Bilderlawinen. Gerade deshalb sage ich heute sehr klar: KI braucht den Menschen.
Für mich gibt es keine KI-Kunst. Es gibt Kunst, die mit KI gemacht wurde. Das ist ein wichtiger Unterschied. Die Maschine kann Varianten erzeugen, Material liefern, Bildteile verändern, Strukturen kombinieren und unglaublich viel Arbeit abnehmen. Aber sie hat keine eigene Haltung zu dem Bild. Sie hat nichts erlebt, nichts riskiert und nichts zu sagen. Bedeutung entsteht erst dort, wo ein Mensch eine Entscheidung trifft.
Meine Position in einem Satz KI kann Bilder produzieren. Kunst entsteht erst dann, wenn ein Mensch weiß, warum dieses Bild existieren soll – und bereit ist, für jede wesentliche Entscheidung darin Verantwortung zu übernehmen.
KI braucht Menschen: Das Problem mit der Verwechslung
Wir verwechseln gerade drei Dinge miteinander: Bildproduktion, Kreativität und Kunst. Ein Bild kann produziert werden, ohne besonders kreativ zu sein. Eine kreative Idee kann existieren, ohne jemals zu einem Kunstwerk zu werden. Und Kunst entsteht nicht automatisch dadurch, dass ein Ergebnis kompliziert, schön, teuer oder technisch neu aussieht.
Generative Systeme sind sehr gut darin, etwas zu erzeugen, das bereits nach fertigem Bild aussieht. Genau das macht sie so verführerisch. Früher musste man lange arbeiten, bevor ein Bild halbwegs präsentabel war. Heute kommt die Präsentabilität zuerst – und die Substanz vielleicht später. Man bekommt sofort Oberfläche, Licht, Details und Atmosphäre. Dadurch kann leicht der Eindruck entstehen, der kreative Prozess wäre bereits abgeschlossen.
In Wahrheit beginnt er oft erst dort. Das erste KI-Ergebnis ist kein Endbild. Es ist Rohmaterial mit sehr guter Frisur.
Ein Prompt ist noch keine Idee
Ein Prompt kann präzise, clever und technisch ausgefeilt sein. Er kann Kamerawinkel, Materialien, Farben, Licht, Epoche und Stil enthalten. Trotzdem beantwortet er nicht automatisch die entscheidende Frage: Warum soll dieses Bild existieren?
Wenn ich einen Prompt aus einem Forum kopiere, kopiere ich zuerst einmal eine Bedienungsanleitung. Vielleicht bekomme ich damit ein hübsches Ergebnis. Aber ich habe noch keine eigene Bildidee entwickelt. Ich habe weder entschieden, welche Erfahrung dahintersteht, welche Spannung das Bild tragen soll noch was ich bewusst weglassen möchte.
Das U.S. Copyright Office kommt in seinem Bericht von 2025 – ausdrücklich bezogen auf die Rechtslage in den USA – zu einer bemerkenswert ähnlichen Trennlinie: Prompts allein geben bei den heute allgemein verfügbaren Systemen nicht genügend Kontrolle über das konkrete Ausdrucksergebnis. Menschliche Auswahl, Anordnung und kreative Weiterbearbeitung können dagegen sehr wohl relevante Autorschaft begründen. Das ist keine allgemeine Kunstdefinition und schon gar keine österreichische Rechtsberatung. Aber es zeigt, dass selbst die juristische Debatte zwischen bloßer Anweisung und tatsächlicher Gestaltung unterscheidet.
Ein brauchbarer Selbsttest Wenn ich nur den Prompt vorzeigen kann, aber keine eigene Idee, keine Auswahl, keine Bearbeitung und keine Begründung für das Ergebnis habe, dann habe ich wahrscheinlich noch kein Werk geschaffen. Ich habe eine Möglichkeit ausprobiert.
Der kreative Engpass hat nur den Ort gewechselt
Früher war der Engpass oft die Produktion. Man brauchte Kamera, Licht, Modelle, Material, Programme, handwerkliches Wissen und sehr viel Zeit. Mit KI wird Produktion billiger und schneller. Dadurch verschwindet Kreativität aber nicht. Der Engpass wandert.
Die neue Knappheit ist Urteilskraft. Wenn jeder hundert Bilder pro Stunde erzeugen kann, wird nicht das Erzeugen wertvoller, sondern das Erkennen. Welches Bild ist wirklich stark? Was ist nur Effekt? Welche Variante trägt die Idee? Was muss weg? Wo ist die Grenze zwischen überraschend und beliebig?
Das ist vielleicht die wichtigste Verschiebung der nächsten Jahre: Kreative werden weniger daran gemessen, wie viel sie erzeugen können, sondern daran, wie gut sie auswählen, verbinden, verwerfen und zuspitzen. Die Maschine vervielfacht Möglichkeiten. Der Mensch reduziert sie wieder auf Bedeutung.
Kunst entsteht aus Entscheidungen – nicht aus Rechenleistung
Ein starkes Bild besteht aus einer Kette von Entscheidungen. Manche sind groß: Thema, Motiv, Format, Aussage. Andere sind fast unsichtbar: fünf Prozent weniger Sättigung, ein Schatten weiter links, eine Hand nicht verändern, ein Detail entfernen, weil es zu viel erklärt.
Die KI kann an jeder Stelle Vorschläge machen. Aber sie kann mir nicht abnehmen, welche Entscheidung zu meiner Arbeit passt. Sie kennt meine Geschichte nicht. Sie weiß nicht, warum mich ein bestimmtes Blau seit Jahren verfolgt, warum ich eine makellose Fläche manchmal absichtlich zerstöre oder weshalb eine Figur in einem Bild einsam bleiben muss.
Stil ist für mich auch nicht der einmalige Treffer eines Prompts. Stil entsteht, wenn jemand unter wechselnden Bedingungen immer wieder charakteristische Entscheidungen trifft. Eine Handschrift ist kein Preset. Sie ist ein Muster aus Haltung.
Der Werkzeugköcher wird größer – und das ist gut
Ich sehe KI positiv. Sie ist ein neues Werkzeug im Werkzeugköcher. Nicht der ganze Köcher, nicht der Schütze und schon gar nicht das Ziel. Aber ein starkes Werkzeug, wenn man weiß, wann man es herausnimmt.
In meiner Arbeit kann KI ein Bildarchiv neu öffnen, Hintergründe entwickeln, Varianten testen, Bildteile rekonstruieren, Texturen erzeugen, Lichtideen simulieren oder eine fotografische Grundlage in eine neue Welt überführen. Danach geht es zurück nach Photoshop, in Camera Raw, in Masken, Ebenen, Retusche, Farbe, Montage und oft auch in physisches Material.
Das Ergebnis wird nicht besser, weil möglichst viele Programme in der Liste stehen. Es wird besser, wenn jedes Werkzeug eine klare Aufgabe bekommt. Ein Hammer ist großartig für einen Nagel. Für ein Weinglas ist er eher eine Haltung als eine Lösung.
KI als Skizzenbuch: Sie erzeugt schnelle visuelle Richtungen, bevor ich Stunden in eine einzige Umsetzung investiere.
Material erzeugen: Sie liefert Räume, Oberflächen, Requisiten, Lichtvarianten oder Übergänge, die ich später weiterverarbeite.
KI als Reparaturwerkzeug: Sie kann fehlende Bildflächen ergänzen, Störungen entfernen oder schwer rekonstruierbare Bereiche vorbereiten.
Ein kreatives Gegenüber: Sie kann meine erste Idee in unerwartete Richtungen spiegeln und mich zwingen, genauer zu sagen, was ich eigentlich will.
KI als Produktionsassistent: Sie übernimmt Wiederholungen, Varianten und technische Zwischenschritte. Die kreative Endabnahme bleibt beim Menschen.
KI braucht Menschen: Was die Maschine nicht übernimmt
Absicht
Eine Maschine kann ein Bild zum Thema Verlust erzeugen. Sie kann aber nichts verloren haben. Die Absicht kommt von dem Menschen, der das Thema auswählt, weil es für ihn oder für andere eine Bedeutung besitzt.
Geschmack
Geschmack ist nicht nur die Fähigkeit, etwas Schönes zu erkennen. Er ist die Fähigkeit, zwischen zwei guten Möglichkeiten zu entscheiden – und manchmal die hässlichere zu wählen, weil sie ehrlicher ist.
Kontext
Dasselbe Bild kann in einer Ausstellung, einer Werbung, einem politischen Plakat oder einem privaten Erinnerungsalbum etwas völlig anderes bedeuten. Die KI erzeugt Form. Der Mensch kennt den Zusammenhang.
Verantwortung
Wer veröffentlicht, verkauft oder bewirbt, trägt Verantwortung. Für die verwendeten Personen, Rechte, Aussagen, Täuschungen und Folgen. Diese Verantwortung kann man nicht an ein Modell weiterreichen.
Das bewusste Nein
Die vielleicht menschlichste kreative Leistung ist das Nein. Nein zu einer schönen Variante, zu mehr Details, zu einem Trend oder zu einem Ergebnis, das funktioniert, aber nicht nach mir aussieht. Generative Systeme sind auf Produktion gebaut. Kunst braucht auch Verweigerung.
Warum Werbung ohne menschliche Führung ebenfalls scheitert
In der Werbung reicht es nicht, ein visuell eindrucksvolles Bild zu erzeugen. Ein Plakat muss aus Entfernung lesbar sein. Ein Folder braucht Hierarchie. Eine Kampagne muss zur Marke, zur Zielgruppe, zum Medium und zum kulturellen Umfeld passen. Produkte müssen korrekt aussehen. Menschen dürfen nicht plötzlich sechs Finger haben, und eine Headline muss mehr können, als dekorativ herumzustehen.
KI kann hier unglaublich viel beschleunigen: Moodboards, Layoutvarianten, Key Visuals, Freisteller, Hintergründe, Varianten für Formate und erste Textideen. Aber ohne Art Direction produziert sie oft das visuelle Äquivalent eines sehr motivierten Praktikanten, der alles gleichzeitig zeigen möchte.
Gute kommerzielle Gestaltung braucht Reduktion, Markenverständnis und Verantwortung. Der Auftraggeber zahlt nicht für die Anzahl der Generierungen. Er zahlt dafür, dass jemand aus tausend Möglichkeiten die richtige auswählt – und sie so weit bearbeitet, bis sie funktioniert.
Der Unterschied zwischen KI-Müll und Kunst mit KI
Der Begriff KI-Müll ist grob, aber das Phänomen dahinter ist real: massenhaft produzierte Bilder ohne erkennbare Idee, Auswahl oder Weiterbearbeitung. Meist sieht man sofort, dass die Erzeugung wichtiger war als das Ergebnis. Alles ist spektakulär, alles leuchtet, überall schweben Partikel und jedes Gesicht sieht aus, als hätte es denselben digitalen Hautarzt.
Nicht die Verwendung von KI macht ein Bild zu Müll. Gleichgültigkeit macht es zu Müll. Dasselbe gilt übrigens für Fotografie, Malerei, Photoshop und Design. Auch ohne KI wurde schon immer sehr viel belangloses Zeug produziert. Die neue Technik hat nur den Wasserhahn größer gemacht.
KI-Müll fragt: Was kann das Modell noch alles hineinpacken?
Kunst mit KI fragt: Was braucht dieses Bild wirklich – und was kann ich entfernen?
KI-Müll sucht: den schnellen Wow-Effekt.
Kunst mit KI sucht: eine Wirkung, die auch nach dem ersten Wow noch übrig bleibt.
KI-Müll versteckt: den Prozess hinter einem großen Technologiebegriff.
Kunst mit KI zeigt: eine nachvollziehbare menschliche Entscheidungskette.
Mein sinnvoller Workflow: vom Gedanken zum Werk
1. Die Idee vor dem Prompt
Ich formuliere zuerst, worum es geht. Kein Stilwort, sondern eine Spannung. Nähe und Distanz. Luxus und Zerfall. Schönheit und Bedrohung. Erst wenn ich weiß, welche Gegensätze das Bild tragen, beginne ich mit Werkzeugen.
2. Das menschliche Ausgangsmaterial
Das kann ein eigenes Foto, eine Zeichnung, ein Text, eine Collage, ein Objekt oder eine Erinnerung sein. Ein eigener Ausgangspunkt begrenzt die Beliebigkeit und bringt bereits meine Perspektive in den Prozess.
3. Klare Aufgaben für die KI
Ich lasse nicht „Kunst“ erzeugen. Ich lasse einen Raum, eine Textur, eine Lichtidee, ein Kleidungsdetail oder drei verschiedene Bildrichtungen entwickeln. Kleine Aufgaben sind kontrollierbarer als der große Zauberspruch.
4. Varianten bewusst trennen
Nicht zwanzig fast identische Ergebnisse, sondern drei wirklich unterschiedliche Richtungen. So entscheide ich zwischen Ideen und nicht nur zwischen zufälligen Details.
5. Auswahl mit Begründung
Ich wähle nicht das technisch beeindruckendste Bild, sondern dasjenige, das meine Aussage am klarsten trägt. Wenn ich nicht begründen kann, warum eine Variante besser ist, war die Idee vermutlich noch nicht scharf genug.
6. Rückkehr ins Handwerk
Jetzt wird montiert, maskiert, übermalt, retuschiert, farblich verbunden, vereinfacht und neu aufgebaut. Gesichter, Hände, Perspektive, Licht und Material müssen kontrolliert werden. Genau hier wird aus generiertem Material eine eigene Arbeit.
7. Der Widerstandstest
Ich frage: Wo war ich gezwungen, eine echte Entscheidung zu treffen? Wo habe ich etwas verworfen? Was musste ich gegen das erste Ergebnis durchsetzen? Wenn es im gesamten Prozess keinen Widerstand gab, war es vielleicht Produktion – aber noch keine ernsthafte Gestaltung.
8. Transparenz und Dokumentation
Ich halte fest, welche Werkzeuge beteiligt waren und welche menschlichen Bearbeitungsschritte das Ergebnis geprägt haben. Nicht als Rechtfertigung, sondern als Teil der Werkgeschichte.
Der künstlerische Prüfcode Kann ich für Motiv, Licht, Farbe, Komposition, Auswahl und Bearbeitung jeweils erklären, warum ich mich so entschieden habe? Wenn ja, trägt das Bild meine Handschrift. Wenn die Antwort überall nur lautet „weil die KI das so gemacht hat“, ist noch Arbeit offen.
Neue Chancen, die wir nicht kleinreden sollten
Wer nur über Gefahr spricht, verpasst das Interessanteste. KI kann kreative Prozesse öffnen, die vorher zu teuer, zu langsam oder technisch unerreichbar waren. Menschen können Ideen visualisieren, bevor sie ein großes Team finanzieren. Fotografen können Archive neu lesen. Maler können Kompositionen simulieren. Filmemacher können Welten vorbauen. Designer können in kurzer Zeit mehrere Richtungen prüfen.
Besonders spannend finde ich hybride Arbeiten. Ein Foto aus dem eigenen Archiv wird durch generative Bildteile erweitert, in Photoshop neu zusammengesetzt, gedruckt, übermalt, wieder fotografiert und erneut digital bearbeitet. Die Frage „Ist das noch Fotografie?“ wird dann weniger interessant als die Frage „Ist das ein starkes Bild?“
KI kann außerdem eine zweite Sicht auf das eigene Material liefern. Nicht als zweites Gehirn – dafür fehlt ihr das Leben –, sondern als zweiter Materialzustand. Sie zeigt, was aus einem Bild noch werden könnte. Die Entscheidung, welche Möglichkeit in die eigene künstlerische Sprache passt, bleibt bei uns.
Die vielleicht größte Chance: individuelle Werkzeuge statt Einheitsmodell
Heute benutzen Millionen Menschen dieselben Modelle. Deshalb entsteht schnell ein gemeinsamer visueller Brei. Die spannendere Zukunft beginnt dort, wo Künstler ihre eigenen Archive, Regeln, Materialien und wiederkehrenden Entscheidungen stärker in den Prozess einbringen.
Ich stelle mir keine Welt vor, in der jeder Künstler von derselben Maschine ersetzt wird. Ich stelle mir eine Welt vor, in der jeder Künstler seinen eigenen Werkzeugapparat baut: persönliche Referenzarchive, eigene Workflows, bewusst begrenzte Farbwelten, wiederkehrende Fehler, physische Materialien und digitale Modelle. Dann wird KI nicht zur Gleichmachmaschine, sondern zum Verstärker von Unterschieden.
Das funktioniert allerdings nur, wenn wir aufhören, immer das technisch maximal Mögliche zu verlangen. Eine eigene Sprache entsteht auch durch Grenzen. Vielleicht benutzt jemand nur eine bestimmte Art von Licht. Bei anderen bleiben Gesichter immer fotografisch. Vielleicht werden generierte Elemente grundsätzlich übermalt. Solche Regeln sind keine Schwäche. Sie sind ein Rahmen, in dem Handschrift sichtbar wird.
Was wir neu lernen müssen
Die klassische Ausbildung hat viel Wert auf Herstellung gelegt: zeichnen, fotografieren, retuschieren, setzen, drucken. Diese Fähigkeiten bleiben wichtig. Dazu kommen neue Kompetenzen, die weniger spektakulär klingen, aber entscheidend werden.
Visuelle Urteilskraft: Qualität und Beliebigkeit auch dann unterscheiden, wenn beides technisch perfekt aussieht.
Systemverständnis: Wissen, welches Werkzeug für welche Aufgabe geeignet ist und wo es halluziniert, glättet oder Identität verändert.
Prozessdesign: Arbeitsschritte so aufbauen, dass der Mensch an den entscheidenden Stellen Kontrolle behält.
Quellenbewusstsein: Mit Referenzen, Rechten, Persönlichkeitsbildern und kulturellen Codes verantwortungsvoll umgehen.
Transparenz: Nicht so tun, als wäre eine komplexe hybride Arbeit aus dem Nichts entstanden.
Mut zur Reduktion: Nicht jede neue Funktion verwenden, nur weil sie gerade da ist.
Urheberrecht: ein nüchterner Blick
Urheberrechtliche Fragen sind international unterschiedlich und entwickeln sich weiter. Der Bericht des U.S. Copyright Office von 2025 gilt für die USA. Er hält fest, dass vollständig KI-generiertes Material ohne menschliche Autorschaft dort nicht schutzfähig ist. KI als unterstützendes Werkzeug schließt Schutz dagegen nicht aus. Menschlich geschaffene Ausgangselemente, kreative Auswahl und Anordnung sowie ausreichend eigenständige Änderungen können relevant sein – immer abhängig vom Einzelfall.
Für Österreich und die EU sollte man konkrete Projekte rechtlich gesondert prüfen. Für meine künstlerische Praxis ziehe ich trotzdem eine einfache praktische Lehre daraus: Ich dokumentiere meine eigenen Beiträge. Ausgangsfotos, PSD-Dateien, Ebenen, Zwischenschritte, Auswahlentscheidungen und physische Bearbeitungen zeigen nicht nur den Prozess. Sie zeigen, wo menschliche Gestaltung tatsächlich stattgefunden hat.
Transparenz ist kein Makel
Manche verstecken den KI-Einsatz, weil sie glauben, das Werk würde dadurch weniger wert. Ich sehe es anders. Wenn die menschliche Arbeit stark ist, macht Transparenz sie nicht kleiner. Sie macht sie nachvollziehbarer.
Content Credentials und vergleichbare Herkunftsinformationen können künftig helfen, Bearbeitungsschritte und Ursprung digitaler Medien sichtbar zu machen. Das ist kein perfektes System und ersetzt keine inhaltliche Bewertung. Aber es verschiebt die Diskussion von „Ist das echt?“ zu der interessanteren Frage: „Wie ist es entstanden und wer hat welche Entscheidungen getroffen?“
Die Transparenzpflichten aus Artikel 50 des EU AI Act werden ab 2. August 2026 anwendbar. Sie betreffen unter anderem maschinenlesbare Kennzeichnungen durch Anbieter sowie Offenlegungspflichten bei bestimmten KI-generierten oder manipulierten Inhalten, etwa Deepfakes und bestimmten Veröffentlichungen von öffentlichem Interesse. Nicht jedes Kunstwerk fällt automatisch unter dieselbe sichtbare Kennzeichnungspflicht. Die konkrete rechtliche Einordnung hängt vom Einsatz und Veröffentlichungskontext ab.
Meine praktische Offenlegung Für Kunst und redaktionelle Beiträge nenne ich die wesentlichen Werkzeuge und beschreibe die menschlichen Schritte: Idee, eigenes Ausgangsmaterial, Auswahl, Composing, Retusche, Farbgestaltung und Endredaktion. Das ist ehrlich, verständlich und macht sichtbar, dass die KI Teil des Prozesses war – nicht dessen Autor.
Mein Anti-KI-Müll-Check vor der Veröffentlichung
Idee: Kann ich in zwei Sätzen erklären, worum es geht – ohne einen Modellnamen zu erwähnen?
Notwendigkeit: Warum wurde KI verwendet? Hatte sie eine konkrete Aufgabe oder war sie nur der Effekt?
Eigenanteil: Welche sichtbaren Entscheidungen stammen von mir?
Auswahl: Warum ist genau diese Variante übrig geblieben?
Handwerk: Sind Anatomie, Perspektive, Licht, Farbe, Typografie und Details kontrolliert?
Reduktion: Was habe ich bewusst entfernt?
Handschrift: Passt das Ergebnis zu meiner Arbeit oder könnte es von jedem beliebigen Account stammen?
Verantwortung: Sind Rechte, Personen, Aussagen und mögliche Täuschungen geklärt?
Transparenz: Ist nachvollziehbar, welche Rolle KI gespielt hat?
Nachwirkung: Bleibt nach dem ersten Wow noch etwas übrig?
Fazit: Die Maschine vergrößert, was wir mitbringen
KI macht kreative Menschen nicht automatisch kreativer. Sie macht aber ihre Möglichkeiten größer. Genauso vergrößert sie Beliebigkeit, wenn keine Idee vorhanden ist. Sie ist ein Verstärker – und deshalb hängt so viel davon ab, was vor ihr sitzt.
Ich glaube nicht an den Untergang der Kunst. Ich glaube, dass Kunst gerade gezwungen wird, sich wieder genauer zu erklären. Wenn perfekte Oberfläche für jeden verfügbar wird, gewinnen Idee, Haltung, Auswahl und Persönlichkeit an Wert. Das ist keine schlechte Entwicklung.
Wir sollten KI weder anbeten noch verteufeln. Wir sollten sie benutzen, auseinandernehmen, mit anderen Techniken vermischen, ihre Fehler kennen und ihr dort widersprechen, wo sie uns in den Durchschnitt zieht. Offen, neugierig und ohne den eigenen Kopf an der Garderobe abzugeben.
Die Zukunft gehört nicht der KI. Sie gehört auch nicht den Menschen, die so tun, als gäbe es sie nicht. Sie gehört den Kreativen, die das Werkzeug beherrschen, ohne sich von ihm die Richtung vorgeben zu lassen.
Content Credentials – Offener Herkunftsstandard für Informationen über Ursprung und Bearbeitung digitaler Medien.
Midjourney: Prompt Basics – Offizielle Grundlagen zum Prompting und zur Steuerung von Bildgenerierungen.
Midjourney: Editor – Eigene Bilder bearbeiten, Bereiche variieren und Bildflächen erweitern.
Transparenzhinweis zur Entstehung dieses Fachartikels
Die Grundidee, persönliche Haltung, langjährige Erfahrung mit Fotografie, Photoshop und generativen Bildwerkzeugen sowie die zentralen Argumente dieses Artikels stammen von Brownz. ChatGPT wurde unterstützend eingesetzt, um die Gedanken zu strukturieren, Gegenpositionen zu prüfen, aktuelle Quellen zu recherchieren, Formulierungen auszuarbeiten und den Text redaktionell zu verdichten.
Die inhaltliche Auswahl, künstlerische Position, Beispiele, Bewertung und Endredaktion liegen bei Brownz. Externe Quellen wurden nur für überprüfbare rechtliche und technische Fakten herangezogen und sind oben direkt verlinkt. Der Artikel ist damit selbst ein Beispiel für die vertretene Haltung: KI als Werkzeug – der Mensch als Ideengeber, Entscheider und verantwortlicher Autor.
BROWNZ • KUNST • FOTOGRAFIE • PHOTOSHOP • SYNTHOGRAFIE
Einzelcoaching in Linz oder Videotraining: echtes Arbeiten, direkt an deinen Bildern.
Es gibt gerade zwei Dinge bei mir, die sehr gut zusammenpassen: BROWNZ REMASTERED und das Personal Coaching bei mir in Linz.
BROWNZ REMASTERED ist der Videoweg. Das Training ist für alle gedacht, die sich in Ruhe durch meine aktuelle Bildbearbeitung, alte Arbeiten, neue Werkzeuge und meinen heutigen Workflow arbeiten wollen. Photoshop, Retusche, Composing, Syntografie, KI als Werkzeug, Bildlook, Freistellen, Haut, Hintergrund, Licht, Tiefe. Also genau der Bereich, in dem ein Bild entweder nur technisch okay ist – oder plötzlich wirklich lebt.
Archivhinweis: Die folgende Ankündigung stammt aus Juli 2026. Die neuere Produktion findest du unter BROWNZ REMASTERED 2; aktuelle Trainings stehen auf BrownzArt.com.
Wichtig: BROWNZ REMASTERED ist nach aktuellem Stand nur mehr bis längstens Ende Juli erhältlich. Danach kommt schon die nächste Produktion. Ich sage das lieber klar, weil später erfahrungsgemäß wieder jemand fragt: Gibt es das noch? Vielleicht nicht. So ist das eben.
Das Personal Coaching ist die direkte Variante. Kein Standardkurs, kein fixes Programm, kein braves Nachklicken von hübschen Beispieldateien. Du kommst mit deinen Fragen, deinen Bildern, deinen Problemen und deinen Ideen. Dann schauen wir uns das gemeinsam an. Schritt für Schritt. Ehrlich. Praktisch. Direkt am Material.
Das kann Photoshop sein. Es kann Hautretusche sein. Freistellen. Licht. Bildlook. Syntografie. KI-Ergebnisse retten. Composings verbessern. Oder einfach die Frage: Warum wirkt dieses Bild noch nicht fertig? Genau dafür ist ein Einzelcoaching da. Nicht für allgemeines Blabla, sondern für konkrete Antworten.
Das Coaching findet bei mir in Linz statt. Normalerweise von 10:00 bis 16:00 Uhr. Ein Tag, der wirklich nur für dein Thema da ist. Und ja: Das ist etwas anderes als ein Videokurs. Ein Video schaut man an. Im Coaching wird gearbeitet.
Dazu kommt das Daten- und Videopaket aus meiner Arbeit seit etwa 2006 bis heute. Also rund 20 Jahre Bildbearbeitung, Photoshop, Composing, Syntografie, Experimente, Fehler, Lösungen und Bildmaterial. Wenn man das so schreibt, klingt es fast absurd. Ist aber genau der Punkt: Da steckt nicht ein Wochenend-Workshop drin, sondern ein ziemlich langer Weg.
Einzelcoaching in Linz oder Video: Was passt für dich?
BROWNZ REMASTERED ist richtig, wenn du selbstständig arbeiten willst. Videos anschauen, Kapitel wiederholen, Material testen, in deinem Tempo lernen.
Das Einzelcoaching ist richtig, wenn du keine Lust mehr hast, um dein eigenes Problem herumzulernen. Wenn du wissen willst, warum deine Retusche zu glatt ist, warum dein Composing nicht zusammenhält, warum dein Bild zu flach wirkt oder warum die KI zwar schön leuchtet, aber sonst Unsinn macht.
Beides zusammen ist natürlich die Vollversion: REMASTERED als Materialfundus und das Coaching als persönlicher Feinschliff. Einmal Werkzeugkiste, einmal Werkbank.
Kurz gesagt
BROWNZ REMASTERED: Videotraining, über 9 Stunden Material, 46 Kapitel, Photoshop, KI, Syntografie, Composing, Retusche und Bildlook. Nach aktuellem Stand nur mehr bis längstens Ende Juli erhältlich.
Personal Coaching: ein Tag bei mir in Linz, individuell, direkt, praktisch, mit deinen Bildern und Fragen – plus Daten- und Videopaket aus rund 20 Jahren BROWNZ-Arbeit.
Es geht bei beiden Dingen um dasselbe: bessere Bilder. Nicht mehr Effekt um des Effekts willen. Sondern mehr Kontrolle, mehr Tiefe, mehr Look und mehr Seele.
Anfragen
Wenn dich BROWNZ REMASTERED oder ein Personal Coaching interessiert, schreib mir einfach direkt an brownz@brownz.art. Kurz und klar reicht völlig: Was willst du lernen? Wo hängst du? Was soll besser werden? Dann schauen wir weiter.
Peter „BROWNZ“ Braunschmid – Linz
KI-Transparenzhinweis
Dieser Beitrag wurde von mir inhaltlich geplant, geprüft und freigegeben. Bei der sprachlichen Straffung und Formulierung wurde KI als Schreibwerkzeug eingesetzt. Die Aussagen zu BROWNZ REMASTERED, Einzelcoaching, Daten-/Videopaket und Verfügbarkeit stammen von mir. Verantwortung für Inhalt und Veröffentlichung liegt bei mir.
