Es gibt Updates, die sind kosmetisch. Und es gibt Updates, die sagen leise, aber bestimmt: Hier wächst etwas. Das neue Inhaltsverzeichnis des Brownz Hub gehört zur zweiten Sorte.
Nicht, weil plötzlich alles anders ist. Sondern weil jetzt sichtbar wird, wie groß dieses Ding eigentlich gedacht ist.
Der Brownz Hub war nie als schneller Kurs geplant. Er war von Anfang an ein System. Ein Archiv. Ein Denkraum. Und mit dem aktuellen Update des Inhaltsverzeichnisses wird genau das klarer denn je.
Der Brownz Hub ist kein Produkt. Er ist ein Zustand.
Wer den Brownz Hub betritt, betritt keinen Onlinekurs mit Kapitel 1–7 und Abschlusszertifikat. Man betritt einen Arbeitsraum, der sich ständig verändert.
Das Inhaltsverzeichnis ist dabei kein Inhaltsverzeichnis im klassischen Sinn. Es ist eher eine Landkarte:
Trainings
Daten
Extras
Werkzeuge
Experimente
Prozesse
Nicht linear. Nicht brav. Sondern so, wie kreative Arbeit nun mal wirklich funktioniert.
Was das neue Inhaltsverzeichnis zeigt
Mit dem aktuellen Update wird eines sehr deutlich: Der Brownz Hub ist kein Sammelsurium, sondern kuratiert.
Die Inhalte sind nicht zufällig gewachsen, sondern folgen einer inneren Logik:
vom Sehen zum Verstehen
vom Tool zur Haltung
vom Effekt zur Bildidee
Das Inhaltsverzeichnis macht diese Struktur jetzt sichtbar.
Nicht als starre Ordnung, sondern als offenes System, das weiter wächst.
Trainings: Wissen ohne Filter
Die Trainings im Brownz Hub erklären nicht, welchen Button man drücken muss. Sie erklären, warum man ihn überhaupt drückt – oder manchmal bewusst nicht.
Synthografie wird hier nicht als Trickkiste behandelt, sondern als Erweiterung fotografischen Denkens.
Keine Show. Kein Motivationsgeschrei. Sondern konzentrierte Arbeit am Bild.
Daten & Extras: Rohmaterial statt Hochglanz
Ein zentraler Punkt im neuen Inhaltsverzeichnis sind die Datenpakete.
Keine fertigen Looks zum Drüberlegen. Sondern:
Rohdaten
Arbeitsmaterial
Bausteine
Dinge, mit denen man arbeiten muss.
Der Hub liefert nicht die Lösung – er liefert die Substanz.
Tools als Werkzeug, nicht als Krücke
Das Update zeigt auch sehr klar, wie mit Tools umgegangen wird:
Nicht als Abkürzung. Nicht als Ersatz für Denken.
Sondern als Verstärker dessen, was du ohnehin schon sehen kannst.
Photoshop, KI, Daten, Presets – alles da. Aber nie im Mittelpunkt. Der Mittelpunkt bleibt das Bild.
Dropbox statt Plattform-Gefängnis
Ein wichtiger Punkt, der im Inhaltsverzeichnis mitschwingt: Der Brownz Hub ist kein Login‑Käfig.
Alle Inhalte kommen direkt per Dropbox.
Das bedeutet:
Du besitzt die Daten
Du arbeitest offline
Du bist unabhängig von Plattformen
Das Inhaltsverzeichnis wächst – dein Ordner wächst mit.
Für wen dieses Update wichtig ist
Dieses Update ist nicht für jeden relevant.
Es ist relevant für Menschen, die:
tiefer arbeiten wollen
verstehen wollen, was sie tun
keine Angst vor Rohmaterial haben
nicht auf der Suche nach Abkürzungen sind
Wenn du nur Effekte willst, bist du hier falsch. Wenn du Bilder bauen willst, bist du hier richtig.
Der eigentliche Kern des Updates
Das neue Inhaltsverzeichnis zeigt vor allem eines:
Der Brownz Hub ist noch lange nicht fertig.
Und genau das ist seine größte Stärke.
Du kaufst kein abgeschlossenes Produkt. Du steigst in einen Prozess ein.
Alles, was seit Start entstanden ist, ist enthalten. Alles, was kommt, kommt automatisch dazu.
Bestellung & Zugang
Der Brownz Hub ist als Jahresabo konzipiert. Kein Abo-Dschungel, keine monatlichen Abbuchungen, kein Kleingedrucktes.
Laufzeit: Oktober 2025 bis Oktober 2026 Preis: 199 Euro
Der entscheidende Punkt: Wer jetzt einsteigt, bekommt sofort Zugriff auf alle Inhalte, die seit Start bereits erschienen sind – ohne Wartezeit, ohne Einschränkung. Alles ist direkt verfügbar.
So bestellst du den Brownz Hub
Die Bestellung läuft bewusst persönlich und direkt.
Manchmal verkauft sich ein Bild und du denkst: schön, nächstes. Und manchmal passiert was anderes. Dieses Mal war’s das Zweite.
„Do Epic Art, Einstein“ hat einen neuen Besitzer gefunden.
Kein langes Hin und Her. Jemand hat’s gesehen, verstanden, gekauft. So einfach kann das sein.
Einstein, aber nicht der aus dem Schulbuch
Das Bild war von Anfang an laut gedacht. Nicht im Sinne von „schrei mich an“, sondern im Sinne von „ich geh nicht weg, wenn du wegschaust“.
Einstein ist hier nicht der freundliche Physik-Opa mit der rausgestreckten Zunge. Er schaut dich an wie jemand, der gerade gesehen hat, dass du zum dritten Mal deine Idee verschiebst. Arme verschränkt. Kein Lächeln.
Der Hintergrund ist kein Labor, kein Sternenhimmel, sondern Farbe, Schichten, Spuren. Wie eine Hauswand, an der sich zehn Jahre Stadtgeschichte abgelagert haben.
Was E=mc² hier macht
Die Formel ist noch da, aber sie steht nicht mehr allein. Sie wird überlagert, überschrieben, fast begraben unter allem anderen.
Das ist nicht respektlos gemeint. Es geht einfach um was anderes hier. Nicht um Physik, sondern um diesen Moment, wenn Farbe und Form zusammenkommen und irgendwas passiert, das du nicht geplant hattest.
Die Schichten im Bild sind gemischt:
Graffiti-Strukturen, die aussehen wie echte Wände
Digitale Ebenen, die man bewusst sehen soll
Echte Acryl-Tropfen drüber, die das Ganze wieder anfassbar machen
Das ist keine Photoshop-Spielerei. Das ist echt entstanden.
Die Ketchup-Dose, Mickey Mouse und der ganze Rest
Ja, da ist eine Heinz-Ketchup-Spraydose im Bild. Ich weiß, klingt erstmal komisch.
Aber genau darum geht’s. Alltägliche Sachen, die jeder kennt – Marken, Kindheitserinnerungen, Sprüche – werden plötzlich was anderes, wenn man sie neben Einstein packt.
Mickey Mouse taucht auf wie ein Geist aus einer Zeit, die einfacher schien. Daneben Texte wie „DO EPIC SHIT“ und „NEVER NEVER GIVE UP“. Das sind keine Motivationsposter-Sprüche. Zumindest nicht hier.
Das Bild funktioniert wie eine Wand in der Stadt: Du kannst vorbeigehen oder stehenbleiben. Beides ist okay.
Warum jemand das kauft
Nicht weil’s hübsch ist. Hübsch kann man überall kaufen.
Sondern weil’s eine klare Aussage hat. Das Bild entschuldigt sich nicht. Es erklärt sich nicht. Es ist einfach da und sagt: so sieht das aus, wenn ich was mache.
Wer sowas kauft, kauft kein Deko-Objekt. Sondern eine Entscheidung. Ein Stück, das nicht versucht, allen zu gefallen.
Und genau das macht’s am Ende interessant.
Was „Mixed Media“ hier wirklich bedeutet
Der Begriff wird oft für alles Mögliche benutzt. Hier passt er tatsächlich.
Die Basis ist ein hochwertiger Fine-Art-Druck. Darauf kommen echte Eingriffe mit Acrylfarbe, gezielte Farbläufer, manuelle Akzente. Jedes Exemplar wird dadurch physisch einzigartig.
Das Digitale und das Analoge kämpfen quasi miteinander. Und genau deshalb gibt’s kein Backup. Was weg ist, ist weg.
Die Fakten
Format: 60 × 90 cm
Material: optional auf William Turner Büttenpapier
Signiert, mit Echtheitszertifikat
Rahmung: optional möglich
Und vor allem: Einmalig. Kein Nachdruck. Keine zweite Version.
Gegensätze, die sich nicht auflösen
Das Bild funktioniert, weil es Widersprüche nicht glättet:
Pop neben Hochkultur
Street neben Galerie
Digital neben handgemacht
Chaos neben klarer Komposition
Einstein hält das Ganze zusammen. Er ist der ruhige Punkt in der Mitte, während drumherum alles explodiert.
Was dieser Verkauf für mich bedeutet
Ehrlich? Es zeigt mir, dass Arbeiten, die klar sind – die sich nicht verstecken oder allen gefallen wollen – ihren Platz finden.
Nicht über Masse. Nicht über Algorithmen. Sondern weil jemand reinschaut und denkt: ja, das passt.
Das Bild ist jetzt bei jemandem, der’s verstanden hat. Mehr braucht’s eigentlich nicht.
Das war’s
„Do Epic Art, Einstein“ ist verkauft.
Aber die Idee dahinter bleibt. Und vielleicht ist das am Ende wichtiger als das Bild selbst.
Das hier ist kein Bild, das gefallen will. Es steht einfach da. Ruhig. Ein bisschen frech. Völlig unbeeindruckt.
Und vielleicht ist genau das der Punkt.
Ein Auge offen. Das andere ein Herz.
Nicht kitschig gemeint – sondern ernst. Weich bleiben, wenn alles um dich herum verhärtet? Das ist keine Schwäche. Das ist eine Entscheidung.
Die Krone auf dem Kopf ist kein Ego-Ding. Sie sagt einfach: Ich weiß, wer ich bin. Auch wenn’s gerade laut ist.
Farben, die nicht fragen.
Blau trifft Rot. Gold blitzt durch Graffiti-Schichten. Farbnasen laufen runter wie Gedanken, die man nicht mehr sortieren muss.
Es sieht verspielt aus, fast kindlich – und ist trotzdem durchkomponiert. Diese Spannung macht’s aus: Leichtigkeit und Tiefe. Spaß und Bedeutung. Beides gleichzeitig.
LOVE · ART · MONEY
Drei Worte auf der Brust. Keine Ironie. Eine Einladung.
Liebe – zu dir, zu dem was du machst. Kunst – als Ausdruck, nicht als Erklärung. Geld – als Energie, nicht als Scham.
Das Bild flüstert leise: Bleib freundlich. Bleib im Fluss. Mach nicht jedes Drama mit.
Wie es entsteht:
Digital begonnen, mit Acryl vollendet. Echte Mixed-Media-Arbeit. Jede Schicht bewusst. Jede Unregelmäßigkeit gewollt.
60 × 90 cm auf William-Turner-Büttenpapier. Handsigniert. Mit Zertifikat. Einzelstück.
Wir stehen an der Schwelle zu etwas Neuem. Etwas, das noch keinen festen Namen hat, keine etablierten Regeln kennt, keine Akademien, die es lehren. Manche nennen es Synthografie, andere Artbreeding, wieder andere AI-Hybrid-Art oder Promptografie. Die Begriffe sind noch im Fluss – wie die Kunstform selbst.
Was feststeht: Hier entsteht gerade eine visuelle Sprache, die es vor wenigen Jahren nicht gab und nicht geben konnte. Eine Verschmelzung von menschlicher Fotografie, künstlicher Intelligenz und digitaler Nachbearbeitung, die weder das eine noch das andere ist, sondern etwas Drittes. Etwas Eigenes.
Du hast vielleicht schon Bilder gesehen, die dich irritiert haben. Fotografisch wirkende Szenen, die es so nie gab. Porträts von Menschen, die nicht existieren, aber Seelen zu haben scheinen. Landschaften, die zwischen Realität und Traum schweben. Wenn du dich gefragt hast, wie diese Bilder entstehen – dieser Artikel gibt dir die Antwort.
Mehr noch: Er zeigt dir, wie du selbst zum Synthografen werden kannst. Wie du deine Fotografien als Ausgangspunkt nimmst, sie durch KI-Werkzeuge transformierst und in Photoshop zu etwas veredelst, das unverkennbar dein eigenes ist. Eine Kunstform, die deine fotografische Vision mit den Möglichkeiten generativer KI verbindet – ohne dass eines das andere ersetzt.
Willkommen in der Welt der Synthografie.
Teil 1: Was ist Synthografie – und was ist sie nicht?
Die Definition einer unfertigen Kunstform
Synthografie – zusammengesetzt aus „Synthese“ und „Grafie“ (Schreiben/Zeichnen) – beschreibt die Kunst, Bilder durch die Verschmelzung verschiedener visueller Quellen und Technologien zu erschaffen. Der Begriff wurde geprägt, um eine Unterscheidung zu treffen: zwischen reiner KI-Generierung, bei der ein Prompt zu einem Bild führt, und einem komplexeren Prozess, bei dem menschliche Kreativität in jeder Phase präsent ist.
Ein Synthograf beginnt nicht mit einem leeren Prompt. Er beginnt mit eigenem Material – Fotografien, Skizzen, Konzepten. Er nutzt KI als Werkzeug der Transformation, nicht als Ersatz für Kreativität. Und er vollendet das Werk durch manuelle Bearbeitung, durch Entscheidungen, die nur ein Mensch treffen kann.
Der verwandte Begriff „Artbreeding“ stammt aus der Community und beschreibt das gezielte „Züchten“ von Bildern durch iterative Prozesse – ähnlich wie ein Züchter über Generationen hinweg bestimmte Eigenschaften verstärkt. Du nimmst ein Bild, lässt es durch KI variieren, wählst die interessanteste Variante, iterierst weiter, kreuzt mit anderen Elementen, bis etwas entsteht, das vorher nicht existierte.
Abgrenzung zur reinen KI-Kunst
Lass uns ehrlich sein: Einen Prompt in Midjourney einzugeben und das Ergebnis als eigene Kunst zu präsentieren – das ist keine Synthografie. Das ist KI-Nutzung, und sie hat ihren Platz, aber es ist etwas anderes.
Synthografie erfordert:
Eigenes Ausgangsmaterial Du startest mit deinen Fotografien, deinen Skizzen, deinen visuellen Ideen. Die KI arbeitet mit deinem Input, nicht aus dem Nichts.
Gezielte Transformation Du weißt, wohin du willst. Du nutzt KI nicht, um „irgendetwas Cooles“ zu bekommen, sondern um eine spezifische Vision zu verwirklichen.
Manuelle Veredelung Das KI-Ergebnis ist Rohmaterial, nicht Endprodukt. Du bearbeitest, kombinierst, schichtest, verfeinerst in Photoshop oder anderen Werkzeugen.
Künstlerische Signatur Das Endergebnis trägt deine Handschrift. Jemand, der deine Arbeit kennt, erkennt sie wieder – unabhängig vom verwendeten Werkzeug.
Teil 2: Der Workflow – Von der Fotografie zum Synthografie-Kunstwerk
Schritt 1: Das fotografische Fundament
Alles beginnt mit deiner Kamera. Oder deinem Smartphone. Oder deinem Archiv von Bildern, die du über Jahre gesammelt hast.
Was eignet sich als Ausgangsmaterial?
Porträts mit interessantem Licht oder Ausdruck
Landschaften und urbane Szenen mit Stimmung
Texturen und Details – Mauern, Oberflächen, organische Formen
Selbstporträts als Basis für künstlerische Transformation
Qualität des Ausgangsmaterials:
Die Auflösung muss nicht perfekt sein. Tatsächlich können leicht unscharfe, körnige oder technisch „fehlerhafte“ Bilder interessante Ergebnisse liefern. Die KI interpretiert Imperfektionen oft auf überraschende Weise.
Was zählt, ist die visuelle Substanz: Gibt es etwas im Bild, das transformiert werden will? Eine Stimmung, eine Form, eine Spannung?
Praktischer Tipp: Erstelle einen Ordner mit „Synthografie-Rohmaterial“. Sammle dort Bilder, die dich interessieren, auch wenn du noch nicht weißt, was du damit machen wirst. Mit der Zeit entwickelst du ein Gespür dafür, welche Bilder sich für Transformation eignen.
Schritt 2: Die KI-Transformation
Jetzt kommt die Magie – und die Arbeit. KI-Werkzeuge sind keine Ein-Klick-Lösungen. Sie sind Instrumente, die beherrscht werden wollen.
Welche Tools stehen zur Verfügung?
Midjourney Hervorragend für stilistische Transformation und das Hinzufügen von Elementen. Du kannst eigene Bilder als Referenz hochladen und mit Prompts kombinieren. Die Ästhetik von Midjourney ist unverkennbar – manchmal ein Vorteil, manchmal eine Einschränkung.
Stable Diffusion (mit ControlNet) Das mächtigste Werkzeug für Synthografie, wenn du bereit bist, dich einzuarbeiten. ControlNet ermöglicht es, die Struktur deines Originalbildes zu erhalten, während Stil, Inhalt und Atmosphäre transformiert werden. Pose-Erkennung, Kantenerkennung, Tiefenkarten – du hast granulare Kontrolle.
Adobe Firefly / Generative Fill Direkt in Photoshop integriert. Perfekt für gezielte Modifikationen: Elemente hinzufügen, Hintergründe erweitern, Objekte entfernen oder transformieren. Weniger für vollständige Transformation, mehr für präzise Eingriffe.
DALL-E 3 Stark im Verständnis komplexer Prompts, gut für konzeptionelle Arbeit. Die Outpainting-Funktion ermöglicht interessante Erweiterungen bestehender Bilder.
Runway ML Besonders interessant für Video-Synthografie und Stilübertragung. Wenn du dich in bewegte Bilder vorwagst, führt kein Weg daran vorbei.
Leonardo.AI Gute Balance zwischen Kontrolle und Zugänglichkeit. Die Alchemy-Funktion liefert hochwertige Ergebnisse, und die Fine-Tuning-Optionen ermöglichen konsistente Stile.
Praktische Techniken der KI-Transformation
Image-to-Image (img2img)
Die Grundtechnik der Synthografie. Du lädst dein Foto hoch und beschreibst, wie es transformiert werden soll. Der „Denoise Strength“-Parameter (in Stable Diffusion) oder vergleichbare Einstellungen bestimmen, wie stark die KI vom Original abweicht:
Niedrige Werte (0.2-0.4): Subtile Stiländerungen, Struktur bleibt erkennbar
Hohe Werte (0.8-1.0): Radikale Neuinterpretation, nur noch Grundzüge erkennbar
Inpainting
Gezielte Transformation bestimmter Bildbereiche. Du maskierst einen Teil des Bildes – zum Beispiel den Himmel – und lässt nur diesen Bereich neu generieren. Perfekt für:
Himmel dramatisieren
Hintergründe komplett austauschen
Elemente hinzufügen (Vögel, Wolken, Objekte)
Störende Elemente durch interessantere ersetzen
Outpainting
Erweiterung des Bildraums über die ursprünglichen Grenzen hinaus. Dein Foto wird zum Zentrum eines größeren Werks. Die KI „erfindet“, was außerhalb des Rahmens liegen könnte.
ControlNet-Techniken
Für Stable Diffusion-Nutzer der Gamechanger:
Canny Edge: Erhält Kanten und Konturen, transformiert alles andere
OpenPose: Erhält menschliche Posen, transformiert alles andere
Scribble/Sketch: Nutzt grobe Skizzen als Strukturvorgabe
Soft Edge: Weichere Kantenerkennung für organischere Ergebnisse
Praktischer Tipp: Beginne mit niedrigen Transformation-Stärken und arbeite dich hoch. Es ist einfacher, mehr Veränderung hinzuzufügen, als ein überarbeitetes Ergebnis zurückzuholen. Speichere Zwischenergebnisse – manchmal ist Version 3 besser als Version 10.
Schritt 3: Die Photoshop-Veredelung
Das KI-Ergebnis ist Rohmaterial. Jetzt beginnt die eigentliche Kunstarbeit.
Warum Photoshop unverzichtbar ist:
KI-generierte Bilder haben typische Schwächen:
Inkonsistente Details
Seltsame Artefakte in Randbereichen
Manchmal „zu perfekte“ oder „zu gleichmäßige“ Oberflächen
Fehlende lokale Kontraste
Unnatürliche Übergänge
Photoshop ermöglicht dir, diese Schwächen zu korrigieren und gleichzeitig deine persönliche Note hinzuzufügen.
Typische Veredelungsschritte:
1. Compositing und Layering Kombiniere mehrere KI-Ergebnisse oder mische KI-Output mit Originalfotografie. Nutze Ebenenmasken für nahtlose Übergänge. Schichte Texturen und Elemente.
2. Lokale Korrekturen Dodge & Burn für Tiefe und Dimension. Selektive Farbkorrekturen. Schärfung wichtiger Details. Weichzeichnung störender Bereiche.
3. Farbgrading Entwickle eine konsistente Farbpalette, die zu deinem Stil wird. Nutze Einstellungsebenen für nicht-destruktive Anpassungen. Experimentiere mit Color Lookup Tables (LUTs).
4. Texturarbeit Füge analoge Texturen hinzu – Filmkorn, Papierstrukturen, Kratzer. Das bricht die digitale Perfektion und verleiht Charakter.
5. Finale Details Signatur oder Wasserzeichen. Schärfung für das Ausgabemedium. Formatanpassung für verschiedene Verwendungszwecke.
Praktischer Tipp: Erstelle Aktionen und Presets für wiederkehrende Bearbeitungsschritte. Das spart Zeit und sorgt für Konsistenz in deinem Portfolio.
Teil 3: Deinen eigenen Synthografie-Stil entwickeln
Die Gefahr der Beliebigkeit
Ein häufiges Problem bei KI-unterstützter Kunst: Alles sieht irgendwie gleich aus. Die gleichen Ästhetiken, die gleichen Prompt-Formeln, die gleichen Ergebnisse. Wenn du nur den Trends folgst, verschwindest du in der Masse.
Dein Ziel muss sein, einen unverkennbaren Stil zu entwickeln – eine visuelle Sprache, die nur du sprichst.
Strategien zur Stilfindung
Beschränkung als Befreiung
Wähle bewusste Einschränkungen:
Nur Schwarz-Weiß
Nur ein bestimmtes Farbschema
Nur Porträts
Nur urbane Szenen
Nur Doppelbelichtungs-Ästhetik
Nur ein spezifischer KI-Stil
Innerhalb dieser Grenzen wirst du kreativ. Die Beschränkung zwingt dich zur Tiefe statt zur Breite.
Konsistente Ausgangsmaterialien
Wenn alle deine Werke von deiner eigenen Fotografie ausgehen, entsteht automatisch eine gewisse Konsistenz. Dein fotografischer Blick prägt die KI-Transformation.
Signatur-Elemente
Entwickle wiederkehrende Motive, Texturen oder Bearbeitungsmerkmale:
Ein bestimmtes Filmkorn
Charakteristische Farbverschiebungen
Wiederkehrende symbolische Elemente
Ein typischer Umgang mit Licht und Schatten
Spezifische Kompositionsprinzipien
Thematische Kohärenz
Arbeite in Serien. Statt einzelner, unzusammenhängender Bilder, entwickle thematische Projekte:
„Digitale Ahnen“ – historische Porträts neu interpretiert
„Emotional Landscapes“ – Landschaften als Spiegel innerer Zustände
„Post-Human Portraits“ – Gesichter zwischen Mensch und Maschine
Teil 4: KI-Kunst in der Galerie – Beispiele und Ausstellungen
Pioniere und Wegbereiter
Die Synthografie hat bereits Einzug in die etablierte Kunstwelt gehalten. Hier sind bedeutende Beispiele und Ausstellungen:
Refik Anadol
Der türkisch-amerikanische Medienkünstler ist einer der bekanntesten Namen im Bereich KI-Kunst. Seine Installationen nutzen Machine Learning, um riesige Datensätze in immersive visuelle Erlebnisse zu transformieren.
Bekannte Werke und Ausstellungen:
„Unsupervised“ im Museum of Modern Art (MoMA), New York
„Machine Hallucinations“ – weltweit gezeigte Serie
„Living Architecture“ im Nationalen Museum in Katar
Anadols Arbeit zeigt, wie KI-generierte Kunst monumentale Dimensionen erreichen kann.
Obvious Collective
Das französische Kollektiv erregte 2018 weltweite Aufmerksamkeit, als ihr KI-generiertes Porträt „Edmond de Belamy“ bei Christie’s für 432.500 Dollar versteigert wurde. Ein Wendepunkt, der KI-Kunst ins Bewusstsein der traditionellen Kunstwelt brachte.
Holly Herndon & Mat Dryhurst
Das Künstlerduo arbeitet an der Schnittstelle von Musik, visueller Kunst und KI. Ihr Projekt „Holly+“ ermöglicht es anderen, mit einem KI-Modell von Hollys Stimme zu arbeiten – ein Beispiel für kollaborative KI-Kunst.
Sofia Crespo
Die argentinische Künstlerin nutzt neuronale Netzwerke, um fantastische Kreaturen und Ökosysteme zu erschaffen, die zwischen Biologie und Imagination existieren. Ihre Serie „Artificial Natural History“ wurde international ausgestellt.
Mario Klingemann
Der deutsche Künstler, bekannt unter dem Namen Quasimondo, ist ein Pionier der neuralen Ästhetik. Seine Arbeiten wurden in der Tate Modern, dem Centre Pompidou und zahllosen anderen Institutionen gezeigt.
Wichtige Ausstellungen und Festivals
Ars Electronica Festival (Linz, Österreich)
Jährliches Festival für Kunst, Technologie und Gesellschaft. KI-Kunst hat hier einen festen Platz. Die angeschlossene Ars Electronica Gallery zeigt regelmäßig Pionierarbeiten im Bereich generativer Kunst.
The AI Art Gallery (Los Angeles)
Eine der ersten Galerien, die sich ausschließlich auf KI-generierte und KI-unterstützte Kunst spezialisiert hat. Regelmäßige Ausstellungen und Online-Präsenz.
Nature Morte Gallery (Delhi, Indien)
Zeigte 2019 „Gradient Descent“, eine der ersten großen Galerieausstellungen ausschließlich KI-generierter Kunst.
bitforms gallery (New York)
Langjährige Galerie für digitale und neue Medienkunst, die zunehmend KI-Arbeiten präsentiert.
HEK – Haus der Elektronischen Künste (Basel, Schweiz)
Regelmäßige Ausstellungen zu KI, Machine Learning und generativer Kunst. Wichtiger europäischer Standort für die Szene.
TRANSFER Gallery (New York / Online)
Hybride Galerie mit Fokus auf digitaler Kunst und regelmäßigen KI-Kunst-Präsentationen.
The Serpentine Galleries (London)
Haben mit „Future Art Ecosystems“ KI-Kunst in einen breiteren kulturellen Diskurs eingebettet.
Online-Plattformen und digitale Ausstellungsräume
SuperRare, Foundation, Art Blocks
NFT-Plattformen, die trotz des Marktabschwungs weiterhin wichtige Räume für digitale und KI-Kunst sind. Hier werden Synthografie-Werke gesammelt und gehandelt.
Feral File
Kuratierte Plattform für digitale Kunst mit starkem Fokus auf künstlerische Integrität und interessanten Ausstellungsformaten.
AI Art Universe
Online-Community und Showcase-Plattform speziell für KI-generierte Kunst.
Behance und ArtStation
Nicht spezialisiert auf KI-Kunst, aber wichtige Plattformen, um Synthografie-Arbeiten zu präsentieren und ein Publikum aufzubauen.
Teil 5: Praktische Tipps für deinen Einstieg
Technische Empfehlungen
Hardware:
Du brauchst keine Gaming-Maschine, aber gewisse Mindestanforderungen sind hilfreich:
Für cloudbasierte Tools (Midjourney, DALL-E): Normaler Computer reicht
Für Photoshop-Arbeit: 16 GB RAM minimum, SSD für flüssiges Arbeiten
Farbkalibrierter Monitor ist für professionelle Arbeit wichtig
Software-Stack:
Eine sinnvolle Kombination für Einsteiger:
Midjourney (zugänglich, hochwertige Ergebnisse)
Adobe Photoshop (Industriestandard für Nachbearbeitung)
Lightroom (für die Fotografie-Basis und Batch-Bearbeitung)
Für Fortgeschrittene ergänzen:
Stable Diffusion mit AUTOMATIC1111 WebUI oder ComfyUI
ControlNet-Modelle für präzise Kontrolle
Topaz Photo AI für Upscaling und Rauschreduzierung
Workflow-Tipps für den Alltag
Dokumentiere deinen Prozess
Speichere nicht nur Endergebnisse, sondern auch Zwischenschritte. Notiere erfolgreiche Prompts. Erstelle ein persönliches Prompt-Lexikon.
Warum? Weil du später darauf zurückgreifen willst. Weil Konsistenz wichtig ist. Weil du aus deinen Erfolgen und Misserfolgen lernen willst.
Arbeite in Projekten, nicht in Einzelbildern
Definiere ein Thema, eine Serie, ein Konzept. Arbeite darauf hin. Einzelne, unzusammenhängende Bilder sind schwerer zu vermarkten und weniger einprägsam als kohärente Serien.
Iteriere gnadenlos
Die ersten Ergebnisse sind selten die besten. Generiere Varianten. Kombiniere. Verwerfe. Beginne neu. Der iterative Prozess ist das Herz der Synthografie.
Analog bleibt relevant
Drucke deine Arbeiten aus. Halte sie in Händen. Das digitale Medium täuscht oft – was am Bildschirm brillant aussieht, kann gedruckt flach wirken. Und umgekehrt.
Lerne von anderen, kopiere niemanden
Studiere die Arbeiten von Künstlern, die dich inspirieren. Verstehe ihre Techniken. Aber entwickle deine eigene Stimme. Die Welt braucht keine Kopien – sie braucht deine einzigartige Perspektive.
Rechtliche Überlegungen
Urheberrecht an KI-generierten Bildern
Die Rechtslage ist komplex und im Fluss. In den USA hat das Copyright Office entschieden, dass rein KI-generierte Bilder nicht urheberrechtlich geschützt werden können. Menschliche Kreativität ist Voraussetzung für Copyright.
Was bedeutet das für Synthografie? Wenn dein Prozess signifikante menschliche kreative Entscheidungen beinhaltet – Auswahl, Komposition, Bearbeitung, künstlerische Kontrolle – stärkt das deinen Anspruch auf Urheberrecht.
Nutzung von Referenzbildern
Wenn du Fotografien anderer als Basis verwendest, brauchst du die entsprechenden Rechte. Nutze nur eigenes Material oder lizenzfreie Ressourcen.
Kennzeichnungspflichten
In einigen Kontexten wird erwartet oder gefordert, dass KI-Unterstützung offengelegt wird. Sei transparent über deinen Prozess – das stärkt Vertrauen und ist ethisch geboten.
Präsentation und Vermarktung
Portfolio aufbauen
Kuratiere sorgfältig. Zeige nicht alles, zeige das Beste. Ein kohärentes Portfolio mit 20 starken Arbeiten ist wertvoller als 200 beliebige Bilder.
Plattformen wählen
Instagram: Für Reichweite und Community
Behance/ArtStation: Für professionelle Präsentation
Eigene Website: Für Kontrolle und Professionalität
NFT-Plattformen: Für Verkauf digitaler Werke
Lokale Galerien: Für physische Präsenz
Preisgestaltung
Es gibt keinen Konsens. KI-Kunst wird sowohl für Millionen verkauft als auch verschenkt. Dein Preis hängt ab von:
Deiner Reputation und Reichweite
Der Einzigartigkeit des Werks
Dem Format (digital, Druck, Unikat mit manueller Veredelung)
Dem Kontext (Galerie, Online, Direktverkauf)
Praktischer Tipp: Beginne mit zugänglichen Preisen, um einen Kundenstamm aufzubauen. Steigere mit wachsender Reputation. Unterscheide zwischen limitierten Editionen und offenen Editionen.
Teil 6: Die Zukunft der Synthografie
Wohin entwickelt sich die Technologie?
Die Werkzeuge werden mächtiger. Schneller. Zugänglicher. Was heute Minuten dauert, wird bald Sekunden brauchen. Was heute Expertenwissen erfordert, wird bald für jeden zugänglich sein.
Konsistente Charaktere und Welten
Aktuelle Limitierung: Es ist schwer, denselben Charakter in verschiedenen Szenen zu erzeugen. Kommende Tools werden „Charakter-Konsistenz“ ermöglichen – wichtig für narrative Projekte.
Video und Animation
Synthografie wird sich in Bewegtbild ausweiten. Tools wie Runway Gen-2, Pika Labs und Stable Video Diffusion zeigen die Richtung. Bald werden synthetische Filmsequenzen so zugänglich sein wie heute synthetische Standbilder.
Echtzeit-Generierung
KI-Kunst wird interaktiv. Installationen, die auf Besucher reagieren. Performances, die live generiert werden. Die Grenze zwischen Schöpfer und Betrachter verschwimmt.
Multimodale KI
Systeme, die Text, Bild, Ton und Video gemeinsam verstehen und generieren. Gesamtkunstwerke, die aus einem Konzept entstehen.
Die bleibende Rolle des Künstlers
Bei all dem technologischen Fortschritt: Der Künstler verschwindet nicht. Seine Rolle transformiert sich.
Du wirst weniger Ausführender, mehr Dirigent. Weniger Handwerker, mehr Visionär. Die technischen Barrieren sinken, aber die künstlerischen steigen. Jeder kann Bilder erzeugen – aber nicht jeder hat etwas zu sagen.
Die Synthografen, die in zehn Jahren noch relevant sind, werden diejenigen sein, die mehr bieten als technische Kompetenz. Die eine Perspektive haben. Eine Geschichte. Eine Haltung.
Fazit: Dein Weg beginnt jetzt
Synthografie ist keine Zukunftsmusik. Sie ist Gegenwart. Die Werkzeuge existieren. Die Techniken sind dokumentiert. Die Community wächst. Die Galerien öffnen sich.
Was fehlt, bist du.
Deine Fotografien. Deine Vision. Deine Bereitschaft, zu experimentieren, zu scheitern, zu lernen, zu wachsen.
Die Kunstform ist jung. Die Regeln werden gerade geschrieben. Du kannst einer derjenigen sein, die sie schreiben.
Beginne heute. Nimm eine deiner Fotografien. Öffne ein KI-Tool. Transformiere. Bearbeite. Iteriere. Finde heraus, was entsteht, wenn dein Blick auf maschinelle Imagination trifft.
Vielleicht entsteht Müll. Wahrscheinlich sogar, beim ersten Mal. Das ist in Ordnung. Jeder Meister war einmal Anfänger. Jedes Meisterwerk hatte Vorgänger, die in Schubladen verschwanden.
Aber irgendwann – nach Dutzenden, Hunderten Versuchen – wirst du ein Bild vor dir haben, das dich selbst überrascht. Das mehr ist als die Summe seiner Teile. Das vorher nicht existierte und nur durch dich in die Welt kam.
Das ist der Moment, für den sich alles lohnt.
Willkommen in der Welt der Synthografie. Dein Platz wartet.
Welche Erfahrungen hast du mit der Verschmelzung von Fotografie und KI gemacht? Teile deine Gedanken in den Kommentaren.
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