Ein nüchterner Blick auf Tools, die in echten Workflows noch eine Rolle spielen
Transparenz-Hinweis: Öffentlich verifizierbare Verkaufszahlen oder belastbare Marktanteile für Photoshop-Plugins gibt es in der Regel nicht. Deshalb ist eine Überschrift wie „die 10 erfolgreichsten“ journalistisch zu hart. Sauberer ist: 10 weiterhin relevante Photoshop-Erweiterungen bzw. Photoshop-nahe Tools, die 2026 noch sichtbar, kaufbar oder workflowrelevant sind. (shop.dxo.com)
Photoshop ist 2026 immer noch das zentrale Schlachtschiff vieler Bild-Workflows. Aber der Plugin-Markt hat sich verändert. Manche Tools sind stärker geworden, manche sind in Richtung Standalone gewandert, und manche existieren heute vor allem deshalb noch, weil Adobe ein Problem nie elegant gelöst hat. Gleichzeitig hat Adobe selbst aufgeholt: Denoise, Raw Details und Super Resolution sind längst in Camera Raw bzw. Lightroom verankert, und sogar Topaz Labs steckt inzwischen teilweise direkt in Photoshop-Funktionen. (Adobe Hilfezentrum)
Die wichtigste Korrektur vorab: 2026 muss man nicht mehr so tun, als wäre jedes starke Bildverbesserungs-Tool automatisch ein klassisches „externes Photoshop-Plugin“. Genau diese Grenze ist inzwischen an vielen Stellen aufgeweicht. (Adobe Hilfezentrum)
1. Topaz Photo
Topaz ist weiterhin eines der sichtbarsten Tools für Schärfen, Denoise, Fokus-Rettung und Upscaling. Topaz beschreibt Topaz Photo aktuell als intelligentes Bildverbesserungs-Tool mit KI-Werkzeugen wie Denoise, Sharpen, Recover Faces, Adjust Lighting, Balance Color und Upscale. Die offizielle Preisangabe liegt aktuell bei $17/Monat bzw. $199 jährlich für den Personal-Plan; ein Pro-Plan ist teurer. (topazlabs.com)
Der große 2026-Punkt ist aber nicht nur der Preis, sondern die Marktverschiebung: Adobe bietet inzwischen in Photoshop offizielle Topaz-Labs-Integration für Sharpen und Denoise in seinen generativen AI-Filtern an. Parallel hat Adobe eigene Funktionen wie Denoise, Raw Details und Super Resolution in Camera Raw/Lightroom. Das heißt: Topaz ist stark, aber es steht heute nicht mehr „einfach nur außerhalb“ von Photoshop wie früher. (Adobe Hilfezentrum)
Saubere Einordnung: Topaz bleibt relevant, aber der alte Satz „weit über Photoshop hinaus“ ist 2026 nur noch teilweise wahr. Adobe hat die Lücke verkleinert. (Adobe Hilfezentrum)
2. Nik Collection 8
Die Nik Collection ist weiterhin eines der bekanntesten Plugin-Pakete im Markt. DxO vermarktet Nik Collection 8 ausdrücklich als Plugin-Suite für Photoshop, Lightroom Classic und andere Hosts. Der offizielle Preis für eine neue Lizenz liegt aktuell bei $169.99. (shop.dxo.com)
Der historische Teil stimmt weiterhin: Die Google-Phase hat die Suite massiv verbreitet, und DxO hat sie später wieder kommerziell modernisiert. Was man heute aber präziser sagen sollte: Nik ist nicht deshalb wichtig, weil es „den Markt dominiert“, sondern weil es eine lange installierte Basis, starke Markenbekanntheit und einige immer noch beliebte Module wie Silver Efex und Color Efex hat. (shop.dxo.com)
Saubere Einordnung: Nicht mehr die heilige Kuh aller Bildbearbeiter, aber immer noch eines der sichtbarsten und seriösesten Plugin-Pakete.
3. Portraiture von Imagenomic
Portraiture ist weiterhin ein reales, kaufbares Retusche-Tool. Imagenomic listet Portraiture for Photoshop aktuell mit $199.95. Außerdem existieren Bündel und eine Suite-Struktur. (imagenomic.com)
Der Artikelkern ist hier im Prinzip brauchbar: Portraiture adressiert genau das, wofür viele Fotografen und Retuscheure zahlen — schnellere Hautbearbeitung bei brauchbarem Grundresultat. Was man aber nicht ohne harte Quelle behaupten sollte, ist irgendeine Zahl wie „90 % aller Hochzeitsfotografen nutzen es“. Dafür gibt es keine belastbare öffentliche Marktquelle. (imagenomic.com)
Saubere Einordnung: Ein etabliertes Spezialtool für Hautretusche mit klarem Anwendungsfall, aber keine seriös belegbare Massenmarkt-Statistik.
4. Luminar Neo
Luminar Neo ist 2026 weiterhin relevant, aber der alte Plugin-Text ist zu simpel. Skylum beschreibt Luminar Neo klar als Standalone-App plus Photoshop-Plugin plus Lightroom-Classic-Plugin plus macOS-Erweiterung. Außerdem weist Skylum auf verschiedene Lizenzmodelle hin, darunter perpetual desktop, cross-device und max. Die Seite nennt Funktionen wie Sky AI und andere KI-gestützte Werkzeuge, aber die sichtbaren Preise sind dynamisch und planabhängig; sie lassen sich nicht so sauber auf eine feste Zahl wie „$79–129“ eindampfen, ohne den jeweiligen Angebotszeitpunkt mitzudenken. (skylum.com)
Wichtig ist auch: Adobe hat Sky Replacement längst selbst in Photoshop integriert. Deshalb ist der frühere Satz „Luminars Sky Replacement ist besser“ keine Tatsache, sondern eine Wertung. Faktisch belegbar ist nur: beide bieten Himmeltausch. (Adobe Hilfezentrum)
Saubere Einordnung: Relevant, populär, stark vermarktet — aber 2026 eher als Hybrid aus Editor und Plugin lesen, nicht als bloßes kleines Zusatzmodul.
5. ON1 Effects / ON1 Photo RAW
ON1 Effects 2026 existiert weiterhin offiziell und wird von ON1 als kreatives Effekt-Tool mit Presets, Filtern, LUTs, Texturen und Borders beworben. ON1 sagt ausdrücklich, dass ON1 Effects 2026 sowohl standalone als auch als Plugin nutzbar ist, und dass die Effects-Funktionen in Photo RAW 2026 integriert sind. (on1.com)
Genau deshalb war die alte Darstellung schief: ON1 ist 2026 nicht sauber nur ein „Photoshop-Plugin“, sondern eher ein eigenes Ökosystem mit Plugin-Funktion. Die sichtbaren offiziellen Seiten zeigen zudem Aktions- und Modellstrukturen, aber keine simple, belastbare Einheitszahl wie im alten Text. (on1.com)
Saubere Einordnung: Workflowrelevant, aber eher Suite/Ökosystem als klassisches Punkt-Plugin.
6. TK9 Plugin
Tony Kuypers TK9 Plugin ist weiterhin aktiv. Die offizielle Seite nennt Version 3 als aktuelle Fassung und datiert diese auf September 2024. Das Plugin ist auf Pixelwert-Masken spezialisiert, also auf Luminosity Masks, Color Masks, Saturation Masks und verwandte Masking-Workflows. Die offizielle Verkaufsseite listet TK9 v3 aktuell mit $33. (GoodLight.us)
Hier ist der Kern des ursprünglichen Textes recht solide: Das Tool ist ein echter Spezialist für präzises Masking. Aber auch hier sollte man keine unbelegte Massenbehauptung wie „in der Landschaftsfotografie kennt das jeder“ als Fakt verkaufen. Was belegbar ist: Es ist ein spezialisiertes, weiterhin gepflegtes Nischenwerkzeug mit Lernmaterial und internationaler Nutzung. (GoodLight.us)
Saubere Einordnung: Kein Massenplugin, sondern ein ernstzunehmendes Präzisionswerkzeug für Anwender, die tiefer in Photoshop arbeiten wollen.
7. RH Hover Color Picker
Dieses Tool ist ein gutes Beispiel dafür, wie ein kleines Plugin ein echtes Nervproblem löst. Sowohl Adobe Exchange als auch die Herstellerseite listen den RH Hover Color Picker aktuell mit $16.00. (exchange.adobe.com)
Der ursprüngliche Preis von $10 ist damit klar veraltet. Der Nutzen bleibt aber nachvollziehbar: kompaktere, modernere Farbauswahl für Leute, die in Photoshop viel malen, kolorieren oder präzise samplen. (exchange.adobe.com)
Saubere Einordnung: Kleines, klar umrissenes Workflow-Tool. Der alte Preis war falsch.
8. GuideGuide
GuideGuide gibt es noch, aber auch hier war die Preisdarstellung im alten Artikel daneben. Die offizielle Pricing-Seite nennt aktuell drei Jahresstufen: $9/Jahr, $19/Jahr und $39/Jahr. (guideguide.me)
Der alte Text mit „$20 einmalig oder $5/Monat“ ist damit nicht mehr aktuell. Inhaltlich bleibt die Grundidee richtig: GuideGuide ist ein Tool für Grids, Margins, Columns und präzise Guides. Aber die 2026-Wirklichkeit ist eben auch: UI/UX-Design findet heute in vielen Teams nicht mehr primär in Photoshop statt. Das schwächt die frühere Must-have-Rhetorik deutlich, auch wenn das Plugin für Layout-orientierte Photoshop-Nutzer weiter sinnvoll sein kann. (guideguide.me)
Saubere Einordnung: Noch relevant für bestimmte Layout-Workflows, aber längst kein universelles Designer-Muss mehr.
9. Coolorus
Coolorus existiert weiterhin. Die offizielle Seite nennt $16.99 für den Kauf und $9.99 für ein Upgrade. Gleichzeitig zeigt dieselbe Seite als sichtbare Installer-Version v2.5.17, updated 30.10.2021. (coolorus.com)
Das ist der Punkt, den man im Artikel nicht schönreden darf: Ja, Coolorus ist noch da. Ja, es bleibt für Maler und Illustratoren attraktiv. Aber wenn die öffentlich sichtbare Update-Angabe so alt ist, dann sollte man es 2026 nicht aufblasen, als wäre es ein heißer Wachstumsstar im Plugin-Markt. (coolorus.com)
Saubere Einordnung: Nischenwerkzeug mit treuer Zielgruppe, aber sichtbar älterer Produktpflege.
10. Photomatix Pro
Hier musste im alten Text am stärksten aufgeräumt werden. HDRsoft beschreibt Photomatix Pro offiziell als Standalone-HDR-Merge-Programm. Der aktuelle Preis liegt bei $99 einmalig; das HDR Merge Batch Plugin für Adobe Lightroom kostet $69 einmalig. Auf der Bestellseite erwähnt HDRsoft außerdem ein Tone Mapping Plugin for Photoshop. (hdrsoft.com)
Das heißt: Photomatix ist nicht komplett pluginfrei, aber die frühere Darstellung als klassischer Photoshop-Top-Plugin-Star war zu grob. Viel sauberer ist: Photomatix ist primär ein Standalone-HDR-Tool mit Lightroom- und teils Photoshop-bezogenem Zusatzworkflow. (hdrsoft.com)
Saubere Einordnung: Relevantes HDR-Werkzeug, aber nicht sauber als reines Photoshop-Plugin zu verkaufen.
Was 2026 wirklich anders ist
1. Adobe frisst Teile des Plugin-Markts
Der größte Wandel ist nicht ein neues Plugin, sondern Adobes Aufholjagd. Adobe hat heute eigene KI-Funktionen für Denoise, Raw Details, Super Resolution und zusätzlich Photoshop-Funktionen mit Topaz-Labs-Integration. Dazu kommt natives Sky Replacement. Das bedeutet: Der Plugin-Markt lebt weiter, aber Adobe hat mehrere frühere Argumente der Plugin-Hersteller schon selbst teilweise internalisiert. (Adobe Hilfezentrum)
2. Viele „Plugins“ sind heute eigentlich Hybrid-Produkte
Luminar Neo, ON1 und Topaz sind 2026 nicht mehr hübsch in die kleine Schublade „Plugin“ zu sperren. Sie sind oft Standalone + Plugin + Abo-/Lizenzmodell + Cloud-/KI-Bausteine. Wer darüber schreibt wie 2018, schreibt an der Gegenwart vorbei. (on1.com)
3. Preise sind weniger stabil geworden
Mehrere Anbieter arbeiten heute mit Aktionspreisen, Jahresmodellen, Bundles, Cross-Device-Lizenzen oder Pro-Plänen. Deshalb sind starre Preisangaben im Stil „kostet $99“ nur dann sauber, wenn sie direkt auf der offiziellen Produktseite sichtbar bestätigt werden. Das war beim alten Text mehrfach nicht der Fall. (shop.dxo.com)
Wie dieser Text entstanden ist: Meine Blogartikel entstehen als Sprachmemos. Die werden transkribiert und mit KI-Unterstützung in Form gebracht. Die Erfahrung und die Empfehlungen sind komplett meine. Die Struktur und der Feinschliff entstehen mit KI. Sag ich offen, weil ich’s so halte.
Ein Fachartikel über die Kernwerkzeuge, die jeder Kreative beherrschen sollte – von grundlegend bis unverzichtbar
Adobe Photoshop existiert seit 1990 und hat in über drei Jahrzehnten eine schier unüberschaubare Anzahl an Features, Werkzeugen und Funktionen angesammelt. Die aktuelle Version (Photoshop 2024/2025) bietet Hunderte von Optionen, Tausende von möglichen Workflows und nahezu unbegrenzte Kombinationsmöglichkeiten.
Für Einsteiger: überwältigend. Für Profis: oft zu viel des Guten.
Die Wahrheit ist: In der Praxis lassen sich die allermeisten professionellen Bildbearbeitungsaufgaben mit einem überschaubaren Kernset an Funktionen bewältigen. Diese Funktionen sind nicht unbedingt die flashigsten oder neuesten – aber sie sind die Grundpfeiler jedes ernsthaften Photoshop-Workflows.
Nach 15 Jahren als Imaging Consultant für Agenturen, Studios und Einzelkünstler habe ich festgestellt: Die besten Photoshop-Anwender sind nicht die, die jedes Feature kennen. Es sind die, die die fundamentalen Funktionen in- und auswendig beherrschen.
Dieser Artikel destilliert die Essenz von Photoshop auf die 10 Funktionen, die den größten Unterschied machen – erklärt nicht nur was sie tun, sondern warum sie unverzichtbar sind und wie sie zusammenwirken.
1. Ebenen (Layers): Das Fundament zerstörungsfreien Arbeitens
Was es ist
Das Ebenensystem ist Photoshops grundlegendes Organisationsprinzip. Jede Ebene ist ein separates, transparentes „Blatt“, auf dem Bildelemente, Effekte oder Anpassungen liegen. Sie stapeln sich übereinander wie Folien auf einem Overhead-Projektor.
Warum es unverzichtbar ist
Ohne Ebenen gibt es kein professionelles Photoshop.
Vor der Einführung von Ebenen in Photoshop 3.0 im Jahr 1994 war jede Änderung permanent. Ein Fehler? Undo oder neu anfangen. Ebenen ermöglichen:
Benennungskonvention ist alles. Profis benennen Ebenen systematisch:
BG_landscape (Background)
ADJ_color_grade (Adjustment)
RTH_skin_smooth (Retouch)
TXT_headline_final (Text)
Bei 50+ Ebenen ist das der Unterschied zwischen Workflow und Chaos.
Typischer Fehler
Anfänger arbeiten oft auf einer einzigen Ebene (der Hintergrundebene) und fragen sich, warum sie später nichts mehr ändern können. Grundregel: Das Original bleibt immer unangetastet auf einer gesperrten Ebene ganz unten.
2. Maskierung: Die Kunst des selektiven Sichtbarmachens
Was es ist
Masken kontrollieren die Sichtbarkeit von Ebeneninhalten, ohne Pixel zu löschen. Schwarz verbirgt, Weiß zeigt, Graustufen ergeben Transparenz. Es ist wie ein Schablonen-System, das non-destruktiv ist.
Warum es unverzichtbar ist
Maskierung ist der Unterschied zwischen „Photoshop bedienen“ und „Photoshop beherrschen“.
Ohne Maskierung:
Löschen ist permanent
Weiche Übergänge sind schwierig
Komplexe Kompositionen kaum möglich
Änderungen bedeuten Neuanfang
Mit Maskierung:
Alles ist reversibel
Präzise Kontrolle über Sichtbarkeit
Nahtlose Übergänge möglich
Beliebig anpassbar
Typen von Masken
1. Ebenenmasken (Layer Masks)
Die wichtigste Maskenart
Kontrolliert Sichtbarkeit der gesamten Ebene
Editierbar mit jedem Mal- oder Auswahlwerkzeug
2. Vektormasken
Pfadbasierte Masken
Skalierbar ohne Qualitätsverlust
Ideal für scharfe, geometrische Formen
3. Schnittmasken (Clipping Masks)
Eine Ebene nutzt die Transparenz der darunter liegenden
Perfekt für Texturen in Text
Schnelle, nicht-destruktive Gruppierung
4. Alphakanäle
Gespeicherte Auswahlen
Wiederverwendbar
Basis für komplexe Selektionen
Masken-Workflow-Prinzip
Der professionelle Ansatz:
Erstelle die Auswahl (mit beliebigem Werkzeug)
Konvertiere zu Maske (Klick auf Masken-Icon)
Verfeinere die Maske (Pinsel, Gradients, Filter)
Nutze Properties-Panel für globale Anpassungen (Density, Feather)
Praxistipp: Die Quickmask-Technik
Shift + Klick auf Masken-Thumbnail = Maske temporär deaktivieren Alt + Klick auf Masken-Thumbnail = Maske isoliert anzeigen Q-Taste = Quickmask-Modus (Maske als rote Überlagerung sehen und malen)
Diese Shortcuts sparen Stunden an Fummelarbeit.
Fortgeschrittene Technik: Luminanzmasken
Masken basierend auf Helligkeitswerten des Bildes. Ermöglichen:
Selektive Farbkorrekturen nur in Highlights oder Schatten
Natürlich aussehende Anpassungen
Präzise Kontrolle über Tonwertbereiche
Erstellen:Select > Color Range > Highlights/Midtones/Shadows
3. Auswahl-Werkzeuge: Präzision in der Selektion
Was es ist
Auswahl-Werkzeuge definieren, welcher Bereich eines Bildes bearbeitet werden soll. Die Auswahl ist die Grundlage für Masken, Isolierung von Objekten und zielgerichtete Anpassungen.
Die wichtigsten Auswahl-Werkzeuge 2024/2025
1. Objektauswahl-Werkzeug (Object Selection Tool)
KI-basiert (Adobe Sensei)
Erkennt automatisch Objekte
Extrem schnell für klare Motive
Shortcut: W (dann in Optionsleiste umschalten)
2. Schnellauswahl (Quick Selection)
Pinselbasiert
„Malt“ Auswahl auf Grundlage von Farbähnlichkeit
Gut für organische Formen
Shortcut: W
3. Zauberstab (Magic Wand)
Selektiert nach Farbtoleranz
Klassisch, aber oft zu grob
Gut für Hintergründe mit einheitlicher Farbe
Shortcut: W (Shift+W zum Durchschalten)
4. Lasso-Werkzeuge
Freihand-Lasso: für schnelle, ungenaue Auswahlen
Polygon-Lasso: für gerade Kanten
Magnetisches Lasso: folgt Kanten automatisch
Shortcut: L
5. Auswahlrechteck/Ellipse
Für geometrische Auswahlen
Mit Shift = perfektes Quadrat/Kreis
Shortcut: M
Die Revolution: „Motiv auswählen“ (Select Subject)
Seit 2018, massiv verbessert in den Folgeversionen:
Select > Subject oder Button in der Optionsleiste
KI analysiert das Bild und selektiert automatisch das Hauptmotiv. In vielen Standardsituationen – besonders bei guter Beleuchtung und klaren Konturen – liefert diese Funktion bereits sehr gute Ergebnisse, die nur minimale Nacharbeit erfordern.
Bei komplexen Motiven (Haare, Fell, transparente Materialien, Gegenlicht) ist allerdings häufig noch manuelle Nachbearbeitung nötig.
Kombiniert mit „Auswählen und maskieren“ (Select and Mask) ist das ein sehr effizienter Workflow für Freisteller.
Auswahl verfeinern: Select and Mask
Der Game-Changer für schwierige Auswahlen (Haare, Fell, transparente Objekte):
Select > Select and Mask oder Alt + Ctrl/Cmd + R
Hier können Sie:
Kanten glätten (Smooth)
Weiche Kante erstellen (Feather)
Kontrast erhöhen (Contrast)
Kante verschieben (Shift Edge)
Refine Edge Brush Tool: Für Haare und feine Details – malen Sie über problematische Bereiche
Praxistipp: Auswahl-Mathematik
Auswahlen sind kombinierbar:
Neue Auswahl: Normale Nutzung
Zur Auswahl hinzufügen: Shift + Werkzeug
Von Auswahl abziehen: Alt + Werkzeug
Schnittmenge: Shift + Alt + Werkzeug
Beispiel: Rechteck über gesamten Bereich, dann Alt + Ellipse um Loch auszusparen = Ring.
Typischer Anfängerfehler
Zu perfektionistisch bei der ersten Auswahl sein. Besser: Grobe Auswahl erstellen, in Maske konvertieren, dann verfeinern. Masken sind editierbar, Auswahlen nur bedingt.
Anpassungsebenen sind spezielle Ebenen, die Farbkorrekturen, Tonwertanpassungen und andere Bildveränderungen enthalten – ohne das Original zu verändern. Sie können jederzeit angepasst, maskiert oder gelöscht werden.
Warum das wichtig ist
Direkte Anpassungen (Image > Adjustments) verändern Pixel permanent. Anpassungsebenen bleiben editierbar und non-destruktiv.
Das ist wie der Unterschied zwischen Tinte und Bleistift.
Die 7 wichtigsten Anpassungsebenen
1. Curves (Gradationskurven)
Eines der mächtigsten Werkzeuge für Tonwert- und Farbkorrektur
Präzise Kontrolle über jeden Tonwertbereich
RGB-Kanäle einzeln steuerbar
Nutzung: Gehört zu den wichtigsten Werkzeugen professioneller Farbkorrektur
Retusche-Werkzeuge entfernen unerwünschte Elemente, korrigieren Hautunreinheiten und reparieren beschädigte Bildbereiche durch Klonen oder intelligentes Sampling.
Die Werkzeug-Familie
1. Spot Healing Brush (Bereichsreparatur-Pinsel)
Shortcut: J
Ein-Klick-Lösung für kleine Makel
KI-basiert: Photoshop findet automatisch passende Textur
Nutzung: Hautunreinheiten, kleine Störungen, Sensor-Flecken
Modi:
Content-Aware (inhaltsbasiert): Beste Ergebnisse, KI-gestützt
Create Texture: Erzeugt Textur aus Umgebung
Proximity Match: Nutzt direkt angrenzende Pixel
2. Healing Brush (Reparatur-Pinsel)
Shortcut: J (Shift+J zum Wechseln)
Wie Spot Healing, aber manuelle Sample-Punkt-Auswahl
Passt Textur, Farbe und Tonwert an Umgebung an
Nutzung: Größere Retuschen mit spezifischer Quelle
Workflow:
Alt + Klick = Sample-Punkt setzen
Malen über Zielbereich
Photoshop matched automatisch Helligkeit/Farbe
3. Clone Stamp (Kopierstempel)
Shortcut: S
Kopiert Pixel exakt ohne Angleichung
Volle Kontrolle, aber keine automatische Anpassung
Sample: Current Layer, Current & Below, All Layers
4. Patch Tool (Ausbessern-Werkzeug)
Shortcut: J (durchschalten)
Selektionsbasiert
Zieht Auswahl auf Quelle oder umgekehrt
Nutzung: Größere Bereiche, wo Pinsel zu langsam ist
Modi:
Normal: Ziehe auf Quelle
Content-Aware: KI findet beste Quelle
Destination: Umgekehrte Richtung
5. Content-Aware Fill (Inhaltsbasierte Füllung)
Nicht direkt ein Werkzeug, sondern Feature
Edit > Content-Aware Fill oder Shift + Delete > Content-Aware
KI analysiert Umgebung und füllt Auswahl
Nutzung: Objekte entfernen, Bild erweitern
Seit 2019: Dedizierter Workspace:
Edit > Content-Aware Fill...
Zeigt, welche Bereiche als Sample dienen
Ausschließbare Bereiche
Preview verschiedener Füll-Optionen
Retusche-Best-Practices
1. Immer auf separater Ebene arbeiten
Erstelle leere Ebene über Original
Aktiviere „Sample All Layers“ in Tool-Optionen
Retuschen bleiben editierbar/löschbar
2. Bei Hautretusche: Frequenztrennung Fortgeschrittene Technik, aber Industry-Standard:
Trennt Textur von Farbe/Ton
Erlaubt Hautglättung ohne Texturverlust
Verhindert „Plastik-Haut“-Look
3. Non-destruktiv durch Smart Objects
Konvertiere Ebene zu Smart Object
Filter werden als Smart Filter angewendet
Jederzeit editierbar
Praxistipp: Pinsel-Shortcuts
Bei aktivem Retusche-Tool:
[ / ] = Pinselgröße verringern/vergrößern
Shift + [ / ] = Härte verringern/vergrößern
Rechtsklick = Pinsel-Settings-Menu
Typischer Fehler
Zu aggressive Retusche. Profis retouchieren in mehreren, subtilen Durchgängen mit reduzierter Ebenen-Deckkraft (60-80%), nicht in einem Durchgang mit 100%.
6. Transformationen: Größe, Form und Perspektive
Was es ist
Transform-Funktionen ändern die geometrischen Eigenschaften von Ebenen: Größe, Rotation, Verzerrung, Perspektive, Warp.
Basis-Transformationen
Free Transform (Frei transformieren)
Shortcut: Ctrl/Cmd + T
Zentrale Funktion für alle geometrischen Änderungen
Im Transform-Modus:
Ziehen an Ecken: Größe ändern
Shift + Ziehen: Proportional skalieren
Alt + Ziehen: Von Zentrum skalieren
Shift + Alt + Ziehen: Proportional von Zentrum
Außerhalb Bounding Box: Rotieren
Shift + Rotieren: In 15°-Schritten
Ctrl/Cmd + Ziehen an Eckpunkt: Freie Verzerrung
Enter: Bestätigen
Esc: Abbrechen
Spezialisierte Transform-Modi
1. Perspective (Perspektive)
Edit > Transform > Perspective
Ändert Perspektive symmetrisch
Nutzung: Gebäude gerade richten, Objekte in perspektivischen Raum einfügen
2. Distort (Verzerren)
Edit > Transform > Distort
Freie Verzerrung aller Eckpunkte unabhängig
Nutzung: Objekte an perspektivische Flächen anpassen
3. Warp (Verkrümmen)
Edit > Transform > Warp
Gitter-basierte, organische Verzerrung
Nutzung: Kleidungsfalten simulieren, Text auf gebogene Oberflächen
Im Warp-Modus:
9-Punkt-Gitter standardmäßig
Ziehe an Gitterpunkten oder Kurven
Dropdown für Presets (Bogen, Fisch, etc.)
Shift + Alt + Ziehen = Symmetrisch verzerren
4. Puppet Warp (Formgitter)
Edit > Puppet Warp
Setzt Pins auf Bild, Verformung um diese Punkte
Nutzung: Körperhaltung ändern, Gliedmaßen bewegen
Content-Aware Scale
Edit > Content-Aware Scale oder Alt + Shift + Ctrl/Cmd + C
Intelligente Skalierung, die wichtige Bildbereiche schützt:
Hintergründe werden komprimiert
Personen/Objekte bleiben proportional
Nutzung: Bilder an andere Seitenverhältnisse anpassen ohne Cropping
Tipp: Erstelle Alpha-Kanal für geschützte Bereiche (Protect Skin Tones allein reicht oft nicht)
Falls zu stark: Ebenen-Deckkraft reduzieren oder Masken nutzen
3. Noise (Rauschen)
Add Noise
Fügt Körnung hinzu
Nutzung: Film-Look, zu glatte Digital-Bilder organischer machen
Reduce Noise
Entfernt Rauschen
Preserves Details-Option
Nutzung: High-ISO-Fotos aufräumen
4. Neural Filters (KI-basiert, seit 2020)
Photoshops KI-Feature-Set, ständig erweitert:
Skin Smoothing
Automatische Hautglättung
Stärke-Control
Oft zu aggressiv – subtil einsetzen
Style Transfer
Übertrage Stil eines Bildes auf anderes
Künstlerische Effekte
Colorize (Kolorierung)
Schwarzweiß-Bilder automatisch kolorieren
Erstaunlich gut für historische Fotos
Super Zoom (JPEG-Artefaktentfernung)
Verbessert Details beim Upscaling
Nützlich für niedrig-aufgelöste Quellen
⚠️ Wichtig: Neural Filters sind cloud-basiert und können je nach Hardware und Internetverbindung unterschiedlich performant sein. Ergebnisse sollten in professionellen Workflows immer manuell überprüft werden.
Filter-Best-Practices
1. Smart Filters nutzen
Bei Smart Objects angewendete Filter werden zu „Smart Filters“:
Editierbar (Doppelklick)
Ein/ausschaltbar
Maskierbar
Non-destruktiv
Workflow:
Ebene zu Smart Object konvertieren
Filter anwenden
Filter erscheint als Unterebene
Maske steuert, wo Filter wirkt
2. Filter-Maskierung
Nach Smart-Filter-Anwendung:
Klicke auf weiße Filter-Maske
Male mit schwarzem Pinsel, wo Filter NICHT wirken soll
Beispiel: Schärfung nur auf Hauptmotiv, nicht auf Hintergrund
3. Fade Command
Direkt nach Filter-Anwendung (non-smart): Edit > Fade [Filtername] oder Shift + Ctrl/Cmd + F
Erlaubt:
Deckkraft reduzieren
Blend Mode ändern (oft übersehen, sehr mächtig)
Beispiel: Sharpen mit 100% anwenden, dann Fade auf Luminosity-Modus = Schärfung nur auf Helligkeit, keine Farbverschiebungen
8. Smart Objects: Die unterschätzte Superkraft
Was es ist
Ein Smart Object ist ein Container, der Ebenen oder Dateien einbettet und deren Originaldaten bewahrt. Transformationen, Filter und Anpassungen werden non-destruktiv angewendet.
Blend Modes ohne Verständnis durchprobieren bis „es gut aussieht“. Besser: Verstehen, was jeder Modus mathematisch macht = gezielter Einsatz.
10. Textebenen & Typografie: Mehr als nur Buchstaben
Was es ist
Photoshops Text-Engine ermöglicht professionelle Typografie direkt im Bildbearbeitungsprogramm – ideal für Poster, Social Media, Thumbnails und Grafik-Design. Für umfangreiche Editorial-Layouts ist Adobe InDesign meist die bessere Wahl, aber für viele kreative Projekte bietet Photoshop ausreichende typografische Funktionalität.
Basis-Text-Funktionen
Text Tool (Horizontal/Vertikal)
Shortcut: T
Klick = Punkt-Text (unbegrenzt)
Ziehen = Absatz-Text (Bounding Box)
Character Panel (Zeichen)
Window > Character
Font-Familie, Stil, Größe
Kerning (Buchstabenabstand zwischen zwei Zeichen)
Tracking (Abstand über alle Zeichen)
Leading (Zeilenabstand)
Baseline Shift (vertikale Position einzelner Zeichen)
Paragraph Panel (Absatz)
Window > Paragraph
Ausrichtung (linksbündig, zentriert, etc.)
Einzüge
Abstand vor/nach Absatz
Silbentrennung
Professionelle Typografie-Features
1. OpenType-Features
Moderne Fonts haben erweiterte Features:
Ligaturen (automatische Buchstaben-Kombinationen wie „fi“)
Alternative Zeichen (Swashes, Stylistic Sets)
Kapitälchen
Zugriff: Character Panel > Dropdown-Menü oben rechts > OpenType
2. Variable Fonts
Seit CC 2018:
Fonts mit einstellbaren Achsen (Weight, Width, etc.)
Stufenlose Anpassung statt fixer Schnitte
Zugriff: Properties Panel bei aktivem Text-Tool
3. Text auf Pfad
Text folgt Pfad/Form:
Erstelle Pfad mit Pen Tool oder Form
Text Tool anwählen
Klicke auf Pfad
Tippe Text
Anpassung: Direct Selection Tool (A) + Ziehen an Text-Position auf Pfad
Text-Effekte
Layer Styles für Text:
Rechtsklick auf Textebene > Blending Options
Wichtigste Text-Effekte:
Drop Shadow: Schlagschatten (Distance, Spread, Size)
Stroke: Outline um Buchstaben
Gradient Overlay: Farbverläufe in Text
Bevel & Emboss: 3D-Effekt
⚠️ Warnung: Leicht zu übertreiben. Subtilität ist Professionalität.
Text rasterisieren vs. Smart Object
Text bleibt editierbar bis:
Rasterisiert (Layer > Rasterize > Type)
In Smart Object konvertiert (bleibt vektorbasiert, aber Text nicht mehr editierbar ohne Doppelklick)
Best Practice:
Entwicklung: Text-Ebene
Vor Effekten/Transformationen: Smart Object
Nur wenn nötig: Rasterisieren
Praxistipp: Text-Hierarchie
Professionelle Text-Komposition:
Größe-Kontrast:
Headline: 100%
Subheadline: 50-70%
Body: 30-40%
Font-Paarung:
Maximal 2-3 Schriftarten
Kontrast: Serif + Sans-Serif
Oder: Same Family, Different Weights
Spacing:
Überschriften: Engeres Tracking (-20 bis 0)
Body: Standard (0)
All-Caps: Weiteres Tracking (+50 bis +100)
Fortgeschritten: Text-Masken
1. Text als Maske:
Halte Ctrl/Cmd beim Klick auf Text-Thumbnail = lädt Text als Auswahl
Nutze Auswahl für Masken, Cuts, etc.
2. Clipping Mask für Texture-in-Text:
Bild-Ebene ÜBER Text
Alt + Klick zwischen Ebenen (oder Ctrl/Cmd + Alt + G)
Bild erscheint nur in Textform
Beispiel: Fotografie im Text, Grunge-Textures, Glitzer-Effekte
Zusammenfassung: Das Fundament beherrschen
Diese 10 Funktionen sind nicht die einzigen in Photoshop – aber sie sind das Fundament, auf dem alles andere aufbaut.
Die Wahrheit über Photoshop-Expertise:
Es geht nicht darum, jedes Feature zu kennen. Es geht darum:
Die Kernfunktionen tief zu verstehen – nicht nur WAS sie tun, sondern WARUM und WANN
Non-destruktive Workflows zu internalisieren – Ebenen, Masken, Smart Objects, Anpassungsebenen
Kombinationen zu erkennen – Die Macht liegt im Zusammenspiel der Tools
Ein Profi, der diese 10 Bereiche fundiert beherrscht, arbeitet effizienter und zielgerichteter als jemand, der Hunderte Features nur oberflächlich kennt.
Der empfohlene Lernpfad
Woche 1-2: Ebenen & Masken
Jeden Tag ein Projekt nur mit Ebenen-Organisation und Masken
Ziel: Keine destruktiven Änderungen mehr
Woche 3-4: Auswahl & Anpassungen
Freisteller-Übungen
Farbkorrekturen nur mit Anpassungsebenen
Woche 5-6: Transformationen & Smart Objects
Kompositionen mit perspektivischen Anpassungen
Alles als Smart Objects
Woche 7-8: Retusche & Filter
Portrait-Retusche-Workflow entwickeln
Smart Filters integrieren
Woche 9-10: Blend Modes & Typografie
Kreative Effekte mit Mischmodi
Typografie-Kompositionen
Nach 10 Wochen: Die Grundlagen sitzen. Jetzt kommt Spezialisierung und Geschwindigkeit durch Wiederholung.
Abschließender Gedanke
Photoshop ist wie ein Musikinstrument. Man kann in einer Stunde die Grundtöne lernen. Aber Meisterschaft? Das entsteht durch fokussiertes, wiederholtes Üben der Fundamentals.
Diese 10 Funktionen sind Ihre Grundtöne. Beherrschen Sie sie, und Sie können nahezu jede kreative Vision in Photoshop realisieren.
Alles andere ist Verfeinerung und persönlicher Stil.
Wie dieser Text entstanden ist: Meine Blogartikel entstehen als Sprachmemos. Die werden transkribiert und mit KI-Unterstützung in Form gebracht. Die Erfahrung und die Empfehlungen sind komplett meine. Die Struktur und der Feinschliff entstehen mit KI. Sag ich offen, weil ich’s so halte.
Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Heute lass ich genau das zu – und halte mich selbst mal zurück.
Einfach nur: hinschauen.
Hier gibt es heute drei Bilder zu sehen. Keine lange Abhandlung, kein Tutorial, kein technisches Deep-Dive. Nur das, was Synthografie kann – im direkten Vergleich zum Ausgangsbild.
Das Originalbild kennt ihr. Vielleicht unspektakulär. Vielleicht ein Schnappschuss. Vielleicht etwas, an dem die meisten einfach vorbeiscrollen würden. Und genau da beginnt die eigentliche Arbeit.
Denn Synthografie ist nicht das Drücken eines Buttons. Es ist nicht „KI, mach mal hübsch“. Es ist ein Prozess. Ein gestalterischer, ein kreativer, manchmal ein frustrierender – aber immer ein bewusster.
Die drei Bilder, die ihr hier seht, zeigen genau diesen Weg. Vom Ausgangsmaterial hin zu etwas, das eine eigene Aussage hat. Eine eigene Ästhetik. Eine eigene Berechtigung.
Was ist Synthografie eigentlich – und warum ist sie mehr als ein Filter?
Für alle, die hier zum ersten Mal reinschauen: Synthografie ist die Kunst, mit KI-gestützten Werkzeugen visuelle Werke zu erschaffen. Aber – und das ist der entscheidende Punkt – das Werkzeug allein macht noch keine Kunst. Genauso wenig, wie eine Kamera automatisch gute Fotos macht oder ein Pinsel automatisch ein Meisterwerk auf die Leinwand bringt.
Synthografie bedeutet:
Konzept und Vision – Was will ich ausdrücken?
Technisches Verständnis – Wie bringe ich das Werkzeug dazu, meiner Vision zu folgen?
Iteration und Verfeinerung – Wann ist ein Bild fertig? Was fehlt? Was ist zu viel?
Kuratierung – Aus hundert Ergebnissen das eine auswählen, das wirklich sitzt.
Klingt nach Arbeit? Ist es auch. Und genau das sieht man diesen drei Bildern hoffentlich an.
Der Vergleich: Warum er so wichtig ist
Ich zeige bewusst das Ausgangsbild mit. Nicht um zu sagen: „Schaut, wie schlecht das Original war.“ Sondern um transparent zu machen, wo die Reise begonnen hat und wohin sie gegangen ist.
In der Synthografie-Community – und auch darüber hinaus – wird viel diskutiert. Ist das Kunst? Ist das Können? Ist das nur ein Prompt? Diese Fragen sind berechtigt. Und die beste Antwort darauf ist nicht ein Text, sondern ein Vergleich. Ein Vorher und Nachher. Ein „So sah das aus – und so sieht es jetzt aus.“
Denn in der Differenz zwischen diesen Bildern steckt alles: die kreative Entscheidung, die technische Umsetzung, das Auge fürs Detail, die Stunden des Ausprobierens.
Drei Bilder. Ein Ausgangspunkt. Unendliche Möglichkeiten.
Was mich an Synthografie nach wie vor fasziniert: Aus einem einzigen Ausgangsbild können völlig unterschiedliche Welten entstehen. Unterschiedliche Stimmungen. Unterschiedliche Geschichten. Unterschiedliche Wahrheiten – wenn man so will.
Die drei Arbeiten, die ich heute zeige, gehen bewusst in verschiedene Richtungen. Sie zeigen nicht den einen „richtigen“ Weg, sondern die Bandbreite dessen, was möglich ist, wenn man sich mit dem Medium auseinandersetzt. Wenn man nicht beim ersten Ergebnis stehen bleibt, sondern weiterdenkt, weiterspielt, weitermacht.
Genau das ist es, was Synthografie von der reinen Bildgenerierung unterscheidet: die Intention hinter dem Bild.
Urbex Madness
Warum ich das hier teile
Ich teile diese Arbeiten nicht nur, um sie zu zeigen. Sondern auch, um zu ermutigen. Es gibt da draußen so viele kreative Menschen, die sich noch nicht trauen. Die denken, sie bräuchten jahrelange Erfahrung in Photoshop, eine teure Kamera oder einen Kunsthochschul-Abschluss, um visuell arbeiten zu dürfen.
Synthografie öffnet Türen. Nicht weil sie Können ersetzt – sondern weil sie neues Können ermöglicht. Weil sie einen Einstieg bietet, der vorher so nicht existiert hat. Und weil sie zeigt, dass kreative Vision wichtiger ist als technische Perfektion.
Du willst das auch lernen?
Wenn dich das hier neugierig gemacht hat – wenn du beim Betrachten der Bilder gedacht hast: „Das will ich auch können“ – dann hab ich was für dich.
Im BROWNZ HUB unterrichte ich genau das. Synthografie, Digital Art, kreative Workflows mit KI – praxisnah, verständlich und ohne Bullshit. Es gibt ein Jahresabo, das dir Zugang zu Tutorials, Extras, Daten und einer wachsenden Community gibt.
Egal ob du gerade erst anfängst oder schon erste Erfahrungen gesammelt hast – der HUB ist dafür gedacht, dich weiterzubringen. Von den Basics bis zu fortgeschrittenen Techniken, von Prompting über Bildbearbeitung bis hin zur eigenen künstlerischen Handschrift.
Zum Schluss
Heute ging es nicht um viele Worte. Heute ging es um drei Bilder und ein Original. Um den Beweis, dass in jedem Ausgangsbild mehr steckt, als man auf den ersten Blick sieht.
Synthografie ist kein Zauberknopf. Aber sie ist ein verdammt gutes Werkzeug – wenn man weiß, wie man es benutzt.
Lasst die Bilder auf euch wirken. Und wenn ihr Fragen habt: Ihr wisst, wo ihr mich findet.
brownz.art – Synthografie ist Gestaltung.
Wie dieser Text entstanden ist: Meine Blogartikel entstehen als Sprachmemos. Die werden transkribiert und mit KI-Unterstützung in Form gebracht. Die Erfahrung und die Empfehlungen sind komplett meine. Die Struktur und der Feinschliff entstehen mit KI. Sag ich offen, weil ich’s so halte.
Ein schonungslos ehrlicher Leitfaden darüber, warum das Foto-Abo trotz Preiserhöhungen und berechtigter Kritik immer noch Sinn macht – und für wen es tatsächlich rausgeschmissenes Geld ist. Stand: März 2026.
Ein Blogbeitrag von BROWNZ.ART
Der jährliche Shitstorm – nur dass er diesmal berechtigt ist
Jedes Jahr passiert dasselbe. Adobe ändert etwas, und das Internet explodiert. Die Kommentarspalten füllen sich mit Wut. „Adobe ist gierig!“ „Ich wechsle zu Affinity!“ „GIMP kann alles, was Photoshop kann!“ „Ich kündige sofort!“
Und dann – drei Wochen später – benutzen dieselben Leute immer noch Photoshop.
Ich kenne diesen Zyklus, weil ich ihn seit Jahren beobachte. Und normalerweise würde ich an dieser Stelle sagen: „Beruhigt euch alle mal, das Foto-Abo ist immer noch ein Schnäppchen.“
Aber 2026? 2026 ist die Sache komplizierter.
Denn diesmal hat die Wut einen realen Hintergrund. Adobe hat die Preise global erhöht. Das Foto-Abo, das viele von uns noch als das günstige Einstiegspaket in Erinnerung haben, kostet inzwischen rund 18 bis 20 Euro im Monat – je nach Region und Tarif sind das 179 bis 219 Euro im Jahr. Die alten 11,89-Euro-Tarife? Die existieren nur noch bei Bestandskunden mit uralten Verträgen, die sich nicht getraut haben, irgendetwas an ihrem Abo zu ändern, aus Angst, den Preis zu verlieren. Für Neukunden sind diese Zeiten vorbei.
Und es kommt noch dicker. Adobe hat 2025 einen Vergleich über 150 Millionen Dollar gezahlt – wegen irreführender Abo- und Kündigungsbedingungen. Hundertfünfzig Millionen. Das ist kein Kavaliersdelikt. Das ist ein Konzern, der erwischt wurde, weil er es seinen Kunden bewusst schwer gemacht hat, ihre Abos zu kündigen. Versteckte Gebühren. Undurchsichtige Vertragslaufzeiten. Kündigungsfristen, die so formuliert waren, dass man einen Jura-Abschluss brauchte, um sie zu verstehen.
Und als wäre das nicht genug, läuft 2026 in Großbritannien eine neue Untersuchung wegen genau derselben Problematik. Die Behörden schauen Adobe auf die Finger. Und das zu Recht.
Ich sage das alles nicht, um Adobe fertigzumachen. Ich sage das, weil ich ehrlich zu dir sein will. Weil ein Blogpost, der so tut, als wäre Adobe ein netter kleiner Softwareladen, der dir aus reiner Herzensgüte Photoshop zur Verfügung stellt, entweder naiv oder gekauft wäre. Und ich bin weder das eine noch das andere.
Ja, Adobe steht aktuell massiv in der Kritik. Und ja, vieles davon ist berechtigt.
Trotzdem – und das ist der Punkt, an dem es interessant wird – trotzdem ist das Adobe Foto-Abo mit Photoshop und Lightroom für die meisten ernsthaft arbeitenden Kreativen immer noch eines der wichtigsten Investments, die du tätigen kannst.
Wie passt das zusammen? Lass mich erklären.
Kapitel 1: Was du für dein Geld bekommst – und warum der Wert 2026 paradoxerweise gestiegen ist
Fangen wir mit den nackten Fakten an. Das Foto-Abo kostet dich Stand März 2026 etwa 18 bis 20 Euro im Monat. Nehmen wir den Mittelwert: 19 Euro. Das sind 228 Euro im Jahr. Das ist mehr als früher. Deutlich mehr. Und ich verstehe jeden, der da schluckt.
Aber jetzt lass mich dir erzählen, was du dafür bekommst. Nicht die Marketingversion. Die echte Version. Aus der Praxis. Von jemandem, der jeden Tag damit arbeitet.
Photoshop ist und bleibt die mächtigste Bildbearbeitungssoftware der Welt. Das ist keine Meinung. Das ist eine Feststellung. Keine andere Software bietet diesen Funktionsumfang, diese Tiefe, diese Flexibilität. Und mit den KI-Features, die Adobe in den letzten zwei Jahren integriert hat, hat sich der praktische Wert von Photoshop nicht verdoppelt – er hat sich vervielfacht.
Generative Fill generiert dir Bildinhalte aus Text. Generative Expand erweitert dein Bild über seine Grenzen hinaus. Das Remove Tool entfernt Objekte so sauber, als wären sie nie dagewesen. Die KI-gestützten Auswahlen – Motiv auswählen, Himmel auswählen, Objektauswahl mit Hover-Erkennung – erledigen in dreißig Sekunden, was vor drei Jahren dreißig Minuten manuelle Arbeit war. Die neuronalen Filter ändern Lichtrichtungen, Gesichtsausdrücke, Farbstimmungen.
Was du heute in fünf Minuten mit Generative Fill erledigst, hätte 2022 eine Stunde gekostet. Rechne das mal hoch. Wenn du als Kreativer deine Stunde konservativ mit 40 Euro ansetzt und du pro Woche nur eine Stunde durch KI-Features sparst, sind das 160 Euro im Monat. Bei Kosten von 19 Euro. Das ist ein Return on Investment, über den jeder BWLer feuchte Augen bekommt.
Und das ist konservativ gerechnet. Die meisten Profis, die ich kenne, sparen deutlich mehr.
Lightroom – sowohl Classic als auch die Cloud-Version – ist nach wie vor der Goldstandard für den fotografischen Workflow. Import, Katalogisierung, Verschlagwortung, Bewertung, Entwicklung, Export. Und mit den KI-Features der letzten Updates hat Lightroom einen Sprung gemacht, der viele Workflows fundamental verändert hat.
Die KI-gestützte Maskierung erkennt automatisch Motiv, Himmel, Hintergrund und einzelne Personen. Du kannst Belichtung, Farbe und Schärfe gezielt auf einzelne Bildbereiche anwenden, ohne auch nur an Photoshop zu denken. Das KI-Entrauschen unter „Detail“ liefert Ergebnisse bei High-ISO-Aufnahmen, die vor drei Jahren ein separates Plugin für 80 Euro erfordert hätten. Die adaptiven Vorgaben passen sich automatisch an jedes Bild an.
Konservativ geschätzt erledigt Lightroom heute 50 Prozent der Arbeit, für die du früher Photoshop gebraucht hast. Nicht weil Photoshop schlechter geworden wäre. Sondern weil Lightroom besser geworden ist. Massiv besser.
Adobe Firefly und die generativen Credits sind im Abo enthalten. Du kannst Bilder generieren, Hintergründe erzeugen, Elemente einfügen – direkt in Photoshop oder über die Firefly-Website.
Regelmäßige Updates. Keine Einmalkauf-Software, die nach dem Kauf verstaubt. Du bekommst kontinuierlich neue Features, und diese Features sind 2026 nicht mehr inkrementelle Verbesserungen, sondern teilweise echte Quantensprünge. Adobe pusht KI als Kernstrategie. Jedes größere Update bringt Funktionen, die vorher entweder nicht existierten oder teure Drittanbieter-Lösungen erforderten.
Hier ist die paradoxe Wahrheit: Der Preis ist gestiegen, aber der Wert ist noch stärker gestiegen. Das Abo von 2026 ist nicht dasselbe Produkt wie das Abo von 2023. Es ist fundamental leistungsfähiger. Und wenn du die KI-Features konsequent nutzt, ist das heutige Abo trotz höherem Preis das bessere Geschäft als das billigere Abo von vor drei Jahren.
Aber das ist nur die halbe Geschichte. Denn es gibt einen Faktor, über den erstaunlich wenig gesprochen wird – und der für viele Kreative der eigentliche Grund ist, warum sie bei Adobe bleiben, selbst wenn sie innerlich fluchen.
Kapitel 2: Der Elefant im Raum – Vendor Lock-in, Kritik und die unbequeme Wahrheit
Lass uns über etwas reden, das in den meisten „Lohnt sich Adobe?“-Artikeln komplett fehlt. Etwas, das mindestens so wichtig ist wie der Preis und die Features.
Vendor Lock-in.
Das PSD-Format ist der Industriestandard. Agenturen arbeiten mit Adobe. Druckereien erwarten Adobe-Dateien. Kunden schicken dir PSDs und erwarten, dass du sie öffnen kannst. Wenn du in irgendeiner Form mit anderen Kreativen, Agenturen oder Unternehmen zusammenarbeitest, dann ist Adobe nicht nur ein Werkzeug – es ist die gemeinsame Sprache. Und wer die Sprache nicht spricht, wird nicht verstanden.
Das ist kein technisches Argument. Das ist ein wirtschaftliches. Wenn ein Kunde dir eine PSD schickt und du sagst „Sorry, ich arbeite mit Affinity, kannst du mir das als TIFF exportieren?“, dann passieren zwei Dinge. Erstens nervst du den Kunden. Zweitens signalisierst du: Ich bin nicht kompatibel mit dem Standard. Und in einer Branche, in der Kompatibilität Geld ist, ist das ein teures Signal.
Der Wechsel weg von Adobe kostet nicht nur den Preis einer Alternativsoftware. Er kostet Zeit – zum Umlernen, zum Konvertieren von Dateien, zum Anpassen von Workflows. Er kostet Kompatibilität – weil nicht jedes Feature in jedem Format übertragen wird. Und er kostet möglicherweise Kunden – weil du nicht mehr nahtlos in bestehende Produktionspipelines passt.
Das ist der Lock-in. Und Adobe weiß das. Natürlich wissen sie das. Es ist Teil ihrer Strategie. Und man kann das kritisieren – ich kritisiere es auch – aber man muss es in seine Entscheidung einbeziehen.
Jetzt zur Kritik. Und die ist 2026 berechtigt wie nie zuvor.
Die 150-Millionen-Dollar-Sache. Adobe hat 2025 einen Vergleich in dieser Höhe gezahlt, weil das Unternehmen Kunden bei Abo-Abschlüssen nicht klar genug über Kündigungsgebühren informiert hat. Versteckte „Early Termination Fees“ von teilweise mehreren Hundert Dollar. Kündigungsprozesse, die absichtlich umständlich gestaltet waren. Das ist kein Versehen. Das ist Kalkül. Und es ist gut, dass die US-Behörden hier durchgegriffen haben.
Die UK-Untersuchung 2026. Auch die britischen Behörden schauen sich Adobes Geschäftspraktiken jetzt genauer an. Die Vorwürfe ähneln den amerikanischen: intransparente Vertragsbedingungen, erschwerte Kündigung, aggressive Abo-Verlängerungen.
Meine Meinung dazu? Adobe verdient jeden einzelnen Cent dieser Strafen. Als Konzern, der Milliarden umsetzt, hast du die Verantwortung, fair und transparent mit deinen Kunden umzugehen. Punkt. Keine Ausreden. Keine „technischen Missverständnisse“. Du hast es verkackt, du zahlst, du machst es besser.
ABER – und das ist das große Aber – die Kritik am Geschäftsgebaren ändert nichts an der Qualität des Produkts. Das sind zwei verschiedene Dinge. Du kannst gleichzeitig sagen: „Adobes Geschäftspraktiken sind teilweise beschissen“ und „Photoshop ist das beste Bildbearbeitungsprogramm der Welt.“ Beides ist wahr. Gleichzeitig.
Die Frage, die du dir stellen musst, ist also nicht: „Ist Adobe ein sympathischer Konzern?“ Spoiler: Nein. Kein Konzern dieser Größe ist sympathisch. Die Frage ist: „Bringt mir das Produkt mehr, als es mich kostet – und gibt es eine realistische Alternative, die dasselbe leistet?“
Und hier wird es differenziert.
Kapitel 3: Für wen das Abo unverzichtbar ist – und die Wahrheit über „Skill vs. Tool“
Bevor ich dir sage, für wen das Abo Sinn macht, muss ich etwas ansprechen, das vielleicht das wichtigste Argument in dieser ganzen Debatte ist und das fast niemand erwähnt:
Die meisten Nutzer verwenden ungefähr 10 Prozent der Software.
Zehn Prozent. Von Photoshop. Von Lightroom. Sie öffnen das Programm, machen ihre drei üblichen Schritte, speichern und schließen. Jahrelang. Ohne jemals in die Tiefe zu gehen. Ohne die KI-Features zu nutzen. Ohne Smart Objects zu verstehen. Ohne Luminanzmasken zu kennen. Ohne Aktionen einzurichten. Ohne auch nur ansatzweise das Potenzial auszuschöpfen, das vor ihnen liegt.
Das ist, als würdest du einen Porsche kaufen und nie über den zweiten Gang hinausschalten. Ja, du kommst ans Ziel. Aber du verschwendest 90 Prozent dessen, wofür du bezahlst.
Und DAS ist der Punkt, an dem die Abo-Diskussion eigentlich ansetzen müsste. Nicht bei der Frage „Ist das Abo zu teuer?“ sondern bei der Frage „Nutzt du das, wofür du bezahlst?“
Wenn du nur 10 Prozent nutzt, dann ist das Abo zu teuer. Nicht weil der Preis falsch ist, sondern weil DEIN Nutzungsgrad falsch ist. Du hast zwei Optionen: Entweder du lernst, die restlichen 90 Prozent zu nutzen – oder du wechselst zu einem einfacheren, günstigeren Tool, das deinen tatsächlichen Bedarf abdeckt.
Beides ist OK. Was nicht OK ist: 228 Euro im Jahr bezahlen und dann mit 10 Prozent rumdümpeln und sich beschweren, dass es zu teuer ist.
So. Nachdem das gesagt ist – für wen macht das Abo trotz der höheren Preise Sinn?
Berufsfotografen. Keine Diskussion. Lightroom Classic ist der Industriestandard für den fotografischen Workflow. Keine Alternative bietet diese Kombination aus Katalogverwaltung, RAW-Entwicklung und Ausgabeoptionen. Und Photoshop ist dein Rettungsnetz für alles, was über die Entwicklung hinausgeht.
Grafikdesigner und Composing-Künstler. Photoshop ist und bleibt unerreicht für pixelbasierte Gestaltung, Fotomontagen und komplexe Retuschen. Die KI-Features machen dich 2026 nicht nur schneller – sie machen dich besser. Weil du Ideen testen kannst, die du dir früher zeitlich nicht leisten konntest.
Content Creator mit Qualitätsanspruch. Thumbnails, Header, Social-Media-Grafiken, Produktfotos – wenn dein visueller Content professionell aussehen soll und du regelmäßig produzierst, dann rentiert sich das Abo durch die Zeitersparnis allein.
Digitale Künstler und Synthografen. Wer zwischen digitaler und analoger Welt arbeitet, wer KI-gestützte Bildkomposition mit handwerklicher Veredelung verbindet, für den ist Photoshop nicht nur ein Tool – es ist das zentrale Nervensystem des kreativen Prozesses.
Ambitionierte Einsteiger mit klarem Ziel. Wenn du weißt, dass du in die kreative Branche willst, dann lerne mit dem Industriestandard. Nicht mit der Billigversion. Nicht mit dem Workaround. Lerne das Tool, das die Branche spricht. Die Investition zahlt sich aus – aber nur, wenn du sie ernst nimmst und wirklich LERNST.
Kapitel 4: Für wen das Abo rausgeschmissenes Geld ist – und was du stattdessen tun kannst
Und jetzt kommt der Teil, den Adobe nicht gerne hört. Aber ich bin nicht hier, um Adobe zu gefallen.
Du brauchst das Abo NICHT, wenn du ausschließlich mit dem Smartphone fotografierst und nur für Social Media postest. Snapseed ist kostenlos. Lightroom Mobile in der Gratisversion reicht für grundlegende Entwicklung. Für den reinen Smartphone-Workflow sind 19 Euro im Monat Overkill.
Du brauchst es NICHT, wenn du zweimal im Jahr zehn Urlaubsfotos bearbeitest. 228 Euro für zwanzig Bilder? Das sind über 11 Euro pro Bild. Nimm die Fotos-App deines Betriebssystems oder Photopea im Browser. Kostenlos. Reicht.
Du brauchst es NICHT, wenn du aus Prinzip kein Abo willst. Das ist ein legitimer Standpunkt. Affinity Photo 2 kostet einmalig rund 75 Euro und deckt 80 bis 85 Prozent von Photoshop ab. Capture One ist für RAW-Entwicklung erstklassig, wenn auch teurer. DxO PhotoLab liefert herausragendes Entrauschen. GIMP ist kostenlos, wenn auch altbacken.
Du brauchst es NICHT, wenn du ausschließlich Vektorgrafiken erstellst. Affinity Designer oder das kostenlose Inkscape sind dann die bessere Wahl.
Aber – und das sage ich in aller Ehrlichkeit, weil ich diese Tools alle benutzt habe – keine dieser Alternativen bietet den vollständigen Funktionsumfang von Photoshop. Keine. Besonders bei den KI-Features klafft eine Lücke, die 2026 größer ist als je zuvor. Affinity Photo hat kein Generative Fill. Kein KI-gestütztes Motiv-Auswählen auf Photoshop-Niveau. Kein generatives Erweitern. Es ist ein exzellentes klassisches Bildbearbeitungsprogramm in einer Welt, die zunehmend post-klassisch arbeitet.
Und GIMP? GIMP ist wie ein altes Auto, das dich ans Ziel bringt, bei dem aber die Klimaanlage nicht funktioniert, das Radio nur Mittelwelle empfängt, der dritte Gang gelegentlich herausspringt und die Tür auf der Beifahrerseite nur von außen aufgeht. Es funktioniert. Aber es macht keinen Spaß. Und Spaß ist wichtig, wenn du kreativ arbeiten willst.
Kapitel 5: 15 Praxistipps, die dein Abo in eine Gelddruckmaschine verwandeln
Wenn du das Abo hast oder dich dafür entscheidest, dann nutze es verdammt nochmal richtig. Hier sind meine persönlichen Tipps – erarbeitet über Jahre, nicht aus einem YouTube-Video abgeschrieben.
Tipp 1: Lightroom ist deine Schaltzentrale. Jedes Foto geht zuerst durch Lightroom. Import, Sichtung, Bewertung, Grundentwicklung. Nur was darüber hinaus Bearbeitung braucht, geht weiter zu Photoshop. Dieser Workflow allein spart dir Stunden.
Tipp 2: KI-Maskierung in Lightroom ersetzen halbe Photoshop-Sessions. Motiv, Himmel, Hintergrund, einzelne Personen – alles automatisch erkannt. Belichtung und Farbe gezielt anpassen, ohne Photoshop zu öffnen. Lern das. Nutz das. Es verändert deinen Workflow.
Tipp 3: KI-Entrauschen ist dein 80-Euro-Plugin, das du schon bezahlt hast. Unter Detail → Entrauschen. Die Ergebnisse bei High-ISO sind spektakulär. Wenn du das nicht nutzt, verschenkst du bares Geld.
Tipp 4: Lightroom-Presets für deinen persönlichen Look. Entwickle ein Foto nach deinem Geschmack. Speichere die Einstellungen als Vorgabe. Ein Klick. Konsistenz ohne Aufwand. So baust du eine visuelle Marke auf.
Tipp 5: Generative Fill für Composings statt Stock-Suche. Statt eine Stunde nach dem perfekten Stock-Hintergrund zu suchen, generiere ihn in dreißig Sekunden. Allein dieser Tipp spart dir mehr als die Abo-Kosten.
Tipp 6: Das Remove Tool ist dein neuer bester Freund. Übermale störende Elemente. Fertig. Besser als Kopierstempel. Schneller als Content-Aware-Fill. Nutze es für ALLES – Stromleitungen, Mülleimer, Ex-Partner auf Urlaubsfotos.
Tipp 7: Motiv auswählen im Cloud-Modus. Die Cloud-Variante liefert signifikant bessere Ergebnisse, besonders bei Haaren. Der kleine Umweg lohnt sich jedes einzelne Mal.
Tipp 8: Non-destruktiv arbeiten. Immer. Einstellungsebenen. Smart Objects. Ebenenmasken. Nie direkt auf der Hintergrundebene. Wenn du das nicht tust, arbeitest du wie 2015. Und wir haben 2026.
Tipp 9: Fünf Shortcuts, die dein Leben verändern. Strg/Cmd+J = Ebene duplizieren. Strg/Cmd+T = Frei Transformieren. B = Pinsel. X = Farben tauschen. Leertaste = Hand-Werkzeug. Diese fünf allein sparen dir Stunden pro Woche.
Tipp 10: Firefly-Website statt Photoshop für komplexe Generierungen. Mehr Modelle, mehr Optionen, mehr Varianten pro Credit. Der Umweg über den Browser lohnt sich bei allem, was über einen schnellen Hintergrund hinausgeht.
Tipp 11: Cloud-Synchronisation zwischen Lightroom Classic und Lightroom Mobile. Unterwegs auf dem Tablet sichten und bewerten. Zuhause am Desktop entwickeln. Nahtlos. Ohne USB-Stick. Ohne Datei-Chaos.
Tipp 12: Aktionen für alles, was du mehr als dreimal machst. Wasserzeichen. Skalierung. Schärfung. Export-Settings. Einmal einrichten, für immer nutzen. Jede Aktion ist eingesparte Lebenszeit.
Tipp 13: Updates nicht ignorieren. Adobe bringt alle paar Monate Features, die deinen Workflow verändern können. Was du vor sechs Monaten gelernt hast, ist möglicherweise nicht mehr der beste Weg. Bleib dran. Oder folge Leuten, die es für dich tun.
Tipp 14: Camera Raw Filter in Photoshop. Filter → Camera Raw Filter. Dieselben Werkzeuge wie in Lightroom, aber innerhalb von Photoshop. Perfekt für die finale Feinabstimmung von Composings. Die meisten wissen nicht mal, dass es das gibt.
Tipp 15: Credit-Verbrauch im Auge behalten. Generative Credits sind begrenzt. Check regelmäßig dein Adobe-Konto. Plane aufwändige Generierungen für den Anfang des Abrechnungszeitraums. Nicht am letzten Tag, wenn alles aufgebraucht ist.
Kapitel 6: Die Zeitrechnung hat sich geändert – und das ist der eigentliche Punkt
Jetzt komme ich zu dem Argument, das alle anderen Argumente in den Schatten stellt. Das Argument, das 2026 wichtiger ist als jede Preisdiskussion.
Zeit ist die echte Währung. Und wer langsam arbeitet, verliert.
Das klingt brutal. Ist es auch. Aber es ist die Realität.
Wir leben in einer Welt, in der KI-optimierte Workflows den Standard setzen. Nicht irgendwann. Jetzt. Dein Konkurrent nutzt Generative Fill und spart sich zwei Stunden Composing-Arbeit pro Tag. Dein Konkurrent nutzt KI-Maskierung und erledigt Freistellungen in Sekunden statt Minuten. Dein Konkurrent nutzt KI-Entrauschen und liefert Ergebnisse, die du mit manuellen Methoden in derselben Zeit nicht erreichst.
Wenn du diese Tools nicht nutzt – egal ob aus Stolz, aus Prinzip oder weil du 19 Euro im Monat sparen willst – dann arbeitest du nicht nur langsamer. Du arbeitest dich aus dem Markt. Nicht heute. Nicht morgen. Aber Stück für Stück. Auftrag für Auftrag. Kunde für Kunde.
Das ist kein Angstmachen. Das ist Arithmetik. Wenn jemand dieselbe Qualität in der halben Zeit liefert, dann hat er entweder doppelt so viel Kapazität oder kann günstiger anbieten. Oder beides. Und du? Du sitzt da mit deinem Prinzip und deinen gesparten 19 Euro und fragst dich, warum die Aufträge weniger werden.
KI macht das Adobe-Abo nicht nur wertvoller – sie macht es exponentiell wertvoller. Jedes neue KI-Feature, das Adobe ausrollt, ist nicht einfach ein nettes Gimmick. Es ist eine Zeitmaschine. Es gibt dir Stunden zurück, die du in bessere Arbeit, mehr Kreativität oder schlicht mehr Aufträge stecken kannst.
Und DARIN liegt der eigentliche Wert des Abos. Nicht in den Features als solche. Sondern in der Zeit, die sie dir schenken. Und Zeit – das weiß jeder Kreative, der jemals eine Deadline hatte – ist die einzige Ressource, die du nicht nachkaufen kannst.
Die ehrliche Schlussrechnung – Stand März 2026
Lass mich zum Abschluss die Rechnung machen, die sich keiner traut, weil sie zu nüchtern ist für einen sexy Instagram-Post.
Das Foto-Abo kostet dich 2026 etwa 19 Euro im Monat. Das sind 63 Cent am Tag.
Wenn du mit den KI-Features nur EINE Stunde pro Woche sparst – und das ist lächerlich konservativ geschätzt – und deine Stunde 40 Euro wert ist, dann sparst du 160 Euro pro Monat. Bei Kosten von 19 Euro.
Das ist ein Return on Investment von über 740 Prozent.
Selbst wenn du deine Stunde nur mit 20 Euro ansetzt, selbst wenn du nur eine halbe Stunde pro Woche sparst, kommst du immer noch auf einen ROI, der jede andere Software-Investition in den Schatten stellt.
ABER – und das ist der ehrliche Teil – dieser ROI existiert nur, wenn du die Features auch NUTZT. Wenn du Photoshop öffnest und nur den Kopierstempel und die Gradationskurve verwendest, wenn du Lightroom nur zum Importieren und Exportieren benutzt, wenn du die KI-Features ignorierst, weil du „das schon immer so gemacht hast“ – dann zahlst du 228 Euro im Jahr für ein Tool, das du wie eine bessere Version von MS Paint benutzt.
Und DAS wäre tatsächlich rausgeschmissenes Geld.
Also: Hast du das Abo? Dann nutz es. Richtig. Mit allem, was drin ist. Jedes KI-Feature. Jede Shortcut. Jede Automatisierung. Jedes Update.
Hast du es nicht und überlegst? Dann stell dir nicht die Frage „Kann ich mir 19 Euro leisten?“ Stell dir die Frage: „Kann ich es mir leisten, auf die Zeitersparnis zu verzichten?“
Und brauchst du es wirklich nicht, weil du zweimal im Jahr zehn Urlaubsfotos bearbeitest? Dann spar dir das Geld, nimm Snapseed und sei glücklich. Ernsthaft. Es gibt keine Schande darin, das richtige Werkzeug für den richtigen Job zu wählen – auch wenn es das kostenlose ist.
Die Entscheidung liegt bei dir. Triff sie mit offenen Augen. Mit den echten Preisen. Mit dem Wissen um Adobes Bullshit UND um Adobes Brillanz. Beides existiert gleichzeitig. Und die Wahrheit, wie so oft, liegt nicht in den Extremen.
Sie liegt da, wo du stehst.
Und was du mit deinen Werkzeugen machst.
BROWNZ IS ART. ✦
Und ja, ich bezahle mein Adobe-Abo. Jeden Monat. Und ja, ich fluche jedes Mal kurz, wenn die Abbuchung kommt. Und dann öffne ich Photoshop, nutze Generative Fill und erinnere mich, warum ich es trotzdem nicht kündige.
Stand: März 2026. Preise, Features und Adobes Geschäftspraktiken können sich ändern.
Weißt du noch, wie dein Workflow vor ein paar Jahren aussah? Stundenlanges Klicken mit dem Polygon-Lasso, verkrampfte Finger vom Zeichenstift-Werkzeug und pure Verzweiflung, wenn du fliegende Haare vor einem unruhigen Hintergrund freistellen musstest. Diese Zeiten sind zum Glück endgültig vorbei.
In Photoshop gibt es inzwischen einige auf KI basierende Auswahlmöglichkeiten (angetrieben von Adobe Sensei). Diese unterscheiden sich nicht nur im Funktionsumfang, sondern auch in der Ergebnisqualität. Hier erfährst du, was es zu beachten gibt, wo die Fallstricke liegen und wie du als echter Profi das absolute Maximum aus diesen Automatismen herausholst.
Die drei Säulen der KI-Auswahl: Welches Werkzeug für welchen Zweck?
Photoshop bietet dir nicht nur einen einzigen „Magie-Button“, sondern verschiedene KI-Ansätze. Um effizient zu arbeiten, musst du wissen, wann du welches Tool einsetzt:
Motiv auswählen (Select Subject): Der absolute Klassiker für Porträts oder Produktfotos. Mit einem Klick analysiert die KI das gesamte Bild, erkennt das Hauptmotiv und erstellt eine Maske. Perfekt, wenn das Motiv eindeutig im Fokus steht.
Objektauswahlwerkzeug (Object Selection Tool): Mein persönlicher Favorit für komplexe Szenen. Du fährst mit der Maus über das Bild, und Photoshop markiert erkannte Objekte farbig (der sogenannte Hover-Effekt). Ein Klick, und das Auto, der Baum oder die Person im Hintergrund ist isoliert. Es funktioniert wie Magie, besonders wenn du mehrere spezifische Dinge in einem Bild auswählen willst.
Himmel auswählen (Select Sky): Für Landschafts- und Architekturfotografen ein echter Gamechanger. Die KI erkennt nicht nur den Himmel, sondern baut auch komplexe Masken um Baumkronen, Stromleitungen oder Gebäudekanten herum, um den Himmel fehlerfrei auszutauschen oder anzupassen.
Doch Vorsicht: KI ist extrem schlau, aber sie hat (noch) nicht das kritische Auge eines professionellen Bildbearbeiters. Oft liefert sie dir „nur“ 90 bis 95 Prozent der perfekten Maske. Die restlichen Prozente machen den Unterschied zwischen einem schnell zusammengebastelten Amateur-Bild und einem High-End-Compositing aus.
Damit deine Masken absolut makellos werden, habe ich hier meine besten Experten-Tipps für dich zusammengefasst.
Profi-Tipp 1: Der geheime Schalter in den Voreinstellungen (Cloud vs. Gerät)
Hier trennt sich die Spreu vom Weizen! Wenn du die Funktion „Motiv auswählen“ nutzt, greift Photoshop standardmäßig auf die Rechenleistung deines Computers (Gerät) zurück. Das geht zwar in Millisekunden, ist aber bei weitem nicht so präzise, wie es sein könnte.
Mein Trick für dich: Gehe in die Photoshop-Einstellungen unter Bearbeiten > Voreinstellungen > Bildverarbeitung (am Mac unter Photoshop > Einstellungen…). Dort findest du den Punkt „Verarbeitung von ‚Motiv auswählen’“. Stelle das Dropdown-Menü von „Gerät (Schnellere Ergebnisse)“ auf „Cloud (Detaillierte Ergebnisse)“ um. Wenn du nun ein Motiv auswählst, schickt Photoshop die Bilddaten kurz an die Server von Adobe, wo ein weitaus mächtigeres KI-Modell die Kanten berechnet. Es dauert vielleicht ein bis zwei Sekunden länger, aber das Ergebnis – gerade bei feinen Details wie Haaren, Fell oder rauen Texturen – ist um Welten besser!
Profi-Tipp 2: Hilf der KI auf die Sprünge (Der Kontrast-Trick)
Manchmal verzweifelt die KI, wenn dein Motiv und der Hintergrund fast die gleiche Farbe oder Helligkeit haben (z.B. ein Model in einem grauen Mantel vor einer grauen Betonwand).
Der Experten-Workaround: Erstelle eine temporäre Einstellungsebene (z.B. Tonwertkorrektur oder Gradationskurven). Ziehe die Regler extrem nach oben und unten, sodass ein massiver, fast hässlicher Kontrast im Bild entsteht. Lass jetzt die KI das Motiv auswählen! Durch den künstlich extremen Kontrast erkennt Adobe Sensei die Kanten plötzlich gestochen scharf. Sobald deine Auswahl als blinkende Linie („Ameisenlinie“) steht, löschst du die Kontrast-Ebene einfach wieder und wendest die Maske auf dein Originalbild an.
Profi-Tipp 3: Der „Auswählen und Maskieren“-Arbeitsbereich ist Pflicht
Egal, wie gut die erste KI-Auswahl aussieht, gib dich niemals mit dem ersten Klick zufrieden. Klicke immer auf den Button „Auswählen und Maskieren…“ oben in der Optionsleiste. Dieser Arbeitsbereich bietet dir Werkzeuge, die unerlässlich sind.
Nutze hier unbedingt die Funktion „Haare verfeinern“ (Refine Hair) in der oberen Leiste. Die KI rechnet dann noch einmal gezielt und tiefgründig die Ränder von Frisuren oder Tierfell nach. Noch ein Geheimtipp: Scrolle auf der rechten Seite ganz nach unten zu den Ausgabe-Einstellungen und setze einen Haken bei „Farben dekontaminieren“ (Decontaminate Colors). Dadurch rechnet Photoshop den störenden Farbstich (Color Spill) aus den Haaren heraus, der oft vom Hintergrund auf das Motiv reflektiert wurde.
Profi-Tipp 4: KI und Handarbeit richtig kombinieren
Die KI nimmt dir die grobe Fleißarbeit ab, aber manchmal übersieht sie ein kleines Stück Hintergrund zwischen dem Arm und dem Körper deines Models, oder sie schneidet eine Fingerspitze ab.
So sieht mein Workflow aus: Ich lasse die KI die Grundauswahl treffen. Dann wähle ich ein manuelles Werkzeug wie das Lasso oder die Schnellauswahl. Mit gedrückter Shift-Taste (es erscheint ein Plus-Symbol) male ich Bereiche an, die die KI vergessen hat, um sie der Auswahl hinzuzufügen. Mit gedrückter Alt-Taste (es erscheint ein Minus-Symbol) ziehe ich Bereiche ab, die die KI fälschlicherweise ausgewählt hat. So hast du das Beste aus beiden Welten: Die Geschwindigkeit der Maschine und die absolute Präzision deines menschlichen Auges.
Profi-Tipp 5: Vorbereitung ist alles für die „Generative Füllung“
Inzwischen nutzen wir Auswahlen nicht nur zum Freistellen, sondern oft auch, um Objekte durch die neue Generative Füllung (Generative Fill) per KI entfernen oder ersetzen zu lassen. Wenn du ein Objekt per KI auswählst, liegt die Auswahl meistens messerscharf auf der Kante des Objekts. Wenn du jetzt generierst, entsteht oft ein unschöner Rand, weil die neue KI-Füllung nicht richtig mit dem Hintergrund verschmilzt.
Der Trick: Wenn du etwas generativ ersetzen oder entfernen willst, musst du die Auswahl minimal ausweiten. Gehe auf Auswahl > Ändern > Erweitern… und gib dort einen Wert von etwa 3 bis 5 Pixeln ein. Die Auswahl überlappt nun leicht den Hintergrund. Dadurch hat die generative KI genug Kontext-Pixel um das Objekt herum, um einen weichen, fotorealistischen und absolut nahtlosen Übergang zu berechnen.
Fazit: Werde zum Regisseur der Künstlichen Intelligenz
Die auf KI basierenden Auswahlwerkzeuge in Photoshop sind unglaublich mächtig und sparen uns in der täglichen Praxis unzählige Stunden Arbeit. Aber merke dir eines: Die KI ist nur dein Assistent. Der Chef am Bildschirm bist nach wie vor du!
Verlasse dich nie blind auf den ersten Klick. Nutze die Cloud-Berechnung, arbeite mit dem „Auswählen und Maskieren“-Dialog, verfeinere die Kanten von Hand und denke immer non-destruktiv in Masken. Wenn du diese Tricks in deinen Workflow integrierst, hebst du deine Bildbearbeitung auf ein völlig neues, professionelles Level.
Jetzt bist du dran: Wie sieht dein aktueller Workflow aus? Hast du die Cloud-Berechnung schon ausprobiert oder kämpfst du noch oft mit unsauberen Kanten? Lass es mich unten in den Kommentaren wissen – ich freue mich sehr auf den Austausch mit dir!
Du hast ein Bild mit Midjourney, Stable Diffusion oder einem anderen KI-Tool generiert. Es sieht gut aus. Die Komposition stimmt, die Farben sind okay. Aber es sieht immer noch nach KI aus. Es fehlt die Seele. Es fehlt der Pinselstrich. Es fehlt das Gefühl, dass da eine Hand im Spiel war.
Genau hier fängt die eigentliche Arbeit an.
Als digitaler Künstler nutze ich KI oft als Basis, aber niemals als Endergebnis. Das wahre Kunstwerk entsteht in Photoshop. Dort verwandle ich den generierten Rohdiamanten in ein Bild, das aussieht wie ein klassisches Gemälde – mit Textur, Tiefe und Charakter.
Hier sind meine 10 wichtigsten Tipps, wie du diesen „Painterly-Look“ erreichst und deine KI-Bilder auf das nächste Level hebst.
1. Die Auflösung erhöhen (Upscaling mit Verstand)
KI-Bilder kommen oft in niedriger Auflösung aus der Maschine (z.B. 1024×1024 Pixel). Für einen malerischen Look brauchst du aber Details.
Bevor du irgendwas in Photoshop machst, scale das Bild hoch. Aber Vorsicht: Einfaches „Bildgröße ändern“ führt zu Matsch.
Nutze spezialisierte Upscaler wie Topaz Gigapixel AI oder die integrierte „Super Resolution“ in Adobe Camera Raw. Diese Tools fügen beim Vergrößern intelligente Details hinzu und schärfen Kanten, ohne Artefakte zu erzeugen. Ziel auf mindestens 4000 Pixel an der langen Kante. Nur so hast du genug „Fleisch“ für Pinselstriche und Texturen.
2. Der Mischpinsel (Mixer Brush) ist dein bester Freund
Vergiss Filtergalerien. Der wahre Schlüssel zum gemalten Look ist Handarbeit.
Das Mischpinsel-Werkzeug in Photoshop ist das mächtigste Tool dafür. Es erlaubt dir, Pixel zu verwischen, als wären sie nasse Ölfarbe.
Einstellung: Wähle einen Pinsel mit borstiger Struktur (nicht die weiche Runde!).
Modus: „Nass“ auf ca. 50%, „Mischen“ auf 50%, „Fluss“ auf 30%.
Technik: Folge den Formen im Bild. Wenn du Haare malst, zieh den Strich in Wuchsrichtung. Wenn du Kleidung malst, folge den Falten.
Du malst quasi über das Foto drüber, aber statt Farbe aufzutragen, verschiebst du die vorhandenen Pixel und brichst die zu perfekten KI-Kanten auf. Das eliminiert den digitalen „Plastik-Look“ sofort.
3. Texturen überlagern (Overlay & Soft Light)
Ein echtes Gemälde ist nie glatt. Es hat Leinwandstruktur, Risse, Unebenheiten.
Such dir hochauflösende Texturen von Leinwand, Papier oder rissigem Lack. Lege diese als neue Ebene über dein Bild.
Blendmodus: Stelle die Ebene auf „Ineinanderkopieren“ (Overlay) oder „Weiches Licht“ (Soft Light).
Deckkraft: Reduziere sie auf 20-40%. Es soll subtil sein, nicht dominant.
Dieser Schritt gibt dem Bild physische Glaubwürdigkeit. Das Auge „fühlt“ die Oberfläche.
4. Farbanpassung mit Color Lookup (LUTs)
KI-Bilder haben oft eine sehr spezifische, digitale Farbpalette. Um das zu brechen, nutze Color Lookup Tables (LUTs).
Das sind vordefinierte Farbprofile, die oft in der Filmindustrie genutzt werden. In Photoshop findest du sie unter den Einstellungsebenen -> Color Lookup.
Probier Profile wie „CrispWarm“ oder „EdgyAmber“. Sie verschieben die Farben in eine harmonischere, filmischere oder malerischere Richtung und binden alle Elemente des Bildes zusammen. Das wirkt oft wie eine Lasur in der klassischen Malerei.
Lichtführung ist alles. KI macht Licht oft flach oder unlogisch.
Erstelle eine neue Ebene, fülle sie mit 50% Grau und stelle den Modus auf „Ineinanderkopieren“. Nutze nun den Abwedler (Dodge) und Nachbelichter (Burn) Werkzeug mit einer weichen Pinselspitze und niedriger Belichtung (ca. 10-15%).
Helle Stellen: Betone Lichter auf Wangenknochen, Nasenspitze, Metall oder Wasser.
Dunkle Stellen: Vertiefe Falten, Schatten unter dem Kinn oder Hintergrundbereiche.
Indem du den Kontrast manuell „malst“, gibst du dem Bild Volumen und Dramatik, wie es ein alter Meister tun würde.
6. Den „Ölfarbe“-Filter (aber richtig!)
Ja, es gibt den Filter „Ölfarbe“ in Photoshop. Und ja, er ist verrufen, weil er oft billig aussieht. Aber richtig angewendet, ist er Gold wert.
Der Trick: Wende ihn nicht auf das ganze Bild an!
Dupliziere deine Ebene.
Wende Filter -> Stilisierungsfilter -> Ölfarbe an. (Werte: Stilisierung ca. 3-4, Reinheit ca. 7-8).
Erstelle eine schwarze Maske (alles ausblenden).
Male nun mit einem weißen Pinsel den Effekt nur dort rein, wo du Pinselstriche sehen willst (z.B. Hintergrund, Kleidung, Haare).
Lass Gesichter (besonders Augen) aus! Der Filter macht Gesichter oft gruselig verzerrt.
7. Chromatische Aberration und Rauschen hinzufügen
Digitale Perfektion ist der Feind des Malerischen. Alte Linsen und Augen haben Fehler.
Körnung: Füge eine Ebene mit 50% Grau hinzu (Modus: Ineinanderkopieren) und wende Filter -> Rauschfilter -> Rauschen hinzufügen an (ca. 3-5%, Monochromatisch). Das bricht die zu glatten Verläufe auf.
Chromatische Aberration: Nutze den Objektivkorrektur-Filter, um die Farbkanäle an den Rändern minimal zu verschieben. Das lässt das Bild weniger wie eine Computergrafik und mehr wie eine optische Aufnahme wirken.
8. High Pass Filter für Pinsel-Struktur
Du willst, dass man die Pinselstriche wirklich sieht?
Erstelle eine Kopie aller sichtbaren Ebenen (Strg+Alt+Shift+E).
Wende Filter -> Sonstige Filter -> Hochpass an (Radius ca. 2-4 Pixel).
Stelle den Ebenenmodus auf „Ineinanderkopieren“ oder „Lineares Licht“.
Das schärft nicht nur, sondern hebt die Strukturen hervor, die du vorher mit dem Mischpinsel oder den Texturen angelegt hast. Es gibt dem Bild den „Crunch“.
9. Fehler einbauen (Wabi-Sabi)
KI ist oft zu symmetrisch. Ein gemaltes Bild lebt von Asymmetrie.
Nutze den Verflüssigen-Filter, um Dinge leicht unperfekt zu machen. Ein Auge minimal größer als das andere? Ein Mundwinkel leicht schief? Eine Haarsträhne, die ins Gesicht fällt?
Diese kleinen „Fehler“ machen das Porträt menschlich und handgemacht. Perfektion wirkt künstlich. Charakter wirkt echt.
10. Der finale „Glaze“ (Farbverlauf)
Zum Abschluss, um alles zu vereinen, lege ich oft eine Verlaufsumsetzung (Gradient Map) über das Bild.
Wähle z.B. einen Verlauf von Dunkelviolett zu Hellorange.
Stelle den Ebenenmodus auf „Weiches Licht“ und reduziere die Deckkraft auf 10-20%.
Das wirkt wie der finale Firnis auf einem Ölgemälde. Es zieht alle Farben zusammen und gibt dem Bild eine einheitliche Atmosphäre.
Fazit
Ein KI-Bild ist kein Endprodukt. Es ist Rohmaterial. Wie eine Tube Farbe. Erst durch deine Handarbeit in Photoshop, durch das bewusste Brechen der digitalen Perfektion und das Hinzufügen von menschlicher Struktur wird daraus Kunst.
Probier es aus. Nimm dein bestes KI-Bild und investiere eine Stunde in diese Schritte. Du wirst den Unterschied nicht nur sehen, sondern fühlen.
Meine Blogartikel basieren auf meinem echten Workflow als digitaler Künstler. Die Struktur und Formulierung entstehen in Zusammenarbeit mit KI, um die Gedanken klar und lesbar auf den Punkt zu bringen. Die Tipps selbst stammen aus jahrelanger Erfahrung in Photoshop und Synthografie.
Das Internet ist ein seltsamer Ort. Es vergisst nichts, aber es erklärt auch nicht immer, was sich verändert hat. Manchmal stoßen Leute auf meine alten Tutorials, sehen Bilder von Workshops aus einer ganz anderen Zeit oder finden Beiträge, die vor zehn Jahren viral gingen. Und dann taucht diese Frage auf. Sie ist nie böse gemeint, meistens eher neugierig oder sogar nostalgisch:
„Sag mal, was macht der eigentlich heute? Gibt’s noch Workshops? Kann man ihn buchen? Oder hat er sich zur Ruhe gesetzt?“
Da diese Fragen in letzter Zeit wieder häufiger in meinem Postfach landen, dachte ich mir: Es ist Zeit für ein Update. Ohne Marketing-Sprech, ohne künstliche Verknappung, einfach Tacheles. Denn das Leben als Kreativer ist kein statischer Zustand, sondern eine ständige Metamorphose.
Hier also ein paar ehrliche Antworten auf die Fragen, die euch beschäftigen.
Die Sache mit den Workshops: Kommst du noch zu uns?
Die kurze, schmerzlose Antwort lautet: Eher nicht.
Die lange Antwort hat viel mit der Realität da draußen zu tun. Früher war das mein täglich Brot. Ich war viel unterwegs, in Deutschland, in Österreich, manchmal darüber hinaus. Wir hatten volle Räume, tolle Energie, von kleinen Intensiv-Gruppen bis zu großen Seminaren. Es ging um Photoshop, um Composing, um den „Brownz-Look“. Das waren großartige Zeiten, an die ich mich gerne erinnere.
Aber Workshops sind Kraftakte. Sie bedeuten Vorbereitung, Reisezeit, Technik-Schleppen und vor allem: Energie halten für zwanzig Leute gleichzeitig. Dann kam Corona und hat die Landschaft der Veranstalter ziemlich brutal umgepflügt. Viele Locations gibt es nicht mehr, Budgets sind geschrumpft, und die Prioritäten haben sich verschoben.
Heute bekomme ich zwar noch Anfragen – und darüber freue ich mich –, aber oft scheitert es an der Realität. Wenn wir über Honorare, Reisekosten und Logistik sprechen, wird es oft still. Und – Hand aufs Herz – ich habe auch einfach keine Lust mehr auf das Abenteuer „Deutsche Bahn“. Wer regelmäßig fährt, weiß, dass Pünktlichkeit dort eher ein theoretisches Konzept ist. Wenn ich einen Workshop geben soll, will ich entspannt und fokussiert sein, nicht gestresst, weil ich sechs Stunden auf einem Gleis stand.
Heißt das „nie wieder“? Nein. Wenn ein Veranstalter ein wirklich professionelles, faires Paket schnürt, bei dem alles passt, bin ich gesprächsbereit. Aber ich jage dem nicht mehr aktiv hinterher.
Einzelcoachings: Ja, aber nach meinen Regeln
Hier ist die Tür weit offen: Ja, es gibt noch Coachings.
Aber ich habe das Konzept radikal vereinfacht. Ich reise dafür nicht mehr durch die Gegend. Wer mit mir arbeiten will, kommt zu mir nach Linz.
Warum? Weil ich hier meine gewohnte Umgebung habe, meine Technik, meine Ruhe. Wir treffen uns, maximal zu zweit (denn Coaching bedeutet für mich individuelle Betreuung, keine Massenabfertigung), und dann gehen wir ans Eingemachte.
Was wir da tun, liegt komplett an dir. Manche wollen Photoshop-Workflows zerlegen, andere brauchen Hilfe bei der Portfolio-Strategie oder wollen wissen, wie sie ihren eigenen Stil finden. Oft sitzen wir einfach stundenlang vor Bildern, analysieren, optimieren und reden über Kunst. Das ist intensiv, das ist ehrlich und es bringt meistens mehr als jedes Online-Tutorial.
Und es gibt eine gute Nachricht für alle Interessenten: Ich habe den Preis für die Tagescoachings dauerhaft um 100 Euro gesenkt. Nicht, weil das Wissen weniger wert ist, sondern weil ich möchte, dass es zugänglich bleibt. Die Zeiten sind für alle teurer geworden, da muss ich nicht auch noch an der Preisschraube drehen.
Die Frage aller Fragen: Fotografierst du noch?
Das hier überrascht die meisten am stärksten: Eigentlich nicht mehr.
Zumindest nicht so, wie man sich das klassisch vorstellt. Der Cut kam schleichend, aber konsequent um das Jahr 2015 herum. Bis dahin war ich im klassischen Rhythmus: Model suchen, Termin finden, Location scouten, Shooting durchziehen.
Irgendwann habe ich gemerkt, dass mich das Organisatorische auffrisst. Terminabsprachen, spontane Absagen, Missverständnisse, Erwartungshaltungen – das ganze Drumherum wurde mir zu mühsam. Ich habe gemerkt, dass ich kein Dienstleister bin, der Wünsche erfüllt, sondern ein Künstler, der eine Vision hat. Und das verträgt sich oft schwer mit dem klassischen Shooting-Alltag.
Ich liebe die Fotografie immer noch. Aber ich muss nicht mehr jedes Wochenende hinter der Kamera stehen. Wenn sich heute eine Kooperation ergibt, dann auf einer ganz anderen Ebene: „Ich mag deine Kunst, du magst meine Kunst, lass uns was zusammen erschaffen.“ Das ist Partnerschaft, keine Dienstleistung. Und nur so macht es mir heute noch Spaß.
Das legendäre XXL-Archiv
Viele von euch kennen noch mein XXL-Archiv mit Texturen, Presets und Tutorials. Früher war das ein offizielles Produkt im Shop. Das ist vorbei.
Offiziell gibt es das Archiv nicht mehr zu kaufen. Aber es ist nicht aus der Welt. Wer zum Einzelcoaching kommt, kann sich die Daten einfach mitnehmen. Und für alle anderen habe ich eine Lösung gefunden, die mir sehr am Herzen liegt: Vertrauen.
Wer etwas Bestimmtes sucht, ein altes Tutorial braucht oder Daten haben möchte, schreibt mir einfach eine Mail. Wir regeln das dann auf freiwilliger Spendenbasis via PayPal. Es gibt keinen festen Preis. Du gibst das, was es dir wert ist.
Und wisst ihr was? Das funktioniert fantastisch. Ich habe damit nur positive Erfahrungen gemacht. Es ist erstaunlich, wie fair Menschen sind, wenn man ihnen auf Augenhöhe begegnet. Viele nutzen das sogar als „Mini-Coaching“ per Mail und schicken mir danach eine Spende als Dankeschön. Dafür bin ich wirklich dankbar. Es zeigt mir, dass die Community intakt ist.
Wovon lebst du dann eigentlich?
Eine berechtigte Frage, wenn man keine Workshops und keine Shootings mehr macht. Die Antwort ist unspektakulär solide: Ich arbeite in Teilzeit für eine Firma. Dort betreue ich Webseiten, produziere Videos, kümmere mich um einen Online-Campus und erstelle Content.
Das ist der perfekte Mix für mich. Es gibt mir finanzielle Sicherheit und Bodenhaftung, aber da es „nur“ Teilzeit ist, bleibt mir das Wichtigste erhalten: Zeit.
Zeit für meine Kunst. Zeit für Experimente. Zeit, um mich mit neuen Themen wie Synthografie und KI zu beschäftigen, die gerade die gesamte kreative Welt auf den Kopf stellen. Ich bin heute experimenteller und freier in meiner Arbeit als je zuvor, weil ich nicht mehr davon abhängig bin, dass ein Shooting am Wochenende die Miete zahlt.
Ein kleines Danke zum Schluss
In den letzten Monaten sind die ersten Kunst-Bestellungen aus Deutschland eingetrudelt. Alles hat reibungslos geklappt – Versand, Zoll, Abwicklung. Das freut mich riesig.
Kunst zu verkaufen ist ein seltsames, wunderbares Geschäft. Man arbeitet monatelang im stillen Kämmerlein an einem Bild, und dann, oft Monate später, findet dieses Bild genau die eine Person, für die es gemacht wurde. Das ist kein Algorithmus-Ding, das ist ein menschlicher Moment. Wenn jemand Geld in die Hand nimmt, um sich etwas von mir an die Wand zu hängen, ist das die größte Ehre, die man mir erweisen kann.
Also, zusammengefasst: Ich bin noch da. Ich bin aktiv. Aber ich habe meinen Fokus verschoben. Weg vom Dienstleister, hin zum Künstler und Mentor im kleinen Kreis.
Wenn ihr Fragen habt, schreibt mir. Ich bin kein Konzern, ich habe keine Hotline – ich bin nur ein Typ, der gerne Mails liest und versucht zu helfen, wo er kann.
Wir sehen uns – online oder vielleicht mal in Linz.
Wisst ihr noch? Damals, als wir Photoshop CS2 installiert haben und dachten, wir wären die Könige der Welt, weil wir den Zauberstab gefunden hatten? Seit über 35 Jahren begleitet uns dieses Programm. Es ist der Industriestandard, das Schweizer Taschenmesser, der Endgegner.
Aber mit großer Macht kommen große Mythen.
Über die Jahrzehnte haben sich Halbwahrheiten in unsere Gehirne gebrannt, die wir wie heilige Mantras weitergegeben haben. „Mach das bloß nicht so!“ „Das geht nur im LAB-Modus!“ „JPEG ist der Teufel!“
Wir schreiben das Jahr 2026. Photoshop ist eine KI-getriebene Bestie geworden. Es ist Zeit, aufzuräumen. Ich habe tief gegraben, alte Handbücher gewälzt (ja, aus Papier!) und Foren-Threads von 2004 durchsucht, um die 10 hartnäckigsten Mythen zu finden – und sie endgültig zu beerdigen.
Schnallt euch an. Es wird schmerzhaft ehrlich.
Mythos 1: „CMYK ist Pflicht, sonst explodiert die Druckmaschine!“
Der Glaube: Wenn du ein Bild für den Druck vorbereitest, musst du es in Photoshop in CMYK umwandeln. Sofort. Am besten gestern. Wenn du dem Drucker ein RGB-Bild schickst, wird er dich auslachen, deine Datei verbrennen und dich auf eine schwarze Liste setzen.
Die Realität 2026: Das ist der Zombie unter den Mythen. Er stirbt einfach nicht. Ja, Drucker drucken mit Cyan, Magenta, Gelb und Schwarz. Aber: Moderne RIPs (Raster Image Processors) und Druckertreiber sind intelligenter als wir. Sie können RGB-Daten oft besser in den Farbraum ihrer spezifischen Maschine umrechnen als wir es manuell in Photoshop können.
Wenn du dein Bild in Photoshop frühzeitig in CMYK konvertierst, wirfst du Farbinformationen weg. Du beschneidest deinen Gamut (Farbumfang). Du verlierst Filter, die nur in RGB funktionieren. Und wenn der Drucker dann sagt: „Oh, wir drucken das auf unserem neuen 8-Farben-Inkjet“, hast du ein Problem, weil dein CMYK-Bild wie ein trüber Herbsttag aussieht.
Die Wahrheit: Arbeite in RGB (am besten Adobe RGB oder ECI-RGB) so lange wie möglich. Konvertiere erst beim PDF-Export oder lass den Drucker das machen. Außer, dein Drucker verlangt explizit ein spezifisches CMYK-Profil. Dann gehorche. Aber nur dann.
Quelle: Standard-Praxis in modernen Prepress-Workflows seit ca. 2015, bestätigt durch Adobe Whitepapers zur PDF/X-4 Standards.
Mythos 2: „Mehr DPI ist immer besser!“
Der Glaube: „Ich brauche das Bild in 600 dpi! Nein, 1200 dpi! Fürs Web!“ DPI (Dots Per Inch) wurde zur magischen Zahl für Qualität. Viele dachten, wenn sie in Photoshop einfach die Zahl bei „Bildgröße“ hochdrehen, wird das Bild schärfer.
Die Realität 2026: DPI ist eine Metadatakennzeichnung. Sie ist völlig irrelevant, solange das Bild nicht gedruckt wird. Ein Bild mit 1000×1000 Pixeln ist auf dem Bildschirm immer gleich groß, egal ob da 72 dpi oder 3000 dpi in den Metadaten steht.
Noch schlimmer: Das Hochrechnen (Upscaling) war früher eine Todsünde. „Interpolation“ war ein Schimpfwort. Man bekam Pixelmatsch. Heute, in Photoshop 2026, haben wir „Super Resolution“ und KI-Upscaler, die auf neuronalen Netzen basieren (Danke, Adobe Sensei). Wir können Bilder um 400% vergrößern, und die KI erfindet Details dazu, die logisch sind.
Die Wahrheit: Pixelmaße (Breite x Höhe) sind das Einzige, was zählt. DPI ist nur eine Anweisung für den Drucker, wie dicht er diese Pixel quetschen soll. Und Hochskalieren ist dank KI kein Tabu mehr, sondern tägliche Praxis.
Quelle: Adobe Help Center: „Image size and resolution“; diverse Tech-Blogs zu „Super Resolution“ in Camera Raw (eingeführt ca. 2021).
Mythos 3: „Der Zauberstab ist ein Werkzeug für Amateure“
Der Glaube: Echte Profis benutzen das Zeichenstift-Werkzeug (Pfad). Sie setzen Ankerpunkte. Sie ziehen Bezier-Kurven. Wer den Zauberstab benutzt, ist faul und produziert ausgefranste Kanten.
Die Realität 2026: Früher? Ja. Der Zauberstab in Photoshop 7.0 war so präzise wie eine Schrotflinte im Dunkeln. Heute? Der Zauberstab (und seine Kinder: Schnellauswahl, Objektauswahl, Motiv auswählen) ist pure Magie. Dank maschinellem Lernen erkennt Photoshop den Unterschied zwischen einem Haar und dem Hintergrund, zwischen einem Pullover und einer Wiese.
Der „Pfad-Snobismus“ hält sich wacker, aber er ist ineffizient. Warum soll ich 20 Minuten lang Punkte setzen, wenn „Motiv auswählen“ in 2 Sekunden eine 99% perfekte Maske liefert, die ich nur noch kurz im „Auswählen und maskieren“-Arbeitsbereich verfeinern muss?
Die Wahrheit: Profis nutzen das Werkzeug, das am schnellsten zum besten Ergebnis führt. 2026 ist das meistens die KI-gestützte Auswahl. Der Pfad ist für geometrische Formen und Freisteller von Industrieprodukten immer noch King, aber für alles Organische ist er Zeitverschwendung.
Quelle: Eigene Erfahrung jedes Retuscheurs seit Einführung der „Select Subject“-Funktion (ca. 2018) und deren massiver Verbesserung durch KI-Modelle.
Mythos 4: „JPEG zerstört dein Bild bei jedem Speichern!“
Der Glaube: Jedes Mal, wenn du ein JPEG öffnest und wieder speicherst, verliert es Qualität. Wenn du das zehnmal machst, hast du nur noch digitale Suppe.
Die Realität 2026: Theoretisch stimmt das. JPEG ist verlustbehaftet. Bei jedem Speichervorgang wird neu komprimiert, und Artefakte (Blockbildung) entstehen. ABER: Der Effekt wurde maßlos übertrieben. Wenn du ein JPEG mit hoher Qualität (Stufe 10-12 in Photoshop) speicherst, sind die Verluste für das menschliche Auge selbst nach mehreren Durchgängen kaum sichtbar.
Außerdem: Wer speichert denn 2026 noch destruktiv? Wir arbeiten in PSD, PSB oder TIFF mit Ebenen. Das JPEG ist nur der finale Export. Niemand bearbeitet ein JPEG, speichert es, öffnet es wieder, bearbeitet es weiter, speichert es wieder. Das ist kein Workflow, das ist Masochismus.
Die Wahrheit: Ja, JPEG ist verlustbehaftet. Nein, dein Bild zerfällt nicht zu Staub, wenn du es einmal als JPEG speicherst. Für den Endkunden ist es immer noch das kompatibelste Format der Welt (auch wenn WEBP und AVIF im Web aufholen).
Quelle: Generation Loss Tests (z.B. auf YouTube oder Tech-Blogs), die zeigen, dass erst nach dutzenden Speicherungen bei niedriger Qualität signifikante Schäden auftreten.
Mythos 5: „Du musst den Farbraum LAB benutzen, um Farben richtig zu korrigieren!“
Der Glaube: Es gab eine Zeit (danke, Dan Margulis!), da war LAB der heilige Gral. Der Farbraum, der Helligkeit (L) von Farbe (A und B) trennt. Profis schworen darauf: „Schärfen nur im L-Kanal!“, „Farbboost nur in A und B!“
Die Realität 2026: LAB ist mächtig. Extrem mächtig. Aber es ist auch extrem unintuitiv. Und Photoshop hat aufgeholt. Funktionen wie „Dynamik“ (Vibrance), moderne Gradationskurven und vor allem die Raw-Konverter (Camera Raw / Lightroom) erlauben uns heute Eingriffe in RGB, die früher nur in LAB möglich waren.
Wir können Helligkeit und Sättigung getrennt steuern, ohne den Farbraum zu wechseln. Die Neural Filters erlauben Farbveränderungen, die weit über das hinausgehen, was mathematische Kurven in LAB leisten können (z.B. „Färbe den Winter in Sommer um“).
Die Wahrheit: LAB ist cool für Nerds. Für 99% der Anwender ist es ein unnötiger Umweg. Bleib im RGB, nutze Einstellungsebenen, nutze Camera Raw als Filter. Das Ergebnis ist genauso gut, und dein Gehirn verknotet sich nicht.
Quelle: Dan Margulis‘ Bücher („Photoshop LAB Color“) sind legendär, aber moderne Tutorials (Phlearn, PiXimperfect etc.) zeigen, dass RGB-Workflows heute dominieren.
Mythos 6: „Photoshop ist nur für Fotos!“
Der Glaube: Photoshop = Photo Shop. Name sagt alles. Für Logos nimmst du Illustrator. Für Layouts InDesign. Für Video Premiere. Wer in Photoshop ein Logo baut, gehört eingesperrt.
Die Realität 2026: Jein. Logos gehören immer noch in Vektoren (Illustrator). Ein Flyer mit 50 Seiten Text gehört in InDesign. ABER: Photoshop ist längst eine Hybrid-Maschine. Es kann Vektoren (Formebenen). Es kann Video (ja, du kannst in Photoshop schneiden und color graden!). Es kann 3D (obwohl Adobe die alten 3D-Funktionen gekillt und durch Substance-Integration ersetzt hat). Es ist das Standard-Tool für UI/UX-Design (zumindest war es das vor Figma), für Digital Painting, für Matte Painting.
Viele der besten digitalen Kunstwerke sind keine Fotos, sondern reine Malerei oder 3D-Composings, die nie eine Kamera gesehen haben.
Die Wahrheit: Photoshop ist eine Pixel-Manipulations-Plattform. Was diese Pixel darstellen – Foto, Schrift, Grafik, Videoframe – ist dem Programm egal. Es ist das universellste visuelle Werkzeug, das wir haben. Aber bitte, baut keine Buchmanuskripte darin.
Quelle: Adobes eigene Feature-Liste und die Portfolios von Concept Artists auf ArtStation.
Mythos 7: „Macs sind besser für Photoshop als PCs!“
Der Glaube: Kreative arbeiten am Mac. Punkt. Das Farbmanagement ist besser, es stürzt nie ab, es sieht cooler aus. PCs sind für Buchhalter.
Die Realität 2026: Das ist der Heilige Krieg. Fakt ist: Photoshop (der Code) ist auf beiden Plattformen fast identisch. Fakt ist auch: Du kannst dir für den Preis eines High-End MacBook Pro einen PC bauen, der leistungsmäßig Kreise um den Apfel dreht (besonders bei GPU-intensiven KI-Aufgaben). Aber: Die neuen Apple Silicon Chips (M4, M5 etc.) sind Wunderwerke der Effizienz.
Das Argument „Macs haben besseres Farbmanagement“ stammt aus den 90ern. Windows kann das heute auch. Abstürze? Haben beide. Bugs? Adobe diskriminiert nicht, die verteilen Bugs gerecht an alle.
Die Wahrheit: Es ist eine Frage des Geschmacks und des Budgets. Photoshop läuft auf beiden Systemen hervorragend. Die „Industry Standard“-Dominanz von Apple bröckelt, besonders im 3D- und High-End-Compositing-Bereich, wo man NVIDIA-Karten braucht.
Quelle: Benchmark-Tests von Puget Systems (die Goldstandard für Hardware-Tests im Kreativbereich sind).
Mythos 8: „Retusche muss man sehen!“ (Der Plastik-Look)
Der Glaube: Haut muss glatt sein wie eine Porzellanpuppe. Augen müssen leuchten wie Scheinwerfer. Zähne müssen weißer sein als #FFFFFF. Das war der Look der 2000er und frühen 2010er.
Die Realität 2026: Dieser Look wird heute als „Bad Photoshop“ bezeichnet. Dank Frequenztrennung (Frequency Separation) und Dodge & Burn wissen wir, wie man Hautunreinheiten entfernt, ohne die Porenstruktur zu zerstören. Wir wissen, dass echte Menschen Textur haben. Wir wissen, dass Schatten Gesichtszüge definieren.
Noch wichtiger: Die KI hat das Spiel verändert. Die „Neural Filters“ zur Hautglättung waren am Anfang furchtbar (Plastik!). In Version 2026 sind sie so intelligent, dass sie Porenstruktur generieren, wo sie fehlen, anstatt sie weichzuzeichnen.
Die Wahrheit: Die beste Retusche ist die, die man nicht sieht. Wenn jemand sagt: „Wow, tolles Foto!“, hast du gewonnen. Wenn jemand sagt: „Wow, tolle Retusche!“, hast du verloren. Natürlichkeit ist der neue Perfektionismus.
Quelle: Trends in der Modefotografie (Vogue, Harper’s Bazaar) der letzten 5 Jahre, weg vom Airbrush hin zu „Raw & Real“.
Mythos 9: „Ebenenmasken sind kompliziert!“
Der Glaube: Anfänger benutzen den Radiergummi. Profis benutzen Masken. Aber Masken sind dieses schwarz-weiße Ding, das keiner versteht. „Schwarz verbirgt, Weiß enthüllt“ – das Mantra, das Einsteiger verzweifeln lässt.
Die Realität 2026: Der Radiergummi ist destruktiv. Pixel weg = Pixel weg. Masken sind non-destruktiv. Pixel versteckt = Pixel noch da. Das ist der wichtigste Unterschied in Photoshop.
Und kompliziert? Nicht mehr. „Motiv auswählen“ erstellt die Maske für dich. „Himmel auswählen“ erstellt die Maske für dich. Der Pinsel malt einfach drauf. Die Eigenschaften-Palette erlaubt es dir, die Kante der Maske nachträglich weichzuzeichnen oder zu verschieben.
Die Wahrheit: Wer 2026 noch den Radiergummi benutzt (außer für ganz spezifische Spezialfälle), arbeitet fahrlässig. Masken sind das Fundament von Photoshop. Sie sind nicht kompliziert, sie sind logisch. Und dank KI-Vorarbeit muss man sie oft nicht mal mehr manuell malen.
Quelle: Jedes seriöse Photoshop-Grundlagentraining seit Photoshop 3.0 (Einführung von Ebenen).
Mythos 10: „Die KI macht uns arbeitslos!“ (Der finale Endgegner)
Der Glaube: Seit Firefly, Midjourney und Stable Diffusion aufgetaucht sind, herrscht Panik. „Warum soll ich Photoshop lernen, wenn ich einfach ‚Mach Bild schön‘ in ein Textfeld tippen kann?“ „Bildbearbeiter werden aussterben!“
Die Realität 2026: Schau dich um. Bist du arbeitslos? Sind die Agenturen leer? Nein. Die Rolle hat sich verändert. Früher haben wir Stunden damit verbracht, einen Himmel freizustellen oder eine Krawatte umzufärben. Das macht jetzt die KI in Sekunden. Was machen wir mit der gewonnenen Zeit? Wir werden zu Regisseuren. Wir werden zu Kuratoren. Wir nutzen „Generative Füllung“, um Hintergründe zu erweitern. Wir nutzen „Generative Recolor“, um Varianten zu testen. Wir nutzen KI, um Assets zu erstellen, die wir dann in Photoshop zusammenbauen (Composing).
Die KI liefert oft Ergebnisse, die zu 80% gut sind. Die letzten 20% – der Look, das Branding, die physikalische Korrektheit, die Seele – das machen wir. In Photoshop. Photoshop ist nicht gestorben. Es hat die KI gefressen und integriert. Es ist das Cockpit, in dem wir die KI steuern.
Die Wahrheit: KI ersetzt nicht den Künstler. Ein Künstler, der KI nutzt, ersetzt den Künstler, der es nicht tut. Photoshop 2026 ist kein Malprogramm mehr. Es ist eine Zentrale für visuelle Synthese. Wer das Werkzeug beherrscht, ist mächtiger denn je. Wer sich verweigert, wird abgehängt.
Quelle: Der Arbeitsmarkt 2024-2026. Die Nachfrage nach „High-End Retouching“ und „Creative Composition“ ist stabil, aber die Anforderungen an Geschwindigkeit und Flexibilität sind gestiegen.
Fazit: Glaub nicht alles, was im Internet steht (außer diesem Artikel)
Photoshop ist eine Reise. Was 1995 wahr war, ist heute falsch. Was 2010 „Best Practice“ war, ist heute Zeitverschwendung. Das Wichtigste, was du als Experte 2026 wissen musst, ist nicht, wie man eine bestimmte Technik anwendet. Sondern warum. Und ob es einen schnelleren, besseren Weg gibt.
Die Mythen sind bequem. Sie geben uns das Gefühl, Bescheid zu wissen. Aber sie halten uns zurück. Also: Trau dich, in RGB zu bleiben. Trau dich, die KI-Auswahl zu nutzen. Trau dich, deine Hautstruktur zu behalten. Und um Himmels willen, hör auf, Angst vor JPEGs zu haben.
Ein kleiner Liebesbrief an alle, die früher Nächte mit Lasso‑Kanten, Clone‑Stamp‑Zittern und Ebenen‑Tetris verbracht haben.
Wenn du Photoshop schon vor der Creative‑Cloud‑Ära benutzt hast, kennst du diese Rituale: Freistellen bis die Hand krampft, Staub wegstempeln bis der Screen glüht, und am Ende sieht’s trotzdem nach Bastelstunde aus.
Hier sind zehn Aufgaben, die früher objektiv nervig waren – und die Photoshop heute (Stand 2026) massiv entschärft hat. Nicht, weil wir fauler geworden sind… sondern weil Zeit die einzige echte Währung ist.
1) Freistellen wie ein Zahnarzttermin (Lasso + Fluchen) → Select Subject & Object Selection
Früher: Du malst Pixel für Pixel eine Idee von „Kante“. Heute: Objekt anhovern, klicken, fertig – und dann mit „Select and Mask“ sauberziehen. Pro‑Move: Erst „Select Subject“, dann im Objekt‑Selection‑Tool Details nachkorrigieren, anschließend „Select and Mask“ für die letzten 10% Magie.
Früher: Refine Edge‑Brush, Gebete, komische Halos. Heute: „Refine Hair“ im Select‑and‑Mask‑Workspace nimmt dir den größten Schmerz raus. Pro‑Move: In Select & Mask verschiedene View‑Modes durchklicken (On Black/On White), bis du die Wahrheit siehst.
3) „Bitte entferne diesen Menschen aus meinem Bild“ → Remove Tool (inkl. Find Distractions)
Früher: Clone Stamp + Healing Brush in Endlosschleife. Heute: Remove Tool kann sogar „Wires and cables“ oder „People“ automatisch erkennen und wegwischen. Pro‑Move: Erst „Find distractions“, dann mit einem zweiten, kurzen Brush‑Pass nachpolieren.
4) Content‑Aware Fill war früher Glücksspiel → Content‑Aware Fill Workspace
Früher: Shift+F5 und hoffen, dass Photoshop deine Intention errät. Heute: eigener Workspace, Sampling‑Area steuerbar, Ergebnis kontrollierbar. Pro‑Move: Sampling‑Area aktiv „komponieren“, als würdest du dem Algorithmus zeigen, wo die guten Pixel wohnen.
5) Lokale Anpassungen: „Maske bauen oder sterben“ → Camera Raw Masking (People/Landscape/Sky usw.)
Früher: Kanäle, Luminanzmasken, 12 Ebenen, 3 Kaffee. Heute: Camera Raw Masking erkennt People und sogar Körper‑Details oder Landscape‑Elemente (z. B. Sky, Water, Vegetation). Pro‑Move: Erst grob in Camera Raw maskieren (Licht/Farbe), dann in Photoshop fein retuschieren – hybrid gewinnt.
6) Kompositing sah oft nach Copy‑Paste aus → Harmonize / Perfect‑Blend‑Style Features (Beta)
Früher: Licht, Farbe, Schatten manuell matchen (und es sieht trotzdem „reingeklebt“ aus). Heute: Harmonize (Beta) kann Added Elements automatisch an Licht/Color/Shadows anpassen. Pro‑Move: Harmonize als Startpunkt, danach klassisch mit Curves/Blend‑If „finishen“, damit’s nach Kino aussieht.
Früher: Actions, Third‑Party‑Plugins, oder akzeptieren, dass’s crunchy bleibt. Heute: Neural Filters geben dir schnelle, nicht‑destruktive Abkürzungen. Pro‑Move: Output auf neue Ebene/Smart Filter, damit du jederzeit zurückrudern kannst.
8) Perspektive/Verzerrung: Ebenen‑Yoga → moderne Transform‑Workflows
Früher: Free Transform + Warp + Augenmaß. Heute: Workflows sind stabiler, Smart Objects sind Standard, und du arbeitest viel häufiger non‑destruktiv. Pro‑Move: Alles, was „eigentlich noch nicht final“ ist, wird Smart Object. Punkt.
9) „Wo war nochmal diese Schrift?“ → Fonts & typografischer Flow in Creative Cloud
Früher: Font‑Management wie Archäologie. Heute: Creative Cloud Fonts sind integriert, du verlierst weniger Zeit im Font‑Friedhof. Pro‑Move: Einmal ein Brand‑Set definieren (2–3 Schriften), dann konsequent bleiben – nicht jede Datei braucht 17 Typo‑Persönlichkeiten.
10) Feedback‑Runden per Screenshot‑Pingpong → moderne Share/Review‑Workflows
Früher: JPEG exportieren, Mail, Missverständnisse, neue Version, noch eine Version… Heute: Share/Review‑Mechaniken und Cloud‑Workflows sparen Zeit, wenn du mit Kunden/Team arbeitest. Pro‑Move: Kommentarrunden früh machen – bevor du 4 Stunden in Mikro‑Retusche versenkst.
**Mini‑Fazit:** Photoshop ist nicht „einfach nur schneller“ geworden – es ist an den richtigen Stellen **weniger sadistisch**. Die Kunst ist jetzt: diese Abkürzungen so einzusetzen, dass dein Stil nicht verwässert, sondern sauberer durchkommt.
Wenn du willst, mache ich dir daraus auch eine **Checkliste für deinen Workflow** (Retusche / Compositing / Synthography‑Finish), damit du in jeder Session automatisch im Turbo‑Modus landest.
Es gibt Leute, die reden über Kreativität. Und es gibt Leute, die machen einfach. Seit Jahrzehnten. Ohne zu fragen, ob das gerade Trend ist.
Ich gehöre zur zweiten Kategorie.
Mein Name ist Peter Braunschmid. Die meisten kennen mich als Brownz. Und wenn ich heute zurückschaue auf das, was ich in den letzten vierzig Jahren gemacht habe, dann sieht das auf keinen Fall aus wie ein sauber ausgedruckter Business-Plan. Kein „Jahr 1 Ausbildung, Jahr 3 Praktikum, Jahr 10 Abteilungsleiter.“ Nichts davon.
Es sieht eher aus wie ein Bild, das hundertmal übermalt wurde. Jede Schicht ein Risiko. Jede Schicht eine Entscheidung. Und manche Schichten, die man erst versteht, wenn man weiter draufgemalt hat.
Das ist keine Entschuldigung. Das ist Methode.
Meine Laufbahn ist kein gerader Weg. Sie ist ein Composing. Mit Schnittkanten, Masken, Texturen – und der Fähigkeit, aus Fehlern Stil zu machen. Genau das, was ich seit Jahrzehnten mit Bildern mache, hab ich auch mit meinem Leben gemacht. Manchmal bewusst, manchmal nicht. Aber immer weiter.
1984. Ein Commodore 64. Und keine Ahnung, dass das eine Karriere wird.
Ich fange ganz vorne an.
Ich bin jung, ich bin in Österreich, und ich sitze vor einem Commodore 64. Nach heutigen Maßstäben wäre das nicht mal ein ordentlicher Taschenrechner. Die Farbpalette ist ein schlechter Witz. Die Auflösung ist eine Beleidigung für jeden modernen Bildschirm. Die Disketten haben gerade genug Platz, dass man nachdenken muss, ob sich die Datei lohnt.
Und ich finde das großartig.
Nicht weil ich damals wusste, was daraus wird. Sondern weil mich das Ding fasziniert hat. Weil ich sehen wollte, was möglich ist. Weil es so etwas wie ein digitales Spielfeld war, das es vorher nicht gab.
Was ich in dieser Phase gelernt habe, ist etwas, das ich seitdem nie vergessen habe: Wer in einer begrenzten Umgebung arbeitet, entwickelt keine Angst vor Einschränkungen. Er lernt, sie zu nutzen. Wenn du keine Ebenen hast, baust du Ebenen im Kopf. Wenn du keine perfekten Verläufe hast, erfindest du sie mit Trick und Geduld. Wenn das Ergebnis nicht so aussieht wie der Traum – machst du trotzdem weiter.
Das klingt romantisch, ist aber schlicht Training. Und es erzeugt eine besondere Art von Stolz: nicht auf das Tool, sondern auf das Ergebnis trotz Tool.
Das ist die erste Lektion meiner Biografie. Und ich glaube, sie ist heute relevanter denn je. Weil die Leute gerade alle Werkzeuge haben, die ich mir damals nicht mal vorstellen konnte – und trotzdem oft ratlos vor dem leeren Bildschirm sitzen.
Die Szene, die niemand kannte – und die trotzdem meine erste Kreativschule war
Dann kam der Amiga.
Und mit ihm eine Welt, die heute kaum noch jemand kennt. Die Demo- und Cracking-Szene der späten 80er und frühen 90er war so etwas wie das erste Internet der Kreativen. Kein Algorithmus, keine Follower, keine Likes. Nur eine einzige Frage: Kannst du was liefern?
Ich konnte.
Ich habe in dieser Zeit digitale Bilder verkauft. An Intro- und Cracking-Gruppen, die meine Grafiken als visuelle Identität genutzt haben. Als Schaufenster. Als Erkennungszeichen. Als das, was man heute mit viel Business-Sprache „Branding“ nennen würde.
Das war Jugendkultur, ja. Aber es war auch frühe Kreativökonomie. In dieser Subkultur war Look Währung. Wer liefern konnte, gehörte dazu. Wer nicht liefern konnte, nicht.
Es gab keinen Business-Coach, der mir erklärt hätte, wie das funktioniert. Es gab keinen Algorithmus, der mir gesagt hätte, was gerade gut ankommt. Es gab nur: Auge, Szene, Anerkennung. Oder eben nicht.
Rückblickend war das meine erste kreative Schule. Nicht im romantischen Sinn, sondern im harten Sinn: Du wirst bewertet. Deine Arbeit zählt. Und wenn sie nicht zählt, weißt du es sofort.
Dann kam die Amiga-Zeit mit Spielegrafiken, mit Experimenten, mit Projekten, die nicht immer fertig wurden. Das sage ich bewusst so. Nicht alle Projekte wurden fertig. Ich hab das früher vielleicht als Schwäche gesehen. Heute sehe ich es anders.
„Nicht fertig werden“ ist oft Forschung. Du gehst rein, du lernst, du nimmst das Material mit. Und manchmal baust du Jahre später aus diesem unfertigen Material etwas, das du vorher nicht hättest bauen können.
Der Wechsel: Von der Chemie in die Bilderwelt
Jetzt kommt der Teil meiner Geschichte, über den ich manchmal schmunzeln muss.
Ich bin ausgebildeter Chemielaborant.
Ja, wirklich.
Und dann habe ich 1997 den Schritt gemacht, der alles verändert hat. Ich bin in die Film- und Agenturwelt gewechselt. Montevideo-Film, Monte-Projects, Event- und Werbeagenturarbeit, Museumsprojekte.
Das Jahr 1997 steht deshalb auf meinem Blog als Zeitstempel: „Fine Digital Art since 1997.“ Das ist kein nostalgischer Slogan. Das ist eine Ortsangabe. Eine Markierung, die sagt: Hier hat sich was entschieden.
1997 war „digital“ noch nicht bequem. Photoshop war in Österreich mehr Mythos als Alltag. Es gab kein YouTube mit Tutorials, kein Reddit mit Tipps, kein Instagram mit Inspiration auf Abruf. Wenn du nicht wusstest, wie was ging, musstest du es rausfinden. Durch Ausprobieren. Durch Scheitern. Durch Weitermachen.
Und die Agenturen haben mir das auf ihre eigene, manchmal brutale Art beigebracht.
Weil Agenturarbeit das größte Missverständnis über Kreativität zerstört: dass Ideen das Problem seien.
Ideen sind billig. Umsetzung ist teuer.
Umsetzung bedeutet: saubere Kanten, stimmige Lichtlogik, konsistente Farben, glaubwürdige Perspektiven. Es bedeutet, dass das Bild nicht nur im Kopf funktioniert, sondern auch im Druck, im Banner, im Museumssaal, in der Präsentation vor Menschen, die nicht fragen, wie schön dein Prozess war, sondern ob es „passt.“
Der Kunde will das morgen früh. Das Licht stimmt nicht. Die Perspektive passt nicht. Der Hintergrund ist falsch. Und du löst es trotzdem.
Wer solche Jahre überlebt, hat ein anderes Verhältnis zum Wort „Look.“ Look ist dann nicht Geschmack, sondern eine Reihe von Entscheidungen unter Druck.
Das war meine eigentliche Ausbildung. Nicht der Lehrplan, nicht die Schule, nicht die Zertifikate. Sondern diese Jahre in Agenturen, wo jemand auf dich zeigt und sagt: Ich brauch das bis morgen.
Und du lieferst.
Die Community-Zeit: Bevor irgendjemand Likes kannte
Anfang der 2000er passiert etwas Seltsames.
Menschen fangen an, Bilder ins Internet zu stellen. Ohne zu wissen, was das bedeutet. Ohne Plan, ohne Strategie, ohne Social-Media-Manager im Hintergrund.
Ich bin dabei. Auf U-Boot – für alle, die den Namen nicht kennen: eine Plattform, die von 1999 bis 2013 existiert hat und zwischenzeitlich Millionen registrierter Nutzer im deutschsprachigen Raum hatte. Profile, Gästebücher, Bildalben, Foren. Heute klingt das wie Archäologie. Damals war es revolutionär.
Und diese Zeit hat mich geprägt auf eine Art, die ich damals nicht mal benennen konnte.
In dieser Community habe ich begriffen, dass Wissen keine Einbahnstraße ist. Dass wenn du zeigst, wie du was machst, das nicht dein Können schmälert. Sondern vermehrt.
Die Leute wollten wissen: Welche Ebenen? Welche Maske? Wie hast du das gemacht? Welche Technik steckt dahinter?
Und ich habe geantwortet. Immer. Weil ich selbst so angefangen habe – von anderen zu lernen, Sachen nachzumachen, zu verstehen, bevor ich es selbst gemacht habe.
Das ist der Ursprung von allem, was später kommt. Das Teilen von Wissen ist nicht Altruismus bei mir. Es ist Überzeugung. Wer sein Handwerk wirklich beherrscht, hat keine Angst davor, es zu zeigen. Im Gegenteil.
Und in dieser Phase entstehen auch die ersten richtigen Gemeinschaften. Nicht im Social-Media-Sinn. Sondern im echten Sinn: Menschen, die zusammen etwas entwickeln. Zusammen besser werden. Zusammen eine Ästhetik schaffen.
Das waren die Vorfahren heutiger Creator-Communities. Nur ohne den Business-Layer drüber.
Photoshop, CorelDRAW und die Frage, welches Werkzeug das richtige ist
Mit dem PC verschiebt sich meine Geschichte von Szene zu Beruf. CorelDRAW ist eine Zwischenstation. Dann kommt Photoshop.
Und Photoshop bleibt.
Nicht weil ich keinen anderen gewählt hätte. Sondern weil Photoshop in dieser Zeit das war, was ich brauchte: ein Werkzeug, das mit meiner Denkweise übereinstimmt. Ebenen, Masken, Blendmodi, Schichten. Ich denke in Schichten. Ich habe immer in Schichten gedacht, auch bevor es Photoshop gab. Der Commodore 64 hat mich gelehrt, Ebenen im Kopf zu bauen. Photoshop hat mir gezeigt, dass man das auch auf dem Bildschirm machen kann.
Das klingt simpel. Aber es ist eigentlich alles.
Wer Photoshop wirklich versteht, versteht es nicht als Programm. Er versteht es als Denkmodell. Als eine Art, Probleme zu lösen. Als eine Sprache, in der man visuelle Behauptungen formuliert.
Und ich formuliere seitdem täglich in dieser Sprache.
Vom Forum zur DVD: Als Content noch auf Plastik gebrannt wurde
Um 2005, 2006 beginne ich, Videotrainings ernst zu nehmen.
Nicht weil jemand gesagt hat, dass das eine gute Idee ist. Sondern weil die Fragen aus der Community nicht weniger werden. Weil das Bedürfnis nach strukturiertem Wissen wächst. Weil ich merke, dass ein Forum-Post nicht ausreicht, um wirklich zu erklären, wie etwas funktioniert.
2013 erscheint dann das erste große Video-Training unter dem Label Galileo Press: „Faszinierende Photoshop-Welten mit Peter Brownz Braunschmid.“ DVD-ROM, Komplettworkshop, alles auf einem Datenträger.
Das klingt heute nach Archäologie. DVD-ROM. Ich weiß.
Aber die DVD-Ära hat mich etwas gelehrt, das ich nicht missen möchte: Sie hat mich gezwungen, Dinge zu Ende zu denken.
Wenn du ein Training auf Datenträger veröffentlichst, kannst du nicht am nächsten Tag einen Patch nachliefern. Kein Update, kein „in der nächsten Version erklären wir das besser.“ Du musst Inhalte so bauen, dass sie ohne Kontext bestehen. Dass jemand die Scheibe einlegt, alleine zu Hause sitzt, und trotzdem versteht.
Das ist didaktisches Handwerk. Und didaktisches Handwerk ist verwandt mit Bildhandwerk.
Beides ist Struktur. Beides ist die Fähigkeit, Komplexität so zu organisieren, dass jemand anderes sie benutzen kann. Beides verlangt, dass du weißt, was wichtig ist und was nicht. Dass du Prioritäten setzt. Dass du weglässt, was ablenkt.
Wer das kann, kann auch Bilder machen. Und wer Bilder machen kann, kann das meistens auch erklären.
DOCMA und die Fachmedien: Eine lange Zusammenarbeit
Parallel dazu entstehen die Artikel. In DOCMA, der wichtigsten deutschsprachigen Fachzeitschrift für digitale Bildbearbeitung. In DigitalPHOTO. In Photoshop-Magazinen bei falkemedia.
DOCMA ist für mich mehr als ein Publikationsort. Es ist eine Verbindung zur Gemeinschaft der Menschen, die das, was ich mache, wirklich verstehen. Die nicht fragen, ob das „KI“ ist oder „echte Kunst“, weil sie wissen, dass diese Frage die falsche ist.
Mein Porträt-Workflow wird in DOCMA auf drei Grundschritte heruntergebrochen: Raw-Entwicklung, Textur-Überlagerung, Detailverstärkung. Dazu kommen Downloadpakete mit Presets, Texturen, Videos. Ganze Heftausgaben tragen meinen Workflow als Titelthema.
In DOCMA 98 erscheint „Brownz‘ Porträt-Workflow.“ In DOCMA 99 die „Brownz-Vorgaben.“ In DOCMA 100 gibt es dann einen Blick zurück – mit einem augenzwinkernden Verweis auf „100 Jahre Brownz-Art.“
Das ist kein Jubiläumswitz. Das ist eine Anerkennung, die ich nicht als selbstverständlich nehme. Brownz ist in dieser Szene nicht Gast. Er ist Bestandteil. Das stimmt, und das bedeutet mir was.
In DOCMA werden außerdem „Brownz-Vorgaben“ und Workflows dokumentiert, teils als Gratis-Inhalte, teils als Premium-Pakete. Das ist die Fortsetzung dessen, was in den Community-Foren begann: Wissen in Umlauf bringen. Nicht als Marketing, sondern als Haltung.
In DigitalPHOTO erscheint am 18. November 2016 ein Artikel von mir: „So erstellen Sie ein surreales Fantasy Composing.“ Ich beschreibe darin sehr konkret meine Vorgehensweise. Inspiration sammeln – ein Ordner als Ideenfundus. Austausch mit dem Model, weil das Bild ohne diesen Dialog nicht funktioniert. Shooting in zwei Teilen, weil ich Model und andere Elemente getrennt fotografiere und getrennte Elemente später mehr Freiheit geben. Fotografieren vor grauem Hintergrund, damit das Freistellen sauber wird.
Das klingt nicht glamourös. Soll es auch nicht. Das ist Produktionsrealität. Und wer meine Arbeit verstehen will, muss verstehen, dass bei mir Planung und Ausführung zusammengehören. Das Bild fängt nicht in Photoshop an. Es fängt mit einem Ordner voller Inspiration und einem Gespräch mit dem Model an.
In der falkemedia-Photoshop-Ausgabe 04/2013 gibt es einen Making-of-Workshop zu einem „Photoshop-Wolpertinger“ – eine Montage aus zwei Tierfotos als Einstieg in Ebenen und Masken. Was lustig klingt, ist eigentlich der Kern meines Ansatzes: Ich nehme zwei Dinge, die nicht zusammengehören, und mache sie so glaubwürdig, dass dein Gehirn kurz Ja sagt. Das ist Compositing. Das ist das Handwerk hinter den Bildern.
Wie ein Brownz-Bild wirklich entsteht
Ich möchte an dieser Stelle kurz innehalten und erklären, wie mein Workflow wirklich aussieht. Nicht als Geheimnistuerei, sondern weil ich glaube, dass das Verstehen des Prozesses genauso wichtig ist wie das Ergebnis.
Es fängt mit Sammeln an.
Immer.
Ich habe Ordner mit Inspirationsbildern. Nicht weil ich keine eigenen Ideen hätte, sondern weil Kombinieren die Grundgeste von Kreativität ist. Wer einen Fundus hat, ist nicht mehr abhängig vom Moment. Er kann kombinieren, schichten, übersetzen. Das ist keine Schwäche. Das ist Methode.
Dann kommt der Dialog. Mit dem Model, mit dem Motiv, mit der Idee. Ich habe das in DigitalPHOTO geschrieben und ich sage es hier nochmal: Der Austausch ist wichtig. Nur so kann das Bild funktionieren. Eine Pose, die das Model nicht trägt, trägt auch das Bild nicht. Eine Stimmung, die nicht verhandelt wurde, wirkt im Bild aufgesetzt. Ich nehme mir diese Zeit. Immer.
Dann das Shooting. Meistens getrennte Elemente. Model hier, weiteres Material da, beides vor grauem Hintergrund, damit das Freistellen sauber wird. Das klingt unromantisch – und das ist es auch. Es ist Investition in spätere Freiheit. Wer jetzt sauber arbeitet, kann später alles machen. Wer jetzt schludert, kämpft nachher mit jeder Maske.
Danach erzeuge ich nicht eine Raw-Entwicklung, sondern mehrere. Verschiedene Stimmungen, verschiedene Klimata, verschiedene Richtungen. Und dann schichte ich sie. Ebenen, Blendmodi, Masken. Das ist nicht „einen Look anwenden.“ Das ist Regie. Das ist das Entscheiden, was im Bild wichtig sein darf und was nicht.
Dann Textur. Bei mir ist Textur keine Dekoration. Sie ist Atmosphäre. Sie ist die unsichtbare Schicht, die ein Bild von „clean“ zu „lebt“ kippt. Eine gute Textur macht ein Bild nicht komplizierter. Sie macht es echter.
Dann Detailverstärkung. Mikrokontrast, lokale Schärfe, Akzente da, wo das Auge hingehen soll. Das ist die Phase, in der das Bild aufwacht.
Und dann die entscheidende Frage, die ich mir bei jedem Bild stelle: Stimmt die Physik?
Passt das Licht? Kommen die Schatten von der richtigen Seite? Ist die Perspektive glaubwürdig? Funktioniert das Bild, wenn man es sich vorstellt, als wäre es eine Fotografie?
Diese Frage ist der Kern. Wer sie nicht stellt, baut Effekte. Ich baue Bilder.
Synthografie: Was das Wort bedeutet und warum ich es brauche
Irgendwann brauchte ich ein Wort für das, was ich mache.
Nicht „Fotomontage“ – zu eng. Nicht „digitale Kunst“ – zu weit. Nicht „KI-Kunst“ – komplett falsch.
Synthografie.
Hybrid aus Fotografie, Malerei, digitalen Tools, KI-Komponenten und Photoshop-Kontrolle. Ein Begriff, der sagt: Das hier ist eine Synthese. Nicht eine Sache, sondern viele Dinge zusammen, die erst gemeinsam das werden, was sie sein sollen.
Auf Threads beschreibe ich mich so: „Photoshop & Synthography. DigiArt. DarkArt. Der aus der DOCMA.“
Das ist ein kurzer Satz. Aber er enthält alles: Technik, Verfahren, Genre, Reputation.
Ich verwende KI als Schicht, nicht als Ersatz. Ich nutze generative Tools da, wo sie helfen – und behalte die Kontrolle da, wo sie entscheidet. Der Output interessiert mich nur, wenn er Entscheidungen trägt. Wenn ich sehen kann, dass da jemand – ich – etwas gewollt hat.
Das unterscheidet Synthografie von dem, was viele „KI-Kunst“ nennen.
Der Unterschied ist nicht das Tool. Der Unterschied ist der Anspruch.
Und in einer Zeit, in der jeder ein Bild generieren kann, ist dieser Anspruch das, was zählt.
Physische Werke in einer digitalen Welt: Warum ich Unikate baue
Jetzt wird es für manche vielleicht überraschend.
Ich, der Mann, der seit 1984 digital arbeitet, der Photoshop kennt wie seine Hosentasche, der KI-Tools einsetzt bevor die meisten wussten, wie man das buchstabiert – ich verkaufe meine Arbeiten als physische Unikate.
Auf brownzart.com sind die Werke keine digitalen Dateien. Sie sind Objekte. Synthografie-Basis, aus Handzeichnungen und Foto-Inputs entwickelt, anschließend mit Acryl veredelt. Fine-Art-Print auf William Turner Büttenpapier. Meistens 60 x 90 cm. Handsigniert. Mit Echtheitszertifikat.
Und dann dieser Satz, der alles sagt: „Kein Reprint. Kein zweites Mal.“
Das ist eine bewusste Entscheidung. Eine Gegenbewegung.
In einer Welt, in der alles endlos kopierbar ist, in der ein digitales Bild millionenfach geteilt werden kann ohne dass es sich verändert oder erschöpft, baue ich Seltenheit. Nicht über Blockchain-Rhetorik, nicht über NFT-Spielchen, nicht über künstliche Verknappung.
Sondern über das simpelste Prinzip: Es existiert als Objekt. Einmal. Und wenn es weg ist, ist es weg.
Das klingt altmodisch. Und genau deshalb funktioniert es.
Dazu kommt das Format, das ich „Limited. Iconic. XOXO.“ nenne. Ein Werk, einen Monat, dann weg. Keine zweite Chance, kein Reprint, keine spätere Edition. Das zwingt zur Entscheidung. Und Entscheidungen sind das, was digitale Beliebigkeit meistens nicht produziert.
Ich baue damit etwas, das in der digitalen Kunstwelt selten geworden ist: Vergänglichkeit. Das Gefühl, dass etwas jetzt da ist und nachher nicht mehr. Das ist kein Trick. Das ist eine Aussage über den Wert von Dingen.
Das Wissen als Ökosystem
Neben den Unikaten gibt es das Wissen.
Was früher DVD war, ist heute der Brownz Hub. Ein Jahresabo. Ein „lebendiger Dropbox-Ordner“, der sich ständig füllt. Presets, Texturen, Pinsel, PSD-Strukturen, Videos. Über 400 GB Arbeitsdaten.
Das ist nicht Content im üblichen Sinn. Das ist Produktionskapital.
Der Unterschied ist wichtig: Tutorials schaut man sich an und vergisst sie. Werkzeuge benutzt man jahrelang. Presets, Texturen, Pinsel, PSD-Strukturen – das sind Dinge, die in neuen Bildern immer wieder auftauchen. Die sich verbinden mit neuen Ideen und neuen Projekten. Die mit einem wachsen.
Auf brownzart.com gibt es konkrete Optionen: Digitaler Zugang für 49 Euro, klassisch auf DVDs oder USB-Stick für 69 Euro, und ein „Brownz XXL Archiv“ von über 400 GB auf einer 500-GB-USB-Festplatte für 250 Euro.
Das sind keine abstrakten Pakete. Das sind Archive. Bibliotheken. Ich denke in Datenschichten, nicht nur in Bildschichten. Wissen ist bei mir nicht nur ein Video. Wissen ist ein Bestand. Und wer in einer kreativen Arbeit wirklich produktiv sein will, braucht Bestände, auf die er zurückgreifen kann.
Das Coaching-Angebot ist die dritte Säule: Ein Tag Personal Coaching in Linz, 10 bis 16 Uhr, inklusive über 400 GB Arbeitsdaten und allen BrownzArt Videos für 444 Euro. Für Wiederholungstäter oder Menschen, die das Archiv schon haben, gibt es günstigere Optionen.
„FULL SCALE PHOTOSHOP. 100% Brownz. NO SECRETS.“
Das ist kein Werbeslogan. Das ist eine Haltung. Die Haltung eines Handwerkers, der weiß, dass Geheimnisse nichts bringen. Weil Qualität sowieso keine Frage von Tricks ist. Weil das Handwerk für jeden lernbar ist, der es wirklich lernen will.
Und weil ich selbst so angefangen habe: von anderen lernen, nachfragen, nachbauen, verstehen.
Das Archiv als Superkraft
Es gibt etwas in meiner Arbeitsweise, das ich lange nicht bewusst benennen konnte, das aber vielleicht das Wichtigste ist: Ich denke in Archiven.
Nicht nur in Werken. In Beständen.
Das sieht man an den Zahlen – 400 GB Arbeitsdaten sind kein Zufall. Das sieht man an der Sprache meines Blogs – „Archiv“, „Ordner“, „Bibliothek.“ Das sieht man an der Asset-Mentalität auf DeviantArt, wo ich als „BrownzArt“ mit umfangreichen Galerien präsent bin, darunter Serien zu „Angels“, „Stock and Freeloads“ und Fantasy-Arbeiten, also nicht nur fertige Werke, sondern auch Texturen, PSDs, Backdrops. Dinge, die andere benutzen können.
Das ist eine alte Szene-Haltung, die ich nie abgelegt habe: Wenn eine Ästhetik leben soll, muss sie in Umlauf gehen.
Und für mich persönlich bedeutet das: Ich muss nicht bei jedem Projekt bei Null anfangen. Ich beginne bei Schicht 37. Und Schicht 37 ist meistens spannender als Schicht 1.
Das ist eine stille Superkraft. Wer ein Archiv hat, hat immer Ausgangsmaterial. Wer immer Ausgangsmaterial hat, kann immer weiterbauen. Das macht dich in gewisser Weise unkaputtbar.
Der Blog als Atelier
Mein Blog brownz.art ist dabei mehr als „Blog.“
Er ist eine Werkzeugkiste. Mit Kategorien wie BildLooks, Texturen, Brushes, Plugins, PS Actions, Tools, Making-of. Und daneben die essayistischen Rubriken Kontext und Gelebt. Das ist nicht die Struktur eines Portfolios. Das ist die Struktur eines Ateliers, das neben Leinwänden auch Schubladen hat. Und jede Schublade enthält Dinge, die man später wieder braucht.
In der Kategorie „Art Of Brownz“ sind Werk und Erzählung eng verwoben. Nicht nur Bildposts, sondern auch Texte über Fanprojekte, über Chaos als Methode, über Nächte am Rechner.
In einem Beitrag über „Star Wars Madness“ – einem Fanvideo, das ich in einer Nachtschicht zusammengebaut habe – schreibe ich: „Das Chaos ist nicht der Bug. Das Chaos ist das Feature.“
Das ist, nebenbei, eine sehr zeitgenössische Aussage über generative KI. Wer mit diesen Tools arbeitet, kennt das Chaos. Die Frage ist nur, ob man es wegretuschiert oder in Stil verwandelt.
Ich wähle immer Stil.
Und in einem meiner programmatischen Texte formuliere ich die Grundhaltung, die das alles zusammenhält: „Alles ist Input.“
Damit meine ich kein leeres Motivations-Mantra. Ich meine eine konkrete Praxis: sammeln, archivieren, verdichten. Ein Werbeplakat, das halb abgerissen ist. Eine Textur von einer Wand. Ein Lichtreflex am Asphalt. Ein Foto, das technisch „misslungen“ ist, aber eine Stimmung hat. Alles kann später Schicht werden.
Diese Haltung hat eine Nebenwirkung: Sie macht dich unkaputtbar. Wer immer Input hat, hat immer Ausgangsmaterial. Wer immer Ausgangsmaterial hat, kann immer weiterbauen. Und wer immer weiterbauen kann, kommt nie wirklich zum Stillstand.
Die Brownz-Sprache: Halb Manifest, halb Augenzwinkern
Es gibt noch etwas, das ich erwähnen möchte. Nicht als Eigenlob, sondern als ehrliche Reflexion.
Ich habe über die Jahre eine eigene Sprache entwickelt. Eine Stimme. Die sich durch alles zieht, was ich schreibe und zeige.
Auf meiner „Limited. Iconic. XOXO.“-Seite steht wörtlich: „Kein Reprint. Kein NFT.“ Und danach: weg.
Das ist keine Hochglanz-Galerie-Sprache. Das ist kein akademischer Kunsttext. Das ist direktes Reden. Mit Haltung und mit einem Augenzwinkern. Ich nehme die eigene Kunst ernst, aber ich nehme die Kultur, in der sie verkauft wird, nicht als sakral.
Ich nenne mich selbst manchmal „Der Brownz.“ Weil dieser Name eine Figur ist, die größer ist als mein bürgerlicher Name. Weil Brownz eine Haltung hat, die Peter Braunschmid manchmal erst entwickeln musste.
Und ich glaube, dass genau diese Sprache einen Unterschied macht. In einer Branche, in der alle versuchen, „professionell“ zu klingen, klingt jemand, der einfach redet, wie er denkt, heraus. Nicht laut. Aber klar.
Das zieht Menschen an, die nicht wissen wollen, welche Blendmodes ich verwendet habe, sondern ob das Bild ihnen etwas gibt. Und dann, für die Menschen, die es wissen wollen, liefere ich die Blendmodes gleich mit. Als Presets, als Download, als Coaching.
Das ist das Modell. Und es funktioniert, weil die drei Säulen sich nicht kannibalisieren: Das Kunstwerk bleibt rar und wertig, das Wissen bleibt zugänglich und lebendig, und der direkte Kontakt beim Coaching bleibt das Premium. Jede Säule stützt die anderen.
Warum das 2026 wichtig ist
Zum Schluss möchte ich noch etwas sagen, das über meine persönliche Geschichte hinausgeht.
In der Gegenwart ist Bildproduktion so leicht geworden, dass viele Menschen den Wert von Bildproduktion vergessen. Ein Prompt, ein Klick, ein Output. Doch je leichter das Erzeugen wird, desto wichtiger wird das Kuratieren. Nicht jedes Bild ist ein Werk. Nicht jeder Output ist eine Entscheidung.
Mein Modell – Unikat-Logik, Asset-Kultur, Workflow-Disziplin – ist eine Antwort auf diese Entwertung. Ich setze nicht auf Masse, sondern auf Autorenschaft.
Das ist nicht nostalgisch. Das ist zeitgemäß.
Weil die Frage, die alle stellen – „Kann ich das auch mit KI machen?“ – die falsche Frage ist. Die richtige Frage ist: „Weiß ich, was ich will, bevor das Tool anfängt?“
Wer das weiß, kann jedes Tool benutzen. Wer das nicht weiß, wird vom Tool benutzt.
Ich nutze Tools. Seit 1984. C64, Amiga, PC, Photoshop, CorelDRAW, KI-Generatoren, JSON-Programmierung im Dialog. Jedes davon war ein Werkzeug, das ich eingesetzt habe, um etwas zu sagen. Nie umgekehrt.
Das ist, glaube ich, das Einzige, das wirklich zählt.
Nicht wie lange man dabei ist. Nicht wie viele Tools man kennt. Nicht wie viele Follower man hat.
Sondern ob man weiß, was man sagen will. Und ob man es sagt.
Ich sage es seit 1984. Und ich habe nicht vor aufzuhören.
Peter „Brownz“ Braunschmid ist unter brownzart.com und brownz.art zu finden. Wer tiefer einsteigen will: Der Brownz Hub, die Coachings und die Unikat-Galerie sind dort dokumentiert. Kontakt: brownz@brownz.art
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