Tag Archive: bashing




Es gibt Diskussionen, die mich müde machen. Nicht weil das Thema unwichtig wäre, sondern weil sie so uninformiert geführt werden, dass jede sinnvolle Auseinandersetzung im Keim erstickt.

Die Debatte um künstliche Intelligenz gehört dazu.

Jeden Tag lese ich Kommentare, höre Statements, sehe Posts von Menschen, die sich über „die KI“ aufregen. Die KI nimmt uns die Jobs. Die KI zerstört die Kreativbranche. Die KI ist der Feind.

Und jedes Mal denke ich: Von welcher KI redet ihr eigentlich?

Denn „die KI“ gibt es nicht. Es gibt Dutzende, Hunderte, Tausende verschiedener Anwendungen, Tools, Systeme und Programme. Manche haben miteinander so viel zu tun wie ein Toaster mit einem Teilchenbeschleuniger. Beides nutzt Strom. Damit enden die Gemeinsamkeiten.


Das Problem mit dem Sammelbegriff

Wenn jemand sagt „Ich hasse Autos“, dann weiß ich nicht, was diese Person meint. Hasst sie SUVs? Sportwagen? Elektroautos? Lieferwagen? Den Verkehr allgemein? Die Autoindustrie? Die Parkplatzsituation in der Innenstadt?

Der Begriff „Auto“ ist so breit, dass die Aussage praktisch bedeutungslos wird.

Bei „der KI“ ist es noch schlimmer.

Unter diesem Begriff werden Technologien zusammengefasst, die völlig unterschiedliche Dinge tun:

  • Sprachmodelle wie ChatGPT, Claude oder Gemini, die Texte generieren und Fragen beantworten
  • Bildgeneratoren wie Midjourney, DALL-E oder Stable Diffusion, die visuelle Inhalte erstellen
  • Stimmklonungs-Software wie ElevenLabs, die menschliche Stimmen replizieren kann
  • Musikgeneratoren wie Suno oder Udio, die Songs komponieren
  • Übersetzungstools wie DeepL, die Sprachen konvertieren
  • Analysetools, die Daten auswerten und Muster erkennen
  • Automatisierungssysteme, die Prozesse in Unternehmen optimieren

Das sind nicht verschiedene Versionen desselben Produkts. Das sind grundlegend unterschiedliche Technologien mit unterschiedlichen Anwendungsbereichen, unterschiedlichen Stärken, unterschiedlichen Risiken und unterschiedlichen ethischen Implikationen.

Wer das nicht versteht, kann an der Diskussion nicht sinnvoll teilnehmen.


Das Sprecher-Beispiel: Wenn der Zorn das falsche Ziel trifft

Ich beobachte seit Monaten, wie professionelle Sprecher gegen „die KI“ wettern. Verständlich. Ihre Existenzangst ist real. Die Frage, ob es in zehn Jahren noch bezahlte Sprechjobs gibt, ist berechtigt.

Aber dann sehe ich, wie dieselben Menschen ChatGPT als den großen Feind ihres Berufsstands bezeichnen.

Und da muss ich kurz innehalten.

ChatGPT ist ein Sprachmodell. Es generiert Text. Es kann keine Stimme klonen. Es kann keinen Werbespot einsprechen. Es kann kein Hörbuch produzieren. Es hat mit dem Kernproblem der Sprecherbranche ungefähr so viel zu tun wie ein Taschenrechner mit einem Synthesizer.

Das eigentliche Tool, das die Sprecherbranche verändern wird, heißt ElevenLabs. Oder Murf. Oder Resemble. Oder eines der anderen spezialisierten Programme, die genau dafür entwickelt wurden: menschliche Stimmen zu replizieren, zu klonen, synthetisch zu erzeugen.

Diese Tools können mit wenigen Minuten Audiomaterial eine Stimme kopieren und dann beliebige Texte damit einsprechen lassen. Das ist die Technologie, die für Sprecher relevant ist. Nicht ChatGPT.

Aber ChatGPT kennt jeder. ElevenLabs kennen die wenigsten.

Also wird ChatGPT zum Symbol. Zum Feindbild. Zum Sündenbock für alles, was mit „KI“ zu tun hat. Und die eigentliche Bedrohung bleibt unbenannt, unverstanden, undiskutiert.

Das ist nicht nur unpräzise. Es ist kontraproduktiv.

Wer seinen Feind nicht kennt, kann sich nicht verteidigen.


Dasselbe Muster überall

Das Sprecher-Beispiel ist kein Einzelfall. Ich sehe dasselbe Muster in jeder Branche.

Fotografen, die sich über „die KI“ aufregen, meinen meistens Midjourney oder Stable Diffusion. Aber sie schimpfen pauschal, als wäre jede KI-Anwendung eine Bedrohung für ihre Arbeit. Dabei nutzen viele von ihnen längst KI-gestützte Tools in Lightroom oder Photoshop, ohne mit der Wimper zu zucken.

Texter, die „die KI“ verdammen, meinen meistens ChatGPT. Aber sie vergessen, dass Übersetzungssoftware wie DeepL auch auf KI basiert. Dass Grammatik-Tools wie LanguageTool KI nutzen. Dass die Autokorrektur auf ihrem Smartphone KI ist.

Musiker, die gegen „die KI“ protestieren, meinen Suno oder Udio. Aber viele von ihnen arbeiten mit Software, die KI-gestützte Mastering-Funktionen hat. Die automatische Tuning-Korrekturen anbietet. Die Drums quantisiert.

Die Grenzen sind fließend. Und genau das macht die pauschale Ablehnung so absurd.


Die eigentliche Frage: Wer ist hier schuld?

Wenn wir schon dabei sind, über Bedrohungen zu reden, dann lasst uns über die richtige Bedrohung reden.

Kein KI-Tool hat jemals aktiv entschieden, jemandem den Job zu stehlen. Kein Algorithmus hat beschlossen, einen Künstler zu kopieren. Keine Software hat sich vorgenommen, einen Sprecher zu ersetzen.

Diese Entscheidungen treffen Menschen.

Ein Unternehmen entscheidet, keine echten Sprecher mehr zu buchen. Ein Auftraggeber entscheidet, mit KI-generierten Bildern zu arbeiten. Ein Mensch entscheidet, fremde Stile zu kopieren und als eigene Arbeit zu verkaufen.

Die Werkzeuge sind neutral. Die Absichten dahinter sind es nicht.

Wenn jemand mit Photoshop ein Foto manipuliert und damit Rufschädigung betreibt, ist dann Photoshop schuld? Wenn jemand mit einem Küchenmesser einen Menschen verletzt, ist das Messer der Täter?

Die Frage klingt rhetorisch, weil sie es ist.

Aber bei KI vergessen wir plötzlich diese grundlegende Logik. Wir personifizieren die Technologie, machen sie zum Akteur, zum Feind, zum Schuldigen. Und entlasten damit die Menschen, die tatsächlich fragwürdige Entscheidungen treffen.


Das eigentliche Problem: Diebstahl bleibt Diebstahl

Ja, es gibt echte Probleme. Große Probleme.

Menschen nutzen KI-Tools, um fremde Werke zu kopieren. Stimmen werden ohne Zustimmung geklont. Kunststile werden repliziert, ohne die Originalschöpfer zu nennen oder zu vergüten. Ganze Portfolios entstehen aus zusammengeklaubten Fragmenten anderer Leute Arbeit.

Das ist moralisch fragwürdig. In vielen Fällen ist es auch rechtlich fragwürdig. Und es verdient Kritik.

Aber die Kritik muss an die richtigen Adressaten gehen.

Wenn jemand mit ElevenLabs die Stimme eines Sprechers klont, ohne dessen Erlaubnis, dann ist nicht ElevenLabs der Täter. Der Mensch, der das Tool missbraucht, ist der Täter.

Wenn jemand mit Midjourney den Stil eines lebenden Künstlers kopiert und die Ergebnisse als eigene Kunst verkauft, dann ist nicht Midjourney das Problem. Der Mensch, der diese Entscheidung trifft, ist das Problem.

Die Technologie ermöglicht. Der Mensch entscheidet.

Diese Unterscheidung ist wichtig. Weil sie bestimmt, wie wir regulieren, wie wir diskutieren, wie wir als Gesellschaft mit diesen Veränderungen umgehen.


Wie wir die Diskussion führen sollten

Ich plädiere nicht dafür, KI kritiklos zu akzeptieren. Im Gegenteil.

Es gibt massive Fragen zu klären. Urheberrechtliche Fragen. Arbeitsmarktfragen. Ethische Fragen. Fragen der Transparenz, der Regulierung, der Vergütung.

Aber diese Fragen können nur sinnvoll beantwortet werden, wenn wir präzise sind.

Wenn ein Sprecher sich gegen Stimmklonungs-Software positionieren will, dann sollte er Stimmklonungs-Software benennen. Wenn ein Künstler gegen die Nutzung seines Stils in Trainingsdaten protestiert, dann sollte er die spezifischen Bildgeneratoren und deren Praktiken kritisieren.

Pauschale Aussagen wie „KI ist böse“ oder „KI zerstört alles“ sind nicht nur falsch. Sie verwässern die berechtigte Kritik so sehr, dass sie wirkungslos wird.

Wer über alles gleichzeitig schimpft, schimpft am Ende über nichts Konkretes.


Die unbequeme Wahrheit

Hier ist die Wahrheit, die niemand gerne hört:

Viele der Menschen, die am lautesten gegen „die KI“ wettern, haben sich nicht die Mühe gemacht zu verstehen, wovon sie reden. Sie haben Angst – berechtigte Angst – aber sie kanalisieren diese Angst in die falsche Richtung.

Und ja, ich verstehe, warum das passiert. Die Entwicklung ist schnell. Die Technologie ist komplex. Die Konsequenzen sind unübersichtlich. Es ist einfacher, einen großen Feind zu haben als zwanzig kleine Problemfelder zu analysieren.

Aber einfach ist selten richtig.

Wer in dieser Debatte ernst genommen werden will, muss Hausaufgaben machen. Muss verstehen, welche Tools was tun. Muss differenzieren können zwischen einem Textgenerator und einem Stimmkloner. Zwischen einem Analysetool und einem Bildgenerator. Zwischen einer Arbeitserleichterung und einer Existenzbedrohung.

Diese Differenzierung ist keine akademische Spielerei. Sie ist die Voraussetzung für jede sinnvolle Diskussion.


Ein Appell

An alle, die sich an dieser Debatte beteiligen wollen:

Hört auf, „die KI“ zu sagen, wenn ihr ein spezifisches Tool meint. Benennt es. Seid präzise.

Hört auf, Technologie zum Feind zu erklären. Schaut auf die Menschen, die sie einsetzen. Auf die Unternehmen, die Entscheidungen treffen. Auf die Strukturen, die Missbrauch ermöglichen oder verhindern.

Und vor allem: Informiert euch. Lest. Fragt nach. Probiert aus. Versteht, wovon ihr redet, bevor ihr urteilt.

Die Entwicklungen, die gerade passieren, sind zu wichtig für uninformiertes Geschrei.

Sie verdienen eine ernsthafte, differenzierte, sachliche Auseinandersetzung.

Von Menschen, die wissen, wovon sie reden.


Schluss

Es gibt berechtigte Kritik an vielen KI-Anwendungen. Es gibt echte Probleme, die gelöst werden müssen. Es gibt Fragen, auf die wir als Gesellschaft Antworten finden müssen.

Aber diese Antworten werden nicht von denen kommen, die alles in einen Topf werfen und umrühren.

Sie werden von denen kommen, die differenzieren können. Die verstehen, welches Tool welche Auswirkungen hat. Die wissen, dass nicht „die KI“ das Problem ist, sondern spezifische Anwendungen, spezifische Praktiken, spezifische menschliche Entscheidungen.

Die Technologie ist da. Sie wird nicht verschwinden.

Die Frage ist nur, wie wir mit ihr umgehen.

Und diese Frage beginnt mit Verständnis. Nicht mit Pauschalurteilen.



Ein Fachartikel über die Realität des KI-Kunstmarkts und die Entkräftung verbreiteter Mythen


Einleitung

Die Debatte um Künstliche Intelligenz in der Kunst wird häufig emotional geführt. In sozialen Medien, Foren und selbst in Fachkreisen begegnen uns regelmäßig zwei zentrale Behauptungen: „KI stiehlt Kunst“ und „Mit KI kann jeder Kunst machen, also ist es keine echte Kunst.“

Als jemand, der sich seit Jahren mit der Schnittstelle von Technologie und Kunst beschäftigt, möchte ich diese Narrative einer sachlichen Prüfung unterziehen – nicht um Kritiker zu verunglimpfen, sondern um Fakten von Befürchtungen zu trennen und einen differenzierten Blick auf ein faszinierendes Feld zu ermöglichen.


Mythos 1: „KI stiehlt Bilder“

Was die Kritiker behaupten

Die populärste Kritik lautet: KI-Bildgeneratoren wie Midjourney, DALL-E oder Stable Diffusion würden Kunstwerke „stehlen“, indem sie Bilder kopieren und neu zusammensetzen. Die Vorstellung ist, dass irgendwo in der Maschine gestohlene Bilder gespeichert sind, die dann wie ein Collage-Puzzle ausgespuckt werden.

Was tatsächlich passiert

Diese Vorstellung basiert auf einem fundamentalen Missverständnis der Technologie. KI-Modelle speichern keine Bilder. Sie lernen statistische Muster – ähnlich wie ein Mensch, der tausende Gemälde studiert, kein einzelnes Bild im Kopf „speichert“, sondern ein Verständnis von Komposition, Farbharmonie und Stil entwickelt.

Ein technischer Vergleich: Ein Diffusionsmodell mit mehreren Milliarden Parametern wurde auf Hunderten von Millionen Bildern trainiert. Würde es diese Bilder speichern, bräuchte es Petabytes an Speicher. Tatsächlich benötigt ein typisches Modell nur wenige Gigabyte – mathematisch unmöglich, wenn es sich um eine Bilddatenbank handeln würde.

Der Lernprozess in Kontext gesetzt

Jeder menschliche Künstler lernt durch das Studium anderer Werke. Kunsthochschulen lehren explizit das Kopieren alter Meister als Übung. Museen sind voll von Werken, die stilistisch aufeinander aufbauen. Die Impressionisten studierten japanische Holzschnitte, Picasso wurde von afrikanischer Kunst beeinflusst, und Andy Warhol verwendete buchstäblich Fotografien anderer als Grundlage.

Der Unterschied bei KI? Die Geschwindigkeit und Skalierung – nicht das Prinzip.


Mythos 2: „Echte Künstler können mit KI keine Kunst machen“

Die versteckte Annahme

Dieser Mythos basiert auf der Annahme, dass künstlerischer Wert ausschließlich in der handwerklichen Ausführung liegt. Drückt man einen Knopf und erhält ein Bild, sei dies keine Kunst, weil keine „echte Arbeit“ geleistet wurde.

Eine kurze Geschichte der „Nicht-Kunst“

Diese Argumentation ist nicht neu. Sie wurde bei jeder technologischen Innovation in der Kunst vorgebracht:

  • Fotografie (19. Jahrhundert): „Das ist keine Kunst, die Maschine macht das Bild.“
  • Digitale Kunst (1990er): „Photoshop ist Betrug, echte Künstler malen.“
  • Synthesizer (1970er): „Das ist keine echte Musik, die Maschine spielt.“

Heute hängen Fotografien in jedem bedeutenden Museum der Welt, und niemand würde ernsthaft behaupten, Ansel Adams oder Annie Leibovitz seien keine Künstler gewesen.

Was KI-Künstler tatsächlich tun

Die Arbeit eines ernsthaften KI-Künstlers umfasst:

  1. Konzeptentwicklung: Die künstlerische Vision, die Aussage, das Thema
  2. Prompt Engineering: Die präzise sprachliche Formulierung, die oft Dutzende Iterationen erfordert
  3. Kuratierung: Die Auswahl aus hunderten generierter Varianten
  4. Nachbearbeitung: Compositing, Farbkorrektur, Integration in größere Werke
  5. Kontextualisierung: Die Einbettung in einen künstlerischen Diskurs

Ein professioneller KI-Künstler investiert häufig genauso viele Stunden in ein Werk wie ein traditioneller digitaler Künstler – nur verteilen sich diese Stunden anders.


Die Realität des Kunstmarkts: KI-Kunst wird verkauft, gesammelt und ausgestellt

Auktionshäuser und Rekordverkäufe

Der Kunstmarkt hat längst reagiert – und zwar nicht mit Ablehnung:

Christie’s machte 2018 Geschichte, als das KI-generierte Werk „Portrait of Edmond de Belamy“ des Künstlerkollektivs Obvious für 432.500 US-Dollar versteigert wurde – das 40-fache der Schätzung.

Sotheby’s hat seitdem eigene Kategorien für digitale und KI-gestützte Kunst etabliert. Der Künstler Refik Anadol verkaufte sein Werk „Unsupervised“ als NFT über Sotheby’s für über eine Million Dollar.

Hinweis: Diese Verkäufe geschehen nicht trotz, sondern wegen der KI-Komponente. Sammler erkennen die konzeptuelle Tiefe und kunsthistorische Relevanz.

Galerien, die KI-Kunst vertreten

Weltweit haben sich spezialisierte Galerien etabliert:

  • Bitforms Gallery (New York) – Seit über 20 Jahren auf digitale und algorithmische Kunst spezialisiert
  • Kate Vass Galerie (Zürich) – Fokus auf KI-generierte und NFT-Kunst mit regelmäßigen Ausstellungen
  • Unit London – Vertritt KI-Künstler neben traditionellen zeitgenössischen Positionen
  • Gazelli Art House (London/Baku) – Pionierin für Virtual Reality und KI-Kunst
  • Transfer Gallery (New York/Los Angeles) – Spezialisiert auf Kunst, die neue Technologien erforscht

Diese Galerien repräsentieren keine Nische mehr, sondern einen wachsenden Sektor des zeitgenössischen Kunstmarkts.

Museen und institutionelle Anerkennung

Die bedeutendsten Kunstinstitutionen der Welt haben KI-Kunst in ihre Sammlungen und Programme aufgenommen:

Museum of Modern Art (MoMA), New York:
Das MoMA hat Werke von Refik Anadol ausgestellt und erforscht aktiv die Beziehung zwischen Kunst und Algorithmen in seiner kuratorischen Praxis.

Centre Pompidou, Paris:
Das Zentrum für moderne Kunst hat mehrere Ausstellungen zur Beziehung zwischen KI und Kreativität organisiert und sammelt aktiv Werke, die maschinelles Lernen einsetzen.

Victoria & Albert Museum, London:
Das V&A hat die Ausstellung „AI: More than Human“ präsentiert und KI-generierte Werke in seine Sammlung aufgenommen.

Ars Electronica, Linz:
Das führende Festival für Kunst, Technologie und Gesellschaft vergibt seit Jahren Preise an KI-Künstler und hat eine umfangreiche Sammlung aufgebaut.

ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe:
Als eines der weltweit wichtigsten Medienkunstmuseen sammelt und forscht das ZKM seit Jahrzehnten zu algorithmischer und generativer Kunst.

Serpentine Galleries, London:
Die renommierte Londoner Institution hat wiederholt KI-basierte Installationen gezeigt und arbeitet aktiv mit KI-Künstlern zusammen.


Erfolgreiche KI-Künstler: Profile

Refik Anadol

Der türkisch-amerikanische Medienkünstler nutzt Machine Learning, um immersive Installationen zu schaffen, die Architektur und Daten verbinden. Seine Werke wurden im MoMA, der Walt Disney Concert Hall und der Casa Batlló in Barcelona gezeigt. Er ist in bedeutenden Sammlungen vertreten und seine Arbeiten erzielen regelmäßig siebenstellige Verkaufspreise.

Holly Herndon & Mat Dryhurst

Das Künstlerduo arbeitet an der Schnittstelle von Musik, KI und visueller Kunst. Mit ihrem Projekt „Spawning“ haben sie auch die ethische Debatte um KI-Training aktiv mitgestaltet und zeigen, dass KI-Künstler oft die nachdenklichsten Stimmen in dieser Diskussion sind.

Mario Klingemann

Der deutsche Künstler, der unter dem Namen „Quasimondo“ bekannt ist, zählt zu den Pionieren der neuralen Ästhetik. Seine Werke wurden bei Sotheby’s versteigert und sind in internationalen Sammlungen vertreten. Klingemann betont stets die kuratorische und konzeptuelle Arbeit hinter seinen Werken.

Sofia Crespo

Die argentinische Künstlerin nutzt KI, um biologische und künstliche Ästhetik zu verschmelzen. Ihre „Artificial Natural History“-Serien erforschen alternative evolutionäre Pfade und wurden international ausgestellt.


Die philosophische Dimension: Was ist Kunst?

Marcel Duchamp hat diese Debatte schon 1917 geführt

Als Duchamp ein handelsübliches Urinal signierte und als „Fountain“ ausstellte, löste er einen Skandal aus. Die Kritik damals: Das sei keine Kunst, weil Duchamp nichts selbst gefertigt habe.

Heute gilt dieses Werk als Wendepunkt der Kunstgeschichte und die Erkenntnis, die daraus folgte: Kunst liegt nicht in der handwerklichen Ausführung, sondern in der konzeptuellen Geste, der Kontextualisierung und der Bedeutung.

KI-Kunst reiht sich in diese Tradition ein. Die Frage „Kann eine Maschine Kunst machen?“ ist philosophisch weniger interessant als die Frage: „Was macht ein Künstler mit dieser Maschine?“

Autorschaft und Werkzeug

Ein Architekt zeichnet selten jeden Bauplan selbst – er nutzt Software, Teams, Berechnungen. Dennoch ist das Gebäude sein Werk. Ein Regisseur bedient keine Kamera, schneidet nicht selbst – dennoch ist der Film sein Werk.

Die Vorstellung, dass Kunst nur dann „echt“ sei, wenn ein Einzelner jeden Pinselstrich selbst ausführt, ist eine relativ moderne und begrenzte Sichtweise. Historische Meister wie Rubens, Rembrandt oder Warhol arbeiteten mit großen Ateliers und Assistenten.


Eine differenzierte Perspektive auf legitime Bedenken

Anerkennung der echten Probleme

Dies ist kein Plädoyer dafür, alle Kritik abzutun. Es gibt legitime Diskussionen:

  • Urheberrechtliche Fragen: Wie sollten Trainingsdaten lizenziert werden? Hier arbeiten Gesetzgeber, Künstler und Technologieunternehmen an Lösungen.
  • Wirtschaftliche Verdrängung: Der Arbeitsmarkt für Illustratoren verändert sich. Dies erfordert sozialpolitische Antworten, nicht technologische Verbote.
  • Qualitätsflut: Die niedrige Einstiegshürde führt zu einer Masse mittelmäßiger Bilder. Doch dies war bei der Digitalfotografie genauso – und hat die Kunstfotografie nicht zerstört.

Panikmache hilft niemandem

Was nicht hilft, sind apokalyptische Narrative, die auf technischen Missverständnissen basieren. Die Behauptung „KI stiehlt“ ist faktisch falsch und vergiftet eine Debatte, die differenziert geführt werden sollte.

Ebenso wenig hilft die Behauptung, KI-Kunst sei „keine echte Kunst“. Die Geschichte hat gezeigt: Der Kunstbegriff erweitert sich kontinuierlich, und Gatekeeping auf Basis von Werkzeugen war noch nie erfolgreich.


Ausblick: Die Zukunft der KI-Kunst

Integration statt Opposition

Die wahrscheinlichste Entwicklung ist nicht ein Entweder-Oder, sondern eine Integration. Viele Künstler nutzen KI bereits als eines von vielen Werkzeugen:

  • Fotografen verwenden KI für Bildoptimierung
  • Maler nutzen KI für Vorskizzen und Inspiration
  • Konzeptkünstler integrieren KI-Reflexionen in ihre Arbeit

Neue künstlerische Möglichkeiten

KI ermöglicht Ausdrucksformen, die zuvor unmöglich waren:

  • Interaktive Installationen, die in Echtzeit auf Betrachter reagieren
  • Datenvisualisierungen von enormer Komplexität
  • Kollaborationen zwischen Mensch und Maschine als konzeptuelles Statement

Der Kunstmarkt wird sich anpassen

So wie der Markt Fotografie, Video und digitale Kunst absorbiert hat, wird er auch KI-Kunst integrieren. Die Frage ist nicht ob, sondern wie – und welche Qualitätskriterien sich entwickeln.


Fazit

Die Behauptungen, KI „stehle“ Kunst und „echte“ Künstler könnten mit KI keine Kunst schaffen, halten einer sachlichen Überprüfung nicht stand. Sie basieren auf technischen Missverständnissen und einem engen Kunstbegriff, der historisch schon mehrfach überholt wurde.

Der Kunstmarkt, die Museumslandschaft und die Kunstwissenschaft haben KI-Kunst längst als legitimes Feld anerkannt. Werke werden für sechsstellige Summen gehandelt, in bedeutenden Sammlungen aufgenommen und in den wichtigsten Institutionen der Welt ausgestellt.

Das bedeutet nicht, dass jede KI-generierte Bilderflut in sozialen Medien Kunst ist – genauso wenig wie jedes Handyfoto Kunst ist. Aber die Pauschalverurteilung eines gesamten Mediums ist weder historisch informiert noch intellektuell redlich.

Die Kunstwelt hat sich immer weiterentwickelt. Von der Höhlenmalerei zur Ölmalerei, von der Skulptur zur Installation, von der Leinwand zum Bildschirm. KI ist das nächste Kapitel dieser Geschichte – und es wird gerade geschrieben.


Dieser Artikel lädt zur Diskussion ein. Haben Sie Ergänzungen, Kritik oder Fragen? Der Dialog über die Zukunft der Kunst sollte von Neugier geprägt sein, nicht von Angst.

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Warum die KI-Panikmacher falsch liegen: Eine sachliche Einordnung der KI-Kunst

Ein Fachbeitrag zur aktuellen Debatte um künstliche Intelligenz in der bildenden Kunst


Einleitung: Eine Debatte, die Klarheit braucht

Die Diskussion um KI-generierte Kunst ist emotional aufgeladen. In sozialen Medien, auf Kunstforen und in Feuilletons begegnen uns immer wieder dieselben Behauptungen: KI würde „nur stehlen“, echte Künstler könnten mit KI keine „echte Kunst“ machen, und das gesamte Feld sei moralisch verwerflich.

Als jemand, der sich intensiv mit der Schnittstelle von Technologie und Kunst beschäftigt, möchte ich diese Narrative sachlich prüfen und dort korrigieren, wo sie einer kritischen Analyse nicht standhalten. Dabei geht es mir nicht darum, berechtigte Kritik zu ignorieren – sondern darum, zwischen legitimen Bedenken und unbegründeter Panikmache zu unterscheiden.


Märchen Nr. 1: „KI stiehlt Bilder und setzt sie zusammen“



Warum es Zeit ist, das KI-Bashing zu beenden


Stell Dir vor, jemand hätte Michelangelo gesagt, seine Sixtinische Kapelle sei keine echte Kunst – weil er Gerüste benutzt hat. Oder man hätte den Impressionisten erklärt, ihre Werke seien wertlos, weil industriell gefertigte Tubenfarben zum Einsatz kamen.

Absurd? Natürlich.

Und doch erleben wir genau diese Diskussion heute wieder. Nur geht es diesmal nicht um Ölfarben versus Tempera, nicht um Kamera versus Leinwand. Es geht um künstliche Intelligenz.


Das ewige Missverständnis: Werkzeug versus Schöpfer

Hier liegt der fundamentale Denkfehler, den ich immer wieder beobachte: Die Verwechslung von Stilmittel und Kunstwerk.

Ein Pinsel malt kein Bild. Eine Kamera schießt kein Foto. Und eine KI erschafft keine Kunst.

Du erschaffst sie.

Das Werkzeug ist neutral. Es wartet. Es hat keine Intention, keine Vision, keine Aussage. All das bringst Du mit. Deine Perspektive, Deine Erfahrungen, Dein ästhetisches Empfinden, Deine Entscheidungen – tausende davon, bewusst und unbewusst.

Wenn jemand behauptet, Synthografie sei keine Kunst, weil eine KI beteiligt ist, dann versteht diese Person nicht, was Kunst eigentlich ausmacht. Sie verwechselt das Wie mit dem Was.


Wo Kunst wirklich beginnt

Lass mich eine These formulieren, die vielleicht provoziert:

Wahre Kunst beginnt genau dort, wo das „Wie“ irrelevant wird.

Stehst Du vor einem Werk, das Dich berührt, das Dich zum Nachdenken bringt, das etwas in Dir auslöst – fragst Du dann wirklich zuerst nach der Technik? Interessiert es Dich, welche Pinselgröße verwendet wurde? Welche Kameraeinstellung? Welcher Algorithmus?

Oder interessiert Dich das Werk selbst?

Ein Kunstwerk, das Bestand hat, überdauert die Diskussion über seine Entstehung. Es steht für sich. Es kommuniziert. Es lebt.

Die Fixierung auf die Technik ist oft eine Flucht vor der eigentlichen Auseinandersetzung. Es ist einfacher, über Werkzeuge zu urteilen, als sich einem Werk wirklich zu öffnen.


Die Synthografie emanzipiert sich

Und hier wird es spannend. Denn die Synthografie – die Kunst der KI-gestützten Bildgenerierung – entwickelt sich rasant weiter. Was gestern noch als „prompten und hoffen“ belächelt wurde, hat sich fundamental gewandelt.

Mit JSON-Programmierung beginnt die echte Kontrolle.

Du definierst nicht mehr nur grob, was entstehen soll. Du orchestrierst jeden Aspekt: Komposition, Lichtführung, Farbtemperatur, räumliche Beziehungen, emotionale Atmosphäre. Du baust Strukturen, schaffst Systeme, entwickelst einen visuellen Syntax.

Das ist nicht weniger komplex als das Mischen von Farben oder das Verstehen von Belichtungszeiten. Es ist anders – aber nicht weniger anspruchsvoll.

Der Synthograph von heute ist Programmierer, Regisseur und bildender Künstler in einer Person. Er denkt in Schichten, in Beziehungen, in bedingten Strukturen. Er entwickelt einen eigenen Stil, eine eigene Handschrift – und ja, die ist erkennbar, genauso wie Du einen Rembrandt von einem Vermeer unterscheiden kannst.


Das eigentliche Problem mit dem KI-Bashing

Warum also das aggressive Ablehnen? Ich sehe mehrere Gründe – und keiner davon hat mit legitimer Kunstkritik zu tun:

1. Angst vor Kontrollverlust
Wenn die Einstiegshürde sinkt, fühlen sich manche bedroht. Das Gatekeeping wird schwieriger. Aber war Kunst jemals ein exklusiver Club? Sollte sie es sein?

2. Unverständnis der tatsächlichen Praxis
Die meisten Kritiker haben nie ernsthaft mit KI-Tools gearbeitet. Sie stellen sich vor, man tippe „schönes Bild“ ein und die Maschine liefert. Die Realität – stundenlanges Iterieren, präzises Ausformulieren, technisches Feintuning – kennen sie nicht.

3. Verklärung der Handarbeit
Als wäre manuelle Arbeit per se wertvoller. Als hätte nicht jede Kunstepoche mit neuen Technologien gekämpft und sie letztlich integriert.

4. Sorge um den Kunstmarkt
Verständlich, aber keine ästhetische Kategorie. Kommerzielle Bedenken sind legitim – aber sie definieren nicht, was Kunst ist.


Kunst lebt

Und damit kommen wir zum Kern. Kunst ist kein statisches Konzept. Sie war es nie.

Kunst lebt.

Sie atmet mit ihrer Zeit. Sie absorbiert neue Technologien. Sie sprengt Grenzen, die man ihr setzen wollte. Sie taucht dort auf, wo man sie nicht erwartet – und sie lässt sich nicht in Schubladen pressen.

Die Fotografie hat die Malerei nicht beendet – sie hat sie befreit. Der Film hat das Theater nicht ersetzt – er hat neue Erzählformen erschaffen. Und die Synthografie wird die traditionellen Künste nicht verdrängen – sie erweitert das Spektrum menschlichen Ausdrucks.


An Dich, der mit KI kreiert

Lass Dir nicht einreden, was Du tust, sei keine Kunst.

Deine Vision macht den Unterschied. Deine unzähligen Entscheidungen. Dein ästhetisches Urteil, das dieses Ergebnis verwirft und jenes verfeinert. Dein Mut, etwas zu erschaffen und es in die Welt zu stellen.

Ob Du dabei einen Pinsel, eine Kamera, einen Code oder einen Prompt verwendest – das definiert nicht den Wert Deiner Arbeit.

Der Künstler definiert die Kunst. Nicht das Werkzeug.

Und wenn Dein Werk berührt, wenn es Fragen aufwirft, wenn es Bestand hat – dann ist es Kunst.

Unabhängig davon, was irgendjemand über das „Wie“ sagt.


Kunst hat sich noch nie an die Erwartungen ihrer Kritiker gehalten. Warum sollte sie jetzt damit anfangen?